Version Original: "Needles And Pins",

La verdad es que fue una pregunta de mi primo Germán (Mus) lo que dio pie a esta "sección" en la que indagamos sobre el origen de algunos temas, buscando su versión original y las curiosidades que rodean a cada una de ellas. En particular, la pregunta de mi primo era (mas o menos):" Primo se que no eran de los Ramones por que en la peli "the Commitments" sale otro grupo haciendo una versión y la peli fue antes que este LP pero ¿De quien es la original? ¿Sabes el porqué de su nombre?".... Bueno, iremos desgranando las respuestas poco a poco, de momento, enhorabuena por tu memoria cinematográfica, yo he tenido que revisar la película en cuestión para descubrir que en la escena de la primera boda, la infumable banda que ameniza el acto tocan una pésima versión de este clásico de la música pop, pero vayamos al tema...

Los Ramones no fueron la primera banda de Punk-Rock, pero si fueron los mejores y los que más han influido en posteriores formaciones. Y eso que ninguno de sus sencillos consiguió repercusión comercial, tan sólo dos de sus trabajos discográficos consiguió entrar en el top 50 del Billboard. Inventaron todo un nuevo estilo a golpe de camisetas negras, chupas de cuero y botas, estos cuatro jóvenes con el mismo apellido, pero sin ser hermanos, comenzaron su andadura en Queens, y rapidamente dieron forma, espíritu e imagen al incipiente Punk-Rock, con interpretaciones simples, minimalistas, repetitivas y muy potentes,en clara oposicion a la pomposidad y complejidad de los temas de otras bandas que triunfaban en aquellos años 70. Este sonido se basaba principalmente en las cuerdas de Johnny Ramone (John Cummings)y la intensa voz de Joey Ramone (Jeffry Hyman), un maniaco depresivo compulsivo de cuidado, que se había criado con su madre escuchando a The Who o The Stooges. Los seguidores de la banda se cuentan como legión y su sombra se extiende hasta nuestros días sin perder nada de su potencia, entre las pocas baladas que interpretaron, se encuentra esta "apasionada" interpretación de "Needles & Pins" que incluian en uno de sus discos más vendidos "Road to Ruin" (1978).



Muchas otras bandas y solistas han interpretado este tema a lo largo del tiempo, Smokie, Cliff Richard, Tom Petty and Stevie Nicks, the Venturers, Del Shannon, The Turtles...pero vayamos a su momento de gloria..

The Searchers fueron un grupo con muchos puntos en común con the Beatles, ambos originarios de Liverpool, ambos se curtieron en Hamburgo y las dos bandas se dieron a conocer en un pequeño club, Beatles en the Cavern y los Searchers en el Iron Door, tán sólo a una esquina de distancia. Pero ambos grupos desarrollaron un sonido propio, y consiguiendo, a distinto nivel, éxitos de consideración, en especial entre 1963 y 1966. Los Searchers cosiguieron su primer número 1 con una sola sesión de grabación para el sello PYE en la primavera de 1963, el tema elegido fue una versión "Mersey" de el clásico de the Drifters: "Sweets for my sweet", su siguiente éxito "Sugar and spice" les mantiene en el número 2 de las listas UK.

La competencia entre las bandas inglesas de aquellos años era tremenda, los Beatles tenían mejores composiciones, los Hollies mejores armonias vocales, pero the Searchers conseguian un sonido único. En 1964 llega su reconocimiento internacional con el mayor de estos éxitos, lo disfrutaron a principios de 1964 con un tema que habían escuchado unos meses antes en Hamburgo a Cliff Bennet & The Rebel Rousers, el single "Needles and pins" / "Saturday night out", conseguiría escalar rápidamente al nº 1 en Gran Bretaña y el 13 en Estados Unidos. Para mi es la versión mas conseguida, poco más de dos minutos de melodía perfecta, con una base ritmica impecable y, en especial, unas guitarras brillantes. Desde los acordes de la introducción ya cobran protagonismo, cuenta el guitarrista John McNally que muchos otros grupos les felicitaron por haber utilizado una guitarra eléctrica de doce cuerdas para este tema, la realidad es que los Searcher nunca habían utilizado un instrumento así, pero enseguida corrieron a comprar una. En realidad en la grabación original suenan dos guitarras de seis cuerdas tocadas al unisono, la Gibson ES345 de Mike Pender y la Hofner Club 60 tocada por John McNally. El efecto se consigue por que la primera producía un sonido semi grave y la Hofner un tono muy agudo, producido por una modificación de los cables de las pastillas cuando la desmontaron para pintarla, este estlo marcó a otras generaciones de músicos, no hay más que escuchar los primeros discos de the Birds o the Turtles para darse cuenta.

1964 fue sin duda el mejor año para "Needles and pins", pero no su primera vez en las listas, un año antes la cantante de Kentucky, Jackie DeShannon ya había conseguido un éxito menor al otro lado del charco, el tema alcanzó un tibio nº 84 en las listas USA en mayo de ese mismo año, pero subió algo más en las de Canadá. La interpretacion es genial tiene un toque maravilloso y personal y el tema funciona a la perfección , sin embargo, el mercado musical es muy complicado, está saturado de melodías parecidas y no acaba de calar entre el público. Y aquí podía acabar la historia ya que en realidad la primera vez que se grabó este tema fue ese año, además algunos adjudican la autoría del tema a la propia Jackie, algo que no es cierto...pero, por supuesto, hay más que contar.

Jack Nitzsche, antes de ser el principal arreglista de Phil Spector, se buscaba la vida copiando partituras para estudios de grabación, durante esa época conoció a Sonny Bono, un tipo curioso que igual tocaba la percusión, hacía promociones de cantantes, arreglos o componía. Junto a él compone "Needles and pins", según Sonny, basada en una experiencia personal, la sencilla melodía, basada en una progresión de acordes, habla sobre el dolor de dejar a alguien y darse cuenta tarde de el error, habla del dolor ("...así empiezan, agujas y alfileres. Por todo mi orgullo, las lágrimas tengo que ocultar).

Deciden ofrecerle el tema a una joven artista en auge, Jackie DeShannon, pero como es costumbre, deciden grabar una demo para que la cantante la escuche. Para la ocasión eligen a una joven acostumbrada a estos menesteres y a hacer coros y segundas voces en grabaciones de otros artistas, la joven en cuestión era un novia de Sonny, con la que posteriormente se casaría y formaría un dúo de relativo éxito. Por supuesto os hablo de Cher, que posteriormente tambien gabaría la canción, se puede considerar su primera interprete, aunque nó la primera en registrarla en vinilo. Este dato está muy cuestionado, sin embargo existen bastantes probabilidades de que sea cierto. Por de pronto os dejo esta curiosa sesión de grabación dirigida por el propio Sonny, que os puede dar una idea de lo que fue aquella demo...

Smash "Agua y aceite"

“Al principio lo veía un poco complicado. ¿Cómo se puede unir agua y aceite de oliva? No se puede. Bueno, si se meten en una diapositiva y se calienta un poco y lo proyectas, salen imágenes psicodélicas, que se mueven, ¿no? Es verdad...Eso es fusión.....En aquellos tiempos todo el mundo se asombraba con nosotros, tanto los flamencos como los rockeros. Hoy la fusión es cotidiana, pero entonces no.” (Henrik Liegbott)

"El Flamenco se lleva bien con el Rock porque todas las músicas contienen las mismas notas, sólo hay quien saberlas tocar adecuadamente, y con ese dón se nace o no se nace". Esta frase, dicha por Manuel Molina (miembro de Smah al final de su carrera) resume la idiosincrasia del grupo. Smash fueron, sin saberlo, algo así como el primer "supergrupo" español, atrevidos, innovadores, insensatos y locos geniales. Mucho se ha escrito sobre la revolución que supuso "La leyenda del tiempo" de Camarón en 1979, fusionando el flamenco tradicional con los nuevos aires, y así fue, por supuesto. Pero hay que recordar que unos 8 años antes, durante una época mas complicada, políticamente hablando, nada dada a las innovaciones culturales, unos sevillanos se anticiparon e incluso adelantaron a lo que un poco mas tarde hicieran Módulos, Pata negra, Medina Azahara, Triana...experimentando en terrenos nunca pisados por músicos españoles , como la psicodelia, el rock progresivo, el blues...incorporando sin complejos violines, la tabla hindú, el clavicordio o un Sitar, a sus Stratocaster y guitarras españolas....intentaremos desgranar su historia, un puzzle de dificil composición, lleno de imágenes psicodelicas...

Durante la segunda mitad de los años sesenta en Andalucía se respiraba un ligero (y aún minoritario) aire de libertad y vanguardia, en una españa aletargada y enquilosada comenzaban a brotar por toda la península diversos brotes de creatividad y rebeldía. Pero más concretamente en capital hispalense, grupos como los soñadores, los jovenes excentricos o los murciélagos ya andaban abonando el camino del cambio para abrir las mentes a nuevos y más sofisticados estilos musicales. Formaciones que buscaban y deseaban la vanguardia musical que Radio Vida (pionera emisora sevillana) avivava desde sus ondas, vanguardia alimentada por la cercanía de las bases americanas de Morón de la frontera o Rota, y que propiciaba que cientos de jóvenes intercambiaran todo tipo de objetos a cambio de los vinilos de Rock, Blues y Soul que traían los soldados asentados en ellas. Entre estos jóvenes se encontraba Gualberto García (Triana 1945), residente en el barrio de Santa Clara en Sevilla, lugar donde pernoctaban los soldados americanos de la base de Morón. Gualberto estaba más acostumbrado a escuchar a The Doors, Otis Redding, Hendrix o Janis Joplin, que (ojo, sin desmerecer a nadie) a Encarnita Polo, los Top-Son o el Dúo Dinámico. Forma parte de grupos como Nuevos Tiempos o los Murcielagos (con los que consigue una gira en un crucero, tocan temas de Pink Floyd, Yardbirds, Beatles, Hollies, pero el pasaje les pide coplas y pasodobles, finalmente les "permiten" permanecer a bordo siempre y cuando no se suban al escenario). En 1967 tras acudir a filas Gualberto se había quedado sin grupo, interpreta en solitario en diversos locales, hasta que cae en uno propiedad de Gonzalo García-Pelayo (el de el famoso método para ganar en los Casinos) "Club Don Gonzalo", tras un tiempo Gonzalo le ofrece los instrumentos de un ex grupo de Gualberto que tuvo que disolverse al ser llamado a filas (los Gong), a cambio de formar una nueva banda, Gualberto acepta y comienza a buscar entre sus antiguos colaboradores a los posibles miembros de la banda.


"Nazarin Again" (la sombra de Dylan es alargada)

Para la formación inicial del grupo ficha a Julio Matito (bajo y voz) y a Antonio Rodriguez (bateria), con ellos comienza una serie de conciertos (en la que cuentan con la colaboración del violinista y guitarrista danés Henrik Liebgott) que llama la atención de las discográficas. En 1969 debutan por fin en formato single con “Scouting”, con " Sonetto" en su cara B. En su inicio su sonido se acercaba más al rock, al blues, con pequeños toques de psicodelia, el disco editado por Diabolo (una discográfica pequeña) no tuvo mucha distribución ni repercusión apenas. Tras un segundo sencillo fichan por fin con una compañía con los medios suficientes para expandir al máximo el potencial del grupo: Philips.

Sus siguientes singles con Philips consiguen calar un poco más entre el público, tras ser recopilados en su único Ep, se lanzan a lo grande con su primer Lp “Glorieta de los Lotos” (Phillips, 1970). La critica mas puntera del país recibe con gran emoción el lanzamiento de este disco, en especial Musical Express o la revista “Triunfo” donde Luis Dávila ( en realidad pseudonimo de Manuel Vázquez Montalbán) escribía sobre Rock progresivo y vanguardia. Sin embargo este primer Lp no anda exento de cierta controversia, durante la gestación del mismo, Gualberto viaja a los EEUU (el padre de su novia dirigía un casino en Las Vegas, y era una oportunidad única para ver a grandes estrellas como Elvis o Sinatra en directo, tambien va a Woodstock) por lo que no toca en algunos de los temas, de hecho en la portada ni siquiera aparece, su regreso a España se produce tras una llamada de Antonio en el que le cuenta que el grupo es un caos y que van camino del desastre. Tambien estuvieron las disputas con la discográfica que les imponía tocar alguna versión de un artista conocido, evidentemente ellos se negaron en redondo. Al final el disco resultó un compendio de las inquietudes y locuras del grupo, experimentaciones con el rock progresivo, ricas a nivel instrumental y vocal como la psicodélica "Forever Walking”, bues acústicos como “Free as the Green Little Man”, algo que recuerda a música de cámara, un tema muy Dylan "Nazarin Again" (donde el violín de Henrick suena absolutamente country), un tema grabado al revés, acid-rock y un montón de influencias de gente como Love, Cream, Hendrix o Canned Heat. En definitiva un impresionante, caótico, y extraño debút para una banda española de rock de hace más de 40 años.


"Love Millonare" , un tema pop con brillante ritmo y coros

La experimentación les llega de la mano de la compañía teatral Esperpento, andaban preparando una adaptacion undreground de “Antígona” de Bertolt Brecht, y les ofrecen la posibilidad de musicarla, aunque el resultado de aquel montaje fue un fracaso, el prestigio del grupo escaló unos peldaños entre el público "alternativo". Gualberto solía decir que aquel caos era parte del grupo, y al final su mejor resultado y que en realidad sus grabaciones no les hacían justicia
Ese mismo año el mítico empresario de la noche barcelonesa Oriol Regás (fundador del Bocaccio la "boîte" más más inn de la ciudad) pone a disposición del grupo un apartamento en la Costa Brava, incluyendo nuevo equipo y algo de dinero como adelanto de su próximo trabajo. En ese momento la banda ve la oportunidad de desligarse de Philips, compañía que nunca entendió a Smash y les presionaba constantemente para que grabaran versiones de otros grupos anglosajones. Para finalizar el contrato con la discográfica graban “Esta vez venimos a golpear” (Phillips, 1971), un disco donde experimentan sin tapujos en el psicoprogresivo más radical, con cortes folk-rock barroco como "First mouvement", baladas al estilo "White Albúm" de Beatles como “My funny girl”, sonidos arabes y por fin algo de flamenco, "“Behind the Stars” una fantasia moruna compuesta por Gualberto y su novia Jessica Jones, remarcada el cante de Juan Peña" El Lebrijano".

El disco es un fracaso de ventas, pero les libera de Philips, Regás les propone a Alain Milhaud (los Canarios, Pop-Tops, los Bravos) como productor, mientras que Ricardo Pachón (manager del grupo) intenta propiciar un giro en el sonido de la banda, ve en la fusión flamenca un camino nuevo y prometedor, para ello convence a Manuel Molina, un joven guitarrista flamenco que acepta entrar en el grupo a cambio de librarse de la mili. Con esta nueva formación comienzan a grabar, Milhaud les permite un montón de sesiones, pero se guarda la potestad para permitir publicar las que él considere oportunas y comerciales. El primer sencillo fue lo más cercano a un éxito que tuvieron durante toda su carrera “El Garrotín / Tangos de Ketama” (Bocaccio, 1971) abre el camino de la fusión de estilos a nuevas generaciones de músicos. El resultado no gusta nada a Gualberto, este giro comercial le parece blando y oportunista, así que abandona el grupo, pero el nombre Smash había sido registrado por él (ya que era el único que tenía el carnet del sindicato de músicos) así que llega a un acuerdo, y lo cede a cambio de su guitarra y el ampli, finalmente firma, pero se va con las manos vacías, enfadado, se marcha a los Estados Unidos con su novia.

Sin Gualberto, el grupo vuelve a ser un caos, Milhaud prepara lo que va aser su tercer disco, pero tras el fracaso de “Ni recuerdo, ni olvido” (Bocaccio, 1972), Julio Matito tambien abandona el grupo, así que deciden finalizar la aventura a finales de ese mismo año. sus grabaciones fueron apareciendo poco a poco en diversas recopilaciones, temas inéditos se recuperan en un LP titulado “Vanguardia y Pureza del Flamenco” (Chapa, 1978), cinco temas en la cara A, mientras en la B se encuentra unos cantes de Agujetas con la guitarra de Manolo Sanlúcar. Gualberto continuó en solitario, aunque acabó como arreglista, al igual que Matito, Henrik regresó a su pais donde triunfó fusionando flamenco, Antonio Rodriguez continuo como batería con gente como Pata Negra, Goma o Kiko Veneno, y finalmente Manuel Molina, que alcanzará altas cotas de popularidad al formar junto a su mujer Dolores Montoya el dúo Lole y Manuel.

Algo más que simples pioneros del Flamenco-rock, el rock andaluz o como se quiera definir, Smash reunió en sus filas a elementos de indudable talento creativo y músical, parte imprescindible (y olvidada) de la historia de la música en España, especialmente en su vertiente rock, psicodélico y progresivo. Nada mejor que las palabras del propio Gualberto como resumen y broche final: "Todos somos parte de la misma historia, historia hecha solamente con música y duende. No hemos cambiado el mundo pero a la música sí que le hemos dado un empujoncito".

Version original: "Love of the Common People"

Para muchos de mi generación la música que decubrímos en las discotecas a finales de los 80 era muy diferente de aquellos primeros "rompe-pistas" de la década de los 70. Los sonidos que predominaban (al menos por aquí) habían roto las barreras del tecno y los sintetizadores, para evolucionar a un sonido mas cool, donde percusión y guitarra acompañaban las elaboradas y góticas letras que conformaban aquellas melodias. Entre los Simple minds, Silencers, Lloyd Cole & the Conmotions, the Esence, Hard Rain, etc...se encontraba un grupo de elegantes y romanticos guaperas, con aire triste y melancólico, cuyos teman solían ser el climax emocional de cualquier buena sesión de la época. Entre los muchos artistas (o temas) de aquella corriente romántica cabría destacar a gente como Black ("Wonderful life"), Phil Seymour ("Precious to me"), Somewhere over England ("If i ever fall in love") y también Paul Young y su "Love Of The Common People ", para la mayoría de nosotros esos temas comenzaban y acababan en las voces de aquellos interpretes de moda...pero yo nunca he pertenecido a la mayoría..

Paul Young (Bedfordshire 1956) saltó a la fama en 1982, tras pasar por formaciones como Kat Kool & The Kool Kats, Streetband o Q-Tips, con "Love of the Common People", un pop facilón y blandito, aunque resultón, tema que en principio se ideó como un diptico junto a otra balada, en realidad una versión de un tema de Marvin Gaye, "Wherever i lay my hat (that's my home)", ambos temas serían relanzados un año mas tarde por separado, dándole "that's my home" a Paul Young su primera entrada en las listas Británicas, abriéndole las puertas al mercado internacional, un par de años más tarde conseguiría su mayor triunfo con (curiosamente) otra versión "Every Time You Go Away" (un tema que Daryl Hall y John Oates ya grabaran en 1980). "Love of the Common People" sin embargo tuvo un éxito relativo, con el tiempo se ha ido revalorizando hasta llegar a ser imprescindible en cualquier recopilación de aquellos años. En la grabación se puede escuchar un sólo de trombón de leve influencia Reggae, interpretado por el jamaicano Emmanuel "Ricco" Rodriguez, una circunstancia nada casual, que nos da paso a una anterior versión...



Pero este tema había tenido otro momento de relativa notoriedad unos años antes, concretamente en 1970, cuando un joven jamaicano ex-obrero de la construcción llamado Nicky Thomas, tras haber tenido un comienzo bastante flojo como cantante, decide ponerse en manos del productor Joe Gibbs, que andaba buscando un hit con el que el sonido Reggae consiguiera traspasar las barreras internacionales. Ese éxito llegaría finalmente con nuestro tema de hoy, "Love of the Common People" alcanzó el número 1 en Jamaica, el 9 en las listas británicas, donde llegó a vender más de 175.000 copias, con el tiempo este tema y su repercusión en la música ha sido considerado como el precursor y que mejor define el término "reggae pop". Tras el éxito de la canción Thomas decidió quedarse en el Reino Unido, donde prosiguió su (no muy notoria) carrera musical.
Pero que nadie se sorprenda si os digo que esta , en apariencia, insignificante canción ha sido versionada una cantidad difícil de calcular de veces entre su nacimiento y la de Paul Young en 1982. El grupo Soul, the Winstons consiguió llegar al top 54 del Billboard con su versión en 1969, pero durante el periodo que comprende 1967 y 1969 la cantidad de artistas que la hicieron suya fue numerosa, voy a intentar enumerar algunos, Joe Strummer & the Latino Rockabilly War, John Denver,the Everly Brothers, el Dr. Spoock (perdón) Leonard Nimoy, Lynn Anderson,Pat Boone....

Pero quizás la versión mas relevante la grabaría un cantante de Country en 1967. Waylon Jennings conseguiría un gran éxito con su álbum "Love of the Common People" para RCA Victors en 1967, el tema que daba título al disco, y que hoy nos ocupa, era una balada folk que hablaba sobre los años de la depresión, el paro y la pobreza eran el eje de un tema que hacía comentarios sobre los "tickets de comida gratis" y los programas de mejora del gobierno, aludiendo continuamente a una familia cuya ropa está llena de agujeros, una critica social y política, muy propia de los temas que manejaban los cantantes de country, que curiosamente, volvería a primera plana en 1983, aunque no sé si entendíamos la profundidad de lo que transmitia. Sin embargo, esta no era su versión original, el tema había sido escrito un año antes por John Hurley y Ronnie Wilkins, y la primera vez que fue llevado a un estudio de grabación fue en enero de 1967. Los "afortunados" para aquella ocasión fueron un veterano cuarteto vocal masculino de voces americanas: The Four Preps, un grupo que acumulaban a sus espaldas varios éxitos como "Big man","Dreamy Eyes" y por supuesto "26 Miles". Los cuatro habían sido compañeros en la Hollywood High School, donde comenzaron a cantar, hasta que en 1956 fueron descubiertos en un concurso de talentos por un cazatalentos de Capitol Records, su estilo combinaba el doowop, el folk y el country (terreno en el que mejor se movían), durante años colaboraron con estrellas de la música y la televisión como Johnny Cash o Ricky Nelson, mas tarde y tras muchas apariciones televisivas se convirtieron en "cantantes de comedia", haciendo versiones graciosas de otros temas de la época.... Y como siempre, cuando llegamos al principio hemos llegado al final, una curiosidad más que espero os haya sorprendido y si no es así, os haya agradado al menos...Un saludo compañeros!

Versión Original: "Going Up The Country",

Hace unas semanas os comentaba el éxito que estaban alcanzando unos jovencísimos hermanos británicos (Kitty, Daisy & Lewis) con su primer trabajo discográfico, todo un homenaje al Rock y al Blues mas clásico. Un disco que nos retrotrae a los viejos vinilos, y que conserva e imita su sonido tradicional a base de utilizar arcaicos medios de grabación y una instrumentación sin retoques ni sintetizadores. El trabajo fue toda una revelación, lleno de frescura y ritmos al mas puro estilo años 50, el nombre de los muchachos sube como la espuma, gracias también a la habilidad del progenitor (Graeme Durham), un importante ingeniero de sónido, muy prestigioso en las islas Británicas, pero de esto ya os hablé hace unos días. Como buque insignia de este trabajo de "revival", los tres hermanos Durham eligieron un tema a medio camino entre el Folk y el Blues, "Going Up The Country", todo un clásico en los años 60/70, que los tres hermanos, respaldados por sus progenitores han conseguido poner de nuevo en funcionamiento, acercándolo (sin alterar su espíritu) a las nuevas generaciones...

Un fantastico video de "Kitty, Daisy & Lewis" en una actuación en una emisora londinense, donde se aprecia el talento y la entrega de los tres jovenes sobre el escenario.

La mayoría de la gente pensará que "Going Up The Country" es un tema original de Canned Heat, no se equivocan...del todo. En Agosto de 1969, durante la celebración del macro-festival de Woodstock, la banda de los Angeles Cannetd Heat, imprimieron en el escenario su peculiar estilo musical, basado en revivir y reintroducir el blues y sus grandes figuras, intruduciéndolos en el panorama musical de los años 60, así como su especial capacidad para la improvisación, bueno tambien tenían fama de ir siembre fumados y subir al escenario completamente borrachos...pero esa es otra historia. Para la ocasión la sensacional (en muchos sentidos) banda liderada por dos vocalista (así conseguian una mayor versatilidad y un abanico sonoro mas amplio), Alan "Buho ciego" Wilson y Bob "el oso" Hite, siempre reforzados por la eficaz guitarra de Henry "Girasol" Vestine, había escogido un repertorio muy apropiado, extrayendo de las raíces del blues los sonidos que hicieron populares gente como John Lee Hooker, Howlin’ Wolf , Wilbert Harrison o Floyd Johnes, estos últimos autores a su vez de otros dos hits de los Canned: "let's work together" y "On the road again" . Entre los momentos mas destacados de la noche se encuentra, sin duda, la interpretación de "Going Up The Country", un tema que Wilson había escuchado un montón de veces y decidió adaptarlo a la "cultura" hippie, pero respetando al máximo la melodía y su espíritu rural, sin saberlo estaba creando el himno no oficial del festival de Woodstock, la flauta de Jim Horn, que nos introduce en el tema, se convirtió en todo un éxito a finales de los 60, su pegadiza melodía se puede comparar a otros clásicos contemporáneos como "Like a Rolling stone", "California dreamin" o "House of the rising sun", alcanzando el número 11 en el Bilboard EEUU, 19 en el top británico y llegando a ser número 1 en 25 países.


Unos Canned completamente fumados y a su rollo, atentos al bailecito que se llevan por ahí detrás!

Pero en realidad, y como ya os he avanzado, el tema es una copia, casi nota por nota, de un clásico desconocido del blues de los años 20... Henry "Ragtime" Thomas fue un bluesman itinerante que recorría Texas con su guitarra y su música, un personaje mítico, similar a Robert Johson, pero con menos fábula a su alrededor, que grabó para el sello Vocalion una veintena de temas entre 1927 y 1929, su legado, junto al de otros de su generación ha llegado a conformar las bases del Rock y el R&B, fue uno de los pioneros afroamericanos, hijo de aparceros de los campos de algodón, abandonó muy pronto la vida del campo para vagabundear con su guitarra en la espada y su música en el atillo. Fue un artista autodidacta, multi-instrumentista, innovador en el uso de la flauta de canilla (muy similar a la flauta de pan o zampoña), sin embargo un completo desconocido para la gran mayoría, su legado ha sido muy buscado y estudiado por una gran cantidad de músicos (Dylan, Taj Mahal, the Lovin' Spoonfull...), pero sobre su vida y avatares poco se sabe, su figura se diluye a mediados de los años 30, y aunque se dice que fue visto en Texas en los años 50, nada se conoce de su existencia esos años, ni de las circunstancias o fechas de su muerte. Entre los 23 temas que Thomas nos dejó, está este "Bull Doze Blues", una canción pegadiza, un canto a la feliz vida del vagabundo, amante de ferrocarriles y la existencia sin ataduras, que servirá años mas tarde a Alan Wilson como base para su "Going Up The Country"...y no hay mucho más, espero que os haya interesado, otro día seguiremos con más curiosidades de este tipo, cuidaros!

Silje Nergaard "At First Light"

Normalmente durante estos calurosos días suelo acompañarme de pop fresco, algo de surf, ritmos latinos...sonidos apropiados para el verano y las altas temperatura, normalmente suelo (sin abandonarlos) relegar el blues y el jazz para los días mas fríos, puede que no tenga sentido, pero es así. Sin embargo por diversas circunstancias esta semana he estado rodeado de jazz constantemente, e incluso he recuperado algún artista que había dejado un poco de lado. Esta curiosa y afortunada circunstancia me ha llevado a dedicar este nuevo post a una artista que guardaba para otra ocasión, pero que tras mi experiencia personal, he decidido que su relajante y hermoso sonido, puede ser tan apropiado para una tarde de verano como cualquier otro ritmo más dicharachero, por que al fin y al cabo la música es las sensaciones que nos producen al escucharla, y esta, pese a provenir de un país frío, produce un montón de cálidas y agradables emociones...

La cantante Silje Nergaard es todo un icono nacional, tanto en su Noruega natal como en el resto de países escandinavos, le avalan la cifra de ventas de sus discos y la increible cantidad de premios que ha ganado. Nacida en Steinkjer, Noruega, en junio de 1966, se dió a conocer al gran público en 1982, con tan sólo 16 años, cuando decidió unir su voz a la de la antigua banda de Jazz del bajista Jaco Pastorius, en una jamm-session de un festival de jazz nacional. La crítica del país se entusiasmó rápidamente ante el nacimiento de una nueva estrella del jazz vocal. Su pasión y personal estilo de improvisación encandilaron a público y crítica por igual, tanto que músicos como Pat Metheny reclamaron su colaboración, así como recomendaron a sus productores el fichaje de la joven. Finalmente fue contratada por una filial de EMI, a través de Richard Niles (colaborador de Metheny) con quien se puso a trabajar de inmediato en su álbum debút.

Desde un comienzo Silje ha dedicado su talento tanto a la interpretación como a la composición, su extraordinaria voz y su capacidad para crear melodías fue creándole rápidamente un nombre entre los compañeros de profesión, pese a que sus temas los interprete indistintamente en inglés o noruego. Su primer single, que daría nombre a su primer trabajo discográfico, "Tell Me Where You're Going" (1990) se mantuvo más 15 semanas en el top de las listas británicas, se trataba de un dúo con Pat Metheny que fue editado por Toshiba-EMI, esta inesperada promoción la llevó a convertirse en la cantante de jazz más radiada en el país del sol naciente, y una de las más apreciadas en los países asiáticos (curiosamente grandes consumidores de jazz). Durante esta primera época, buscando un sonido propio, decide experimentar con el pop y el country, hasta que poco a poco, mientras experimenta con armonías vocales poco habituales, se asienta definitivamente en el jazz.

Aunque sus primeros trabajos fueron los que le colocaron en la cima de la popularidad (relativa, ya que el jazz sobrevive en un circulo minoritario y reducido), no seria hasta 2001 (y esto es sólo una opinión personal) con su "At First Light" que su sonido no alcanzaría la plenitud necesaria para un estilo tan exigente como el jazz, un trabajo lleno de sutiles texturas, seductoras melodías y armonías delicadas que subrayan el crecimiento personal y profesional de Silje. Con este disco se encamina definitivamente al jazz, donde consigue sus mayores reconocimientos, aunque no deja en ningún momento de experimentar con diversas opciones sonoras.

Tal vez no tenga la relevancia de sus antecesora, ni el renombre de otras divas como Diana Krall, sin embargo, y en mi opinión encabeza una nueva generación de cantantes de jazz, entre las que se encuentran Renee Olstead, Shelby Lynn, Sophie Milman o Jane Monheit, que han conseguido enamorarnos con su nueva visión de los sofisticados y estilosos temas del jazz vocal. Pero a diferencia de las estiradas e intocables divas, su música, lejos de ser un egocéntrico espejo, se transforma en una afirmación de la vida, alegre y sencillo como en los momentos en los que las grandes como Ella o Billie interpretaban sus temas sin pensar en el elitismo que se le ha impuesto al jazz posteriormente. Una artista increíble que vale la pena que descubrais, si no lo habéis hecho ya, y que dediquéis unos minutos para disfrutar de su prodigiosa voz mientras los rayos del sol elevan vuestra moral y relajan el estrés acumulado...disfrutarlo.

Version original:"Twist and Shout"

Muchos de mis amigos, conocedores de mi gusto por los detalles biográficos y el anecdotario del mundo de la música, me suelen consultar sobre la procedencia de algún tema o su interprete en general, yo no soy (ni mucho menos) un experto en la materia, pero suelo almacenar en mi memoria todo este tipo de curiosidades, además de documentarme adecuadamente cuando dudo en algún termino. Así que gracias a este tipo de consultas hemos decidido crear esta nueva "sección", donde indagaremos e intentaremos dar respuesta a las dudas mas populares, indagando en sus peculiaridades y detalles, esta es una sección abierta y os animo a dejar, a modo de comentario, vuestras propuestas o dudas e intentaremos, en la medida de lo posible, ir poniéndole cara, nombre y fechas a las consultas que hagais. Para comenzar esta sección hemos elegido un tema archiconocido, que la mayoría de la gente suele equivocarse con su grabación original, espero que os guste.

En 1961, un año mas tarde que Phil Spector se convirtiera en productor de Atlantis Records, y dos antes de que perfeccionara su famoso "muro de sonido" recibió el encargo de producir un hit, para un prometedor grupo vocal, la canción escogida era una composición de Bert Russell y Phil Medley (Righteous brothers) llamada originalmente "Shake It Up, Baby", pero el desacuero entre compositores y productor llevó al (ahora) mítico tema al desastre, pero...vayamos poco a poco y hacia atrás...

En 1963 la historia de la música pop daba un nuevo vuelco con el lanzamiento al mercado del disco de los Beatles "Please, please me", entre los temas del histórico LP se encontraba una versión de "Shake It Up, Baby" ("Twist and shout") que ha llegado hasta nuestros días como la más popular, sin embargo, y como luego veremos, no fue su momento de gloria. La sesión de grabación de aquel trabajo discográfico fue un maratón de 11 horas en las que se grabaron 10 temas, el último de ellos fue "Twist and shout". El productor del grupo, George Martin, había contratado el estudio por un tiempo limitado, por lo que dejó para el final un tema que consideraba sencillo vocalmente, y que no debía de darle demasiados problemas en principio. Se trataba de una versión rock, seminal y energica de un tema conocido, al estilo de (como os contaba la semana pasada) "Hippy Hippy Shake" de Swinging Blue Jeans. Pero la sesión se había alargado demasiado y tan sólo contaban con 15 minutos para las tomas del ultimo tema, además a George Harrison le sangraban los dedos de tanto tocar y John Lennon, vocalista principal en este tema, sufría un resfriado tremendo que había arrastrado a lo largo del día. Había pasado la tarde bebiendo leche y chupando caramelos para la tós para suavizar su garganta, sin embargo los efectos de la afonía y la tos se pueden escuchar en la grabación (fijaos bien), aun así el resultado fue memorable, la voz rota de John fue un triunfo, y debía serlo, ya que el intento de una segunda toma dejó a Lennon absolutamente mudo, incapaz de dar ni una nota más. El tema fue un éxito absoluto y se convirtió en imprescindible en sus primeras giras, ese mismo año salieron al mercado otras versiones, como la de Brian Poole & Tremeloes o Booker T, un año mas tarde fue grabado por The Mamas & the Papas, the Shangri-Las, Maurice williams & the Zodiacs, y posteriormente los Jackson five.

Pero el tema en cuestión ya había sido un exito de venta s, en 1962, el autor del tema Berns Bert (acreditado a veces a su seudónimo Bert Russell), decide producir una versión mas acorde a su idea, con la intención de demostrarle a Phil Spector como debía haberse enfocado aquel proyecto. Para aquella ocasión decide "copiar" e incorporar a la composición el Riff de guitarra de "la Bamba" de Ritchie Valens (recurso muy utilizado por gente como Johnny Rivers, por ejemplo), pone el tema en las voces de un trio vocal de Ohio, the Isley Brothers, que llevaban tiempo sin tocar el éxito desde su hit "Shout", intentando aprovechar este éxito deciden rebautizar el tema, que pasa de "Shake It Up, Baby" a "Twist and Shout". El tema con la voz principal de Ronald Isley, consiguió el sonido que Berns buscaba, y el resultado fue un top 17 en las listas, aunque la versión más recordada sea la de los Beatles, a pesar que los hermanos Isleys pensaron que aquel tema pasaría absolutamente desapercibido, ellos pasarán a la historia como los interpretes originales del tema...pero no fueron los primeros.

Retocedemos un poco más en el tiempo y llegamos al comienzo, cuando Phil Spector recibe el encargo de producir un hit, el productor ya había colaborado (y lo siguió haciendo) con el compositor Phil Medley, pero no con Bert Rusell, un recien llegado que en el futuro producirá éxitos como "Under the Boardwalk", "Brown Eyed Girl", "Hang On Sloopy" o "Piece of My Heart", sin embargo como "novato" su voz fue ignorada cuando su tema fue ofrecido a un desconocido pero prometedor grupo llamado Topnotes. Habian tenido un éxito relativo un año antes con temas como "Say man", y les asignaron a Spector como productor, era un valor en alza que acumulaba triunfos como "Corina, Corina" de Ray Peterson, o "Pretty little angel eyes" de Curtis Lee. La elección del grupo le pareció a Bert un error desde el principio, el ritmo también estaba equivocado, así que siempre declaró que Spector "jodió" literalmente, el tema, por eso decidió producir su propia versión con los Isleys brothers un año más tarde. Al escuchar el resultado, Bert le dijo a Spector que había arruinado la canción y pronosticó el fracaso del single...y eso es todo, no es poco, no es mucho, y el resto es historia....hasta la próxima.