"Living is easy with eyes closed"

 “Parece que hay que hacer películas de gente extraordinaria, superhéroes, pero es la gente humilde la que salva la humanidad haciendo su trabajo bien” (David Trueba)

1966 había sido especialmente agotador para los cuatro de Liverpool, tras la promoción de "Rubber Soul", y casi sin descanso, the Beatles se encierran en el estudio para la grabación de su siguiente trabajo discográfico ("Revolver"), hacia finales de año regresaban exaustos de una complicada gira por Japon y Filipinas (donde soportaron la peor humillación que les tocó vivir a lo largo de toda su carrera, maltratados por la policía de Imelda Marcos, acusados de haber desairado y humillado a la primera dama), la prensa no paraba de agobiarles por el famoso comentario de John en que declaraba (con bastante razón y cordura) que los Beatles eran "mas famosos que Jesucristo", y luego estaba el fenómeno fan, que nunca les dejaba un minuto de tranquilidad o privacidad. A finales de aquel mismo año los Beatles deciden tomarse unas semanas de descanso, necesitaban recargar energías para el próximo año. Ya en aquel momento Lennon comenzaba a tener dudas, estaba realmente decepcionado y asqueado del monstruo en que se había convertido el grupo y todo el fenómeno que arrastraba: En tres años habían hecho dos películas (“A Hard Day´s Night” y “Help!”), con sus temas incluidos, sus giras, sesiones de grabación, ensayos, promociones...Todos estaban agotados, pero él, especialmente sensible y “en el ojo del huracán”...necesitaba escaparse.

...Y se fue con Richard Lester (director de las dos películas “Beatle” hasta el momento) a rodar “Cómo gané la guerra” (“How I Won the War”), una especie de parodia antibelicista ambientada en el desierto norteafricano durante la segunda guerra mundial, cuyo rodaje se realizaría en Almería entre septiembre y noviembre de aquel mismo año. Su papel era secundario, menos aún, de reparto, eso le permitió parar, rodearse de desierto, serenidad, podía caminar tranquilamente por la orilla de la playa de la costa almeriense embebido en sus pensamientos, degustando esos curiosos "chupa-chups" españoles, o de la mano de su entonces esposa Cynthia, que llegó dos semanas después (junto con Ringo) sin temor a ser molestado por aquellas gentes, respetuosas con la gente "del cine" y que sólo lo conocían como "el inglés". Aquella estancia en Almería cambiará por completo a Lennon, no sólo en su aspecto, con un nuevo corte de pelo, y esas gafas redondas, parte del atuendo de personaje al que interpreta en la peli, y que le acompañarán el resto de su vida (convertidas casi en un símbolo de paz), sino también en su forma de plantearse su existencia, sumido en una crisis de identidad acentuada por sus devaneos con el LSD, además, desde hacía mucho tiempo, se encontraba sólo, sin el resto de los Beatles, trabajando en algo completamente distinto, y en un lugar alejado y extraño...

A pesar de que la visita de John Lennon a nuestro país, fuese una noticia de carácter internacional, tan sólo un par de medios se hicieron eco del asunto, y, mas curioso todavía, ni uno de los integrantes de los cientos de grupos musicales, (muy activos en aquel momento y que tenían a los Beatles como mayor referente) se acercaron a Almeria a buscar una foto, una colaboración, o simplemente rendirle un homenaje con una noche de copas a la española. El único visitante español que de motu propio llegó a Almeria para ver al artista fue un profesor de inglés que usaba canciones de los Beatles para motivar a sus alumnos. Aquel pedagogo tan peculiar escuchaba los temas de la banda de Liverpool en Radio Luxemburgo, a falta de internet, aquel profesor transcribía las letras de oído. Así que cuando se enteró de que Lennon se encontraba en Almería, abandonó su Cartagena natal para ver si la mayor estrella de la historia del pop podía corregirle las letras. Y lo mas curioso es que lo consiguió, Lennon recibió a aquel profesor y revisó sus transcripciones.  Y atentos al dato: el siguiente trabajo de los Beatles, Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band (1967), incluyó por primera vez, en su interior las letras de sus temas.... Esta es la excusa argumental que acaba de arrasar en los premios Goya, "Vivir es facil (con los ojos cerrados)" de David Trueba ha sido la película triunfadora de este año, un filme optimista, nostálgico y esperanzador que ha logrado galardones en diversas categorías, guión, dirección, mejor película, actor (Javier Cámara), e incluso  mejor música original (creada por el guitarrista de Jazz Pat Metheny). Una maravillosa película sobre sueños, superación, respeto a las cosas bien hechas...y Lennon...



 Pero hay mas, siempre lo hay, el título de la película se extrae de uno de los versos de "Strawberry fields forever", uno de los temas cruciales de los cuatro de Liverpool, y que Lennon, en las pausas del rodaje, compuso durante aquellas semanas en Almeria, un tema un cargado componente esotérico, misterioso, con un punto surrealista (tal vez inspirado por los paisajes de Carboneras, Cabo de Gata o Tabernas). Cynthia Lennon declaró años después que la casa en la que pasaron aquellos días (un palacete del siglo XIX con un gran jardín y piscina desde la que se divisa la bahía de Almería) estaba llena de misterio, las cosas se movían, se oían ruidos extraños y se encendían y apagaban las luces, siempre vigilados por la imagen de una virgen en el rellano de la escalera... pero no, eso no fue lo que inspiró aquellos versos. Allí grabó Lennon la primera toma de la canción acompañado de su guitarra acústica, únicamente había escrito una estrofa, pero ¿qué llevó al beatle a evocar un frondoso orfanato de Liverpool en medio de paisajes que solía comparar con "la luna"?. Tal vez eso nunca lo sepamos, a tía Mimi no le gustaba que John fuese de pequeño a jugar a Strawberry Field ( no Fields), ya que las amistades con las que frecuentaba aquel orfanato militar le podrían llevar por el mal camino, pero Pette Shotton e Ivan Vaughan era buenos chicos, allí se divertían, podía ser libre..."Nothing is real... (Nada es real)", "You know I know it is a dream... (Sabes que se que esto es un sueño)"... Cuando aquel onírico tema salió al mercado el 17 de febrero de 1967, Brian Wilson, líder,compositor y genio errante de los Beach Boys, inmerso en una de sus paranoicas crisis existenciales por su inacabado proyecto metafísico "SMiLE", comentó a la prensa que tras escuchar "Strawberry Fields" abandonó cualquier intento por competir con los Beatles.

La grabación del tema supuso toda una odisea aparte, John hizo cientos de tomas distintas, George Martin había quedado fascinado con la tranquila letra tras escuchar a Lennon interpretarla con su guitarra, durante las sesiones de grabación pasó casi a ser una canción heavy rock, John nunca estuvo conforme con el resultado, "Strawberry Fields" fue probablemente la primera composición que se tomó verdaderamente en serio, abarcando incluso parte de la producción, hizo cientos de cambios, de la instrumentación básica pasaron a arreglos con trompetas y cellos, pianos, sitar, mellotrón, sonidos de percusión grabados al revés... al final John eligió dos tomas como buenas (atentos que ya no volveréis a escuchar el tema de la misma forma), pero resulta que estaban en diferentes tonos y tempos, cuando Martin le hizo saber esto a Lennon, este respondió "You can fix it, George" (tu puedes arreglarlo), y así fue, Martin, junto con Emerick (ingeniero de grabación de los Beatles), y la ayuda de un par de tijeras hicieron el injerto, compensaron los tonos, regularon las velocidades (exactamente el primer cambio es a los 59 segundos de la canción), el truco salió bien, aunque costó 45 horas de grabación en cinco semanas. George Martin cuenta que John le llamó un par de meses antes de su fallecimiento con la intención de re-grabar todos sus temas con los Beatles, sorprendido le espetó ¿Tambien Strawberry Fields?, Lennon le respondió "¡especialmente Strawberry Fields!" (todavía pensaba que estaba mal grabada y le echaba la culpa a McCartney por "sabotear de manera inconsciente la grabación")... genio y figura...

 Lo curioso es que aquel pedagogo que visitó a Lennon en Almería a finales de 1966 nunca puso "Strawberry Fields Forever" en sus clases, avanzado en métodos educativos, también mostraba un férreo catolicismo, por lo que solía excluir aquellos temas sospechosos de referirse a las drogas, tal vez si le hubiese preguntado a su ídolo este le hubiese respondido: "Como era pobre y no tenía donde ir, iba a jugar a ese orfanato, habla de la dificultad de volver a ser un niño cuando eres muy famoso”...Let me take you down, cause I'm going to...

Canciones con historia: "Whiskey in the jar"

 La cultura musical de Irlanda es ciertamente fascinante para cualquier amante de la música, las calles de Dublin están repletas de músicos callejeros,-respetados músicos callejeros-, por que no es habitual encontrarse con advenedizos desaliñados, la gran mayoría son músicos jóvenes, con gran pasión y bien preparados. Ante este despliegue sonoro el viandante se muestra considerado y sabe apreciar lo que se le ofrece, pero para comprender a fondo el arraigo músico-cultural de Éire debes de acudir a un Pub irlandés, aunque para comprender bien que es un Pub irlandés, no te queda otro remedio que ir a Irlanda. Es cierto que en cualquiera de nuestras ciudades podemos encontrar algunos "sucedáneos", imitan la decoración, la tipografía de sus carteles, y sirven una gran variedad de cervezas y licores. Pero por mucho que busques, el verdadero espíritu irlandés no aparece por ningún lado. Y es que un Pub irlandés es mucho más que un bar de copas, en si mismos son un reflejo del carácter de sus gentes, amistosos, joviales y muy, muy curiosos. Como reza una frase que decora las paredes de muchos de ellos "Here there are no strangers, there are only friends who have not met yet. (Aquí no hay extraños, sólo hay amigos con quienes todavía no nos hemos encontrado)". En un Pub irlandés nunca te encontrarás sólo, el ambiente es alegre, las conversaciones animadas, levantando la voz para hacerse oír y por supuesto, la música. Una música muy cercana a su historia, arraigada al folklore autóctono, canciones que, habitualmente, hacen callar las discusiones, para unir al personal en un improvisado coro al son de "Danny Boy", "Molly Malone", "Dirty Old Town" o "Living Next Door To Alice", temas que son interpretados al unísono, jarra en mano, entre tragos y abrazos de confraternidad. Canciones en su mayoría salidas de la tradición folk del pueblo irlandés, historias de amor, pasión, traición y celos, siempre sumida bajo la magia del whisky, bebida a la que elude con mucha fuerza y honor este folkie, pilar fundamental de las celebraciones de pub, tema imprescindible que viene a honrar una de las bebidas irlandesas por excelencia, y cuya historia os traigo hoy con una Guinness en la mano...

Debo decir que, al leer sobre este "Whiskey in the jar", me ha sorprendido encontrarme con cientos de comentarios que se extrañaban al descubrir que no era un tema original de Metallica. Aunque puedo comprenderlo, las nuevas generaciones posiblemente lo descubrieran a través de la versión que la banda de thrash metal de Los Ángeles hiciesen en su "Garage Inc." (1998), un álbum compuesto integramente por versiones, por lo que sólo el fan mas despistado podía atribuir erróneamente la autoría de la canción,  no es raro, muchos siguen creyendo que "Time is on my side" es de Jagger y Richards, "Money (That's what i want)" de Lennon y McCartney, ó "Got my mind set on you" de George Harrison, son cosas generacionales, no tiene mayor importancia, lo cierto es que muchos descubrieron "Whiskey in the jar" como un potente y sucio tema Rock a finales de los 90, y eso está bien, aunque decenas de artistas habían grabado e interpretado la canción desde hacía mas de 30 años, la lista es larga: The Pogues, U2, Pulp, Smokie, Belle and Sebastian, The Grateful Dead, Gary Moore, Peter, Paul and Mary, The Highwaymen, Roger Whittaker, Clancy Brothers, Simple Minds, The Irish Rovers, Poxy Boggards, Jerry Garcia y David Grisman, The Limeliters, King Creosote, The Shatilla Shakers... pero de momento nos quedamos con la poderosa versión de Metallica, un potente tema cargadito de decibelios que a la postre, ganaría el Grammy 2000 a la Mejor Interpretación de Hard Rock. Pero, a pesar de sus coqueteos con el Rock, "Whiskey in the jar" es una canción folk, y así les gusta interpretarla a los irlandeses, de hecho muchas bandas de musica popular hacen su versión de la manera tradicional con mucho mas éxito que su "hermana rockera"...

 Los orígenes de "Whiskey.." se pierden en la noche de los tiempos, aunque la opinión mas aceptada es la que nos ofrece el folklorista Alan Lomax en su libro “The folk songs of North America”, en el que determina el origen de la canción en el siglo XVII, sugiriendo que forma parte de la tradición popular de las islas que solía ensalzar a esos hombres del interior de Irlanda y Escocia que se erigían dueños de los caminos, robando a los ricos invasores ingleses, algo que automáticamente despertaba las simpatías entre las gentes del pueblo llano, algo así como nuestros "alegres bandoleros" (Curro Jiménez o José María el Tempranillo). Posteriormente, con el fenómeno de la emigración hacia Estados unidos, la canción iría adaptando su letra y ritmo al gusto y los mitos locales, aunque mantendría intacta su rebeldía ante el poder omnímodo del ejercito británico, y su vocación de ensalzar a aquel que les hace frente. Convertida en una de las favoritas de la America colonial, muchas bandas cambiaron su título por el de "Kilgary Mountain", la canción se fue trasmitiendo de unos a otros, se trascribía la letra de memoria, añadiendo detalles y personajes nuevos, así de una historia sobre un bandido del suroeste de Irlanda (Kerry, Kill Dara, Cork...) que roba a un oficial inglés para hacerle un regalo a su novia Molly, quien le traiciona dando con sus huesos en la cárcel, desde donde nos cuenta esta historia de traición, robo, amor y muerte. La letra de la canción fue variando según el lugar, por ejemplo, en Massachusetts el protagonista es Alan McCollister , un soldado estadounidense de origen irlandés que está condenado a morir en la horca por haber robado a los funcionarios británicos, hasta en Noruega adaptaron su letra e historia al gusto local, renombrada como  "Lífið Er Lotteri". El musicólogo Colm Ó Lochlainn, en su libro "Irish Street Ballads" recuerda como su propia madre escuchó este tema en 1870 por boca de un hombre llamado Buckley llegado de Cork, él mismo trascribió de memoria lo que su madre le había contado, y decidió llamarla "Whiskey in the jar".



Aun así no es fácil definir cual fue la primera vez que se registró una grabación de nuestro tema de hoy, sabemos que el propio Alan Lomax con su grabadora ambulante, registró una versión de gaita interpreta por Séamus Ennis en 1951, posiblemente fuese la primera, a partir de ese momento otros artistas de folk registrarían "Whiskey in the jar", Burl Ives (1958), The Highwaymen, The Limeliters (1962), Peter, Paul and Mary (1965)... pero realmente nos tenemos que centrar en quien consiguió hacerla llegar al gran publico, y esos fueron sin duda la banda Folk de Dublin The Dubliners, quienes en su disco de 1967 "More of the Hard Stuff" (casi una oda al buen bebedor) incluyeron una versión de este popular tema, el álbum alcanzó el número 8 en las listas del Reino Unido, manteniéndose durante 23 semanas consecutivas, sin embargo, "Whiskey..." pasó casi desapercibida entre su publico potencial, pero logró cosechar el interés del aficionado del pop y el rock a uno y otro lado del Atlántico... y fue entonces cuando llegaron los 70, con la música rock en todo su esplendor...



Fue otra banda de Dublín quien conseguiría universalizar "Whiskey in the jar" como tema rock, formados en 1969 Thin Lizzy (Phil Lynott, Brian Downey y Eric Bell) habían conseguido un relativo éxito con su primer trabajo discográfico ("Thin Lizzy", 1971) y andaban buscando material para su próximo disco "Shades of a Blue Orphanage" cuando descubrieron la versión folk de sus coterráneos Dubliners, pescaron rápidamente el tema y se pusieron a incorporar nuevos arreglos, poderosos riffs, mientras Brian Downey se esforzaba por darle mayor importancia a la batería (inexistente en anteriores versiones). El resultado final fue realmente impresionante, se nota que querían pasar con nota el hecho de versionar un tema folk, y adaptarlo al Rock. La versión de Thin Lizzy (lanzado como cara B del single "Black boys on the corner" ) se mantuvo en la cima de las listas irlandesas durante 17 semanas, manteniéndose en el top británico durante 12 semanas, alcanzando el top-6, en 1973, siendo el primer gran éxito de la banda. La afectada voz de Lynott consigue dotarla de un dramatismo muy superior a cualquier versión antes hecha, y sus arreglos rock han servido como base para todas las posteriores versiones "no folk" de esta canción. Todo un paradigma del poderío del folk celta: de la tradición autóctona al rock o al metal sin problema, tres siglos contemplan esta maravillosa canción, y creo que todavía tiene cuerda para rato..."Musha-ring-dum-a-doo-dum-a-da son...♫♪♪"

Canciones con historia: "Wish you were here"

David Gilmore echaba mucho de menos a Syd Barrett, y escribió una de las más grandes canciones de todos los tiempos para expresar este sentimiento de pérdida. Durante años ambos habían sido "Two lost souls" (dos almas perdidas)... y ahora veía cómo todo se había convertido en infierno para Barrett... "Wish you were here", en apariencia un poema al amor ausente, que esconde un descenso a los infiernos, un amargo adiós al compañero caído en plena batalla, un sentimiento de culpa, un canto a los tiempos perdidos, una obra maestra que deja una imborrable huella en el oído colectivo popular, incluso entre los que no son fanáticos de Pink Floyd, un melancólico llanto, arropado por un suave solo de guitarra que crea a su alrededor todo un universo sonoro propio, una balada acústica dura, lastimosa y tremendamente emotiva, que te cautiva cada vez que la escuchas....

Que Pink Floyd es una de las banda fundamentales e imprescindibles de la historia de la música es innegable, te apasionen o no, su legado e influencia es un hecho. Su constante evolución, desde el Blues, hacia la psicodelia, el rock progresivo, el sinfónico con trasfondo metafísico... conforma una monumental obra sonora vanguardista, un crisol monumental formado por cientos de variopintos cristales de creatividad absoluta. Posiblemente en el centro de este crisol se encuentre su obra magna, "The Dark Side of the Moon" (1973), que marcaría un antes y un después en la popularidad de la banda británica, una obra conceptual en el que Roger Waters y David Gilmour, consolidan un sonido propio, dejando atrás las largas piezas instrumentales que caracterizaban los trabajos posteriores a la marcha en 1968 de su miembro fundador, principal compositor y letrista, Syd Barrett. Habían sido unos años duros,  Waters, y Richard Wright tuvieron que hacerse cargo de las riendas creativas de la banda, pero lo cierto es que Syd Barrett se había convertido en un problema, con el creciente éxito del combo, Syd se sumergía más y mas en una espiral de alcohol y drogas (especialmente LSD), el estrés y los excesos hicieron mella en su salud mental, volviendo su conducta impredecible y autodestructiva, lo que se reflejaba en los escenarios, y mas aun, en la estabilidad de la banda. En diciembre de 1967 llaman a un músico amigo de Barrett, David Gilmour, para apoyarlo a la guitarra y cantar cuando este sufriera alguno de sus bloqueos mentales (Jeff Beck fue otro de los candidatos), pero fue una mala idea, con Gilmour en el escenario, Barrett se volvió mucho mas vago e impreciso, por lo que simplemente, dejaron de llevarlo a los conciertos. Barrett, incapaz de asumir sus responsabilidades profesionales, no concretaba sus composiciones, que se volvían cada vez mas abstractas y difíciles, por lo que finalmente, Waters, que había intentado proteger a su amigo en todo momento,  decide ponerse en contacto con los productores para pedirles que "aparten" a Barrett del grupo.

 Pink Floyd sobrevivió a su pérdida, pero la enfermedad mental de Barrett tuvo un profundo efecto en las letras de sus colegas. Barrett dejó la banda e intentó una breve carrera en solitario, dos álbumes tras los cuales abandonó la música definitivamente, Syd había ayudado a dar forma a una de las bandas mas importantes del siglo XX, en otoño de 1966, cuando aun se llamaban Tea Set, coincidieron en un concierto en las afueras de Londres con otra banda de igual nombre, ante aquella disyuntiva, Barrett propuso un nuevo nombre para la banda: The Pink Floyd Sound, en memoria de dos viejos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council, pero aquello era el pasado, ahora estaba sólo y acabado, su desintegración personal se convirtió en una sombra, una losa omnipresente en la obra posterior de Pink Floyd...

 En enero de 1975, Pink Floyd volvían a los Estudios Abbey Road , para producir, quizás el disco con más poso de amargura en toda su carrera, nacido del cansancio y la extenuación tras la gira del exitoso ”Dark side of the moon”, un obra conceptual, concebida como homenaje a Syd Barrett, según cuentan, el sentido de culpabilidad de Waters seguía atormentándole años después, así que basándose en un poema que había escrito años antes sobre la pérdida de lucidez mental de su compañero y amigo, compuso junto a David Gilmour “Wish you were here” (algo especialmente entrañable y personal, ya que raramente componían juntos), un tema, cuyo famoso riff (machacado hasta la extenuación por cualquier aspirante a guitarrista), nace mientras David Gilmour improvisa en el estudio con su guitarra acústica, sin embargo no son pocos los que apuntan hacia un "parecido razonable" con el riff principal del tema de Van Morrison ”Almost Independence Day” (1972, ”Saint Dominic’s preview”). Coincidencias sonoras aparte, la totalidad del disco es un homenaje del grupo, a Syd Barrett, un trabajo sobre la ausencia, en el que Waters vierte parte de sus obsesiones habituales, cuestionando el sistema, la gran mentira de la guerra, la negación a ser parte de un engranaje sin alma, el poder, la soledad... y la sombra de Barrett sobrevolando durante todo el proceso creativo...

Las sesiones de grabación fueron arduas y complicadas, un disco en el que se anticipan líricamente a los conceptos desarrollados en "The Wall" (1979), con precisas composiciones, y letras ácidas,  como en  “Have a Cigar” ó “Welcome to the Machine”. La "Suite del Diamante loco" (como así se conoce), esta concebida en nueve partes, y en el centro de todo esa joya, a medio camino entre la balada folk bucólica y el blues acústico, entre el tema de amor y la desgarrada derrota, una evocación al sentido de camaradería perdido, “Wish you Were Here”?, un tema emotivo y sencillo que cala en lo más profundo de nuestras emociones. Para completar el anecdotario, cuentan que a mitad de las sesiones de grabación, un tipo extraño, de mirada perdida, sin cejas, gordo y rapado al cero, apareció por el estudio, nadie parecía conocerlo, hasta que Roger Waters reconoció a su viejo amigo, Syd Barrett. Se había dejado caer por allí para saludar a sus viejos colegas, llevaba años aislado, recluido en los vericuetos de su alucinada mente psicótica, conversaron un rato, fue una charla extraña, inconexa, debido al estado mental de Barrett, aun así, amistosa y sincera. Desapareció poco después sin dejar rastro, sin embargo la visita de su antiguo líder impactó de sobremanera en la banda, quienes, embriagados de recuerdos y tierna amargura, deciden dedicarle la pieza central de esta suite “Shine on you Crazy Diamond” (Sigue brillando, diamante loco). Un remate final digno de una novela, la presencia fantasmagórica que se persona para redimir y reconciliarse con sus viejos amigos, nada de culpa, nada de mirar atrás, "Remember when you were young, you shone like the sun" ("Acuérdate de cuando eras joven, brillabas como el sol".... Enjoy...

Canciones con historia: "Born to be Wild"

¿Cuando y como nace el Rock and Roll?, escudriñar en busca del momento exacto en que nace un género musical es, directamente, una pérdida de tiempo. Dejando a un lado que la búsqueda del dato sea más o menos estimulante y enriquecedora, es un absurdo poner una fecha, un nombre, una canción, a partir de la que se origina todo un género musical, más aun cuando éste, nace de diversas influencias sonoras, como el Country, el Boogie Woogie, el Hillbilly, o el Rhythm and Blues. A muchos les gusta poner una cara y una fecha al origen del Rock, Bill Halley ("Rock around the clock", 1954), parece ser el mas aceptado por la mayoría, pero, claro, basta que muchos digan algo, para que salten las voces discordantes, enseguida comienzan a salir nombres como Arthur 'Big Boy' Crudup ("That´s all right mama", 1946), John Lee Hooker ("Boogie Chillen", 1948), Louis Jordan ("Saturday night fish fry", 1949), ó  Jackie Brenston and his Delta Cats ("Rocket 88")... en cualquier caso hablaríamos de una evolución de la música popular, retroalimentada constantemente por sus propias influencias y variaciones, hasta llegar a un momento, en el que, casi sin darnos cuenta, un estilo "nuevo" se ha consolidado como tal. Esa consolidación llega cuando, independientemente de sus referentes sonoros, comienza a establecerse unas señas de identidad propia, una estética determinada, unos símbolos, en ese momento llega el auge máximo del estilo en cuestión.
Y todo este rollo ¿a que viene?, os preguntareis... pues bien, desde luego no voy a daros mi tesis sobre los orígenes del Rock (sobre todo por que no tengo ninguna definida), pero sí que me sirve de introducción para hablaros sobre un tema que es considerada por muchos como el pistoletazo de salida del Heavy Metal, un género que no domino con soltura, pero sobre esta cuestión en particular, os avanzo ya, no estoy para nada de acuerdo...pero (como dijo Jack "el destripador"), vayamos por partes...

  Hace unas semanas os comentaba, a propósito de "American Woman" (The Guess Who), que Canadá había sido una estupenda cantera de la que habían surgido grandes e influyentes artistas del Rock, Steppenwolf fueron uno de los más representativos. Su fundador,  John Kay (Joachim Fritz Krauledat, guitarra y voz solista), nacido durante la Segunda Guerra Mundial había escapado del telón de acero junto a su madre de su Prusia natal, cruzando las dos Alemanias, para instalarse temporalmente en Hanóver, y recalar finalmente en Canadá en 1958. Músico vocacional gracias a los temas de Rock and Roll que escuchaba de pequeño en las emisoras del ejercito Norteamericano, en cuanto llega a Toronto forma su primera banda de Blues, Sparrow, con la que pasa de tocar en los cafés de Yorkville, a establecerse en San Francisco, donde evolucionan al Folk y al Rock. Pronto llaman la atención del productor de Dunhill Records, Gabriel Mekler, quien les propone "endurecer" su sonido, en ese momento deciden también cambiar su nombre por el de Steppenwolf, tomándolo prestado de la novela de Herman Hesse, "El lobo estepario". Su primer álbum homónimo sale al mercado en enero de 1968, con un éxito bastante notable, gracias temas como "Rides again Berry", un tributo a Chuck Berry, la lisérgica "The Pusher", y por supuesto la impresionante "Born to be wild", con la que alcanzaron el segundo puesto del Billboard Hot 100, pocos días después de su lanzamiento. La banda sólo conseguiría un éxito similar con "Magic Carpet Ride", tema que lanzaba su siguiente álbum "Steppenwolf the Second", con el que conseguirían un top 3.



Pero "Born to be wild" alcanzaría el estatus de mítica un año mas tarde, con el estreno de la película de Dennis Hopper, "Easy Rider", una road movie, paradigma de la contracultura americana de finales de los 60, buque insignia de los moteros, rockeros trasnochados y rebeldes en general. Una película independiente y de bajo presupuesto (con Peter Fonda, el propio Hopper y Jack Nicholson a la cabeza del reparto), que se convirtió en toda una declaración de intenciones, y el reflejo de una generación de jóvenes norteamericanos, y con una banda sonora estupenda que incluía temas de Byrds,The Band, Jimi Hendrix... pero destacando por encima de todos el tema de la banda canadiense, convirtiéndose así en himno de moteros y amantes del asfalto, la Ruta 66, el rock and roll y las peleas en bares de carretera, pero también en carta de presentación y cierre de Steppenwolf, que son recordados, casi únicamente, por este temazo (por cierto, todos los artistas que contribuyeron a la banda sonora de la peli, cedieron gratuitamente los derechos de sus temas para la BSO, algo inusual en la industria, tanto del cine como la discográfica... debía ser que Hopper tenía un buen poder de convicción, o, según dicen, invitaba a buen "material" lisérgico).


Curiosamente, con el tiempo, esta canción, "himno" de los amantes del olor a gasolina y goma quemada, pasó a ser reclamada por los seguidores del Hard Rock, como su primer "disparo de advertencia". Lo cierto es que "Born to be wild" tiene todos los elementos del Heavy mas básico, combina elementos del Rock, del Blues e incluso de la música clásica, en un potente cóctel eléctrico, con bajos pronunciados y guitarras distorsionadas, pero es su letra la que lleva a esta conclusión, no su música, así, en el segundo verso de la tercera estrofa aparece el término Heavy Metal...

"I like smoke and lightning
Heavy metal thunder
Racin' with the wind
And the feelin' that I'm under"...

...mas o menos...("Me gusta el humo y los relámpagos 
Truenos de metal pesado 
echando una carrera con el viento
y la sensación de tenerlo bajo control")

Es un caso parecido al que afirma que el blues sexual de Trixie Smith "My Daddy Rocks Me (with One Good Steady Roll)" es el inicio del Rock, sólo por contener por primera en su letra este término. Aunque no podemos negar el espíritu "metalero" del tema, no es tan fácil definirlo así, cualquiera que conozca un poco la discografía de Steppenwolf, puede ver que su estilo es´mas cercano a una evolución del Rock sureño de Lynyrd Skynyrd, que a los pasos que darían poco después bandas como Led Zeppelin ó Black Sabbath, dándole a los estándares del blues un nuevo enfoque, con escalas imposibles y arreglos sinfónicos imprevisibles. Por tanto, no podemos ser tan categóricos al afirmar que estamos ante el inicio del Heavy, puedo admitir su influencia, pero deberíamos añadir a los Beatles ("Helter Skelter", "Revolution", 1968), Rolling Stones ("Paint it Black", 1966), Iron Butterfly ("In-A-Gadda-Da-Vida", 1968) o a  Jimi Hendrix ("Purple Haze", 1967), a quien, por cierto también se le atribuye parte del mérito de la creación del término, ya que en 1967, un crítico musical, afirmó que la música de Hendrix era  "like heavy metal falling from the sky" (como metal pesado cayendo desde el cielo). Para terminar os contaré que, en realidad Heavy Metal fue utilizado por primera vez por el trasgresor padre literario de la generación "beat", William S. Burroughs en dos de sus novelas entre 1961 ("The Soft Machine") y 1964 ("Nova Express"), donde se llega a convertir en una metáfora de las drogas adictivas, y la liberación del moderno mundo programado y alienante... Por lo que, y después de daros la brasa un rato, abrochaos el casco, mirad hacia la carretera, y disfrutad del viaje...

Canciones con historia: "He’s a rebel"

Las "Girls Group", todo un acontecimiento musical que comenzó a gestarse a finales de los 50 (The Chordettes, The Fontane Sisters, The Bobbettes, The Chantels, The Teen Queens...)  y consolidado en toda la década posterior con importantes voces como la de The Shirelles, The Blossoms, The Ronettes, The Dixie Cups, The Marvelettes, Martha and the Vandellas, The Chiffons, The Supremes... su impacto marcó un estilo muy definido, imitado hasta la saciedad y clara influencia en el Pop y Rock de las décadas posteriores. En este fenómeno, el sello de Berry Gordy, Jr. la Motown, fue decisivo y fundamental, pero si hay que nombrar un verdadero impulsor, y ferviente creyente y creador de grupos de chicas, debemos nombrar al controvertido productor Phil Spector, y The Crystals fue el primer grupo de su sello discográfico "Philles Records". Pero Spector no era un productor "al uso", y tampoco tenía fama de respetar demasiado a sus artistas, Phil estaba interesado en el sonido, y los interpretes no eran mas que meros instrumentos, parte de la producción, sustituibles, manipulables y eliminables. De esta posición engreída e irrespetuosa de Spector nace nuestra anécdota de hoy...

Con The Crystals (originalmente con Barbara Alston, Mary Thomas, Dolores "Dee Dee" Kenniebrew, Myrna Girard y Patricia "Patsy" Wright) ,  Phil Spector, intentó sentar las bases de una ambiciosa productora, interesada en crear grandes hits y mantenerse siempre en lo mas alto de las listas, con una especial atención a los arreglos musicales, haciendo de sus algo "barrocas" producciones, un sello distintivo y diferenciador. Empeñado en redefinir el sonido de las "girls group", su primer éxito llega en 1961 con "There's no other like my baby", cara B de "Oh Yeah, Maybe Baby", primer sencillo en alcanzar el millón de copias seguido de copias, nada mal para una grabación acelerada, ya que  Barbara, Mary y Myrna asistieron, acudieron corriendo al estudio con sus vestidos de fiesta, ya que salían de su fiesta de graduación. Los compositores del Brill Building, Barry Mann y Cynthia Weil proporcionaron el segundo éxito de las jóvenes Neoyorkinas, "Uptown", tema que los arreglo de Spector casi estropea, ahogando las voces de las muchachas (podéis ver una clarísima influencia de este tema en el musical y peli "La pequeña tienda de los horrores").  El grupo comienza a viajar, actuaciones televisivas, salones de conciertos, y con ello los roces y disputas entre las cinco jóvenes...



Harto de las discusiones de las niñas, cuando a Phil le ofrecen producir la composición de Gene Pitney "He’s a rebel", vio enseguida un éxito seguro, rechazada primero por the Shirelles, Spector pensó en the Crystals, pero tenía ciertas dudas, primero, el grupo andaba de gira por la Costa Este y no tenían mucha prisa por volver, segundo, se rumoreaba que otro grupo ya estaba grabando el tema para Liberty Records (en realidad una solista, Vikki Carr), y tercero, la suave voz de Barbara Alston no tenía lo que el productor buscaba para el tema. Así que ni corto ni perezoso decide grabar el tema con uno de los grupos de acompañamiento habituales del estudio, the Blossoms, con la poderosa voz de Darlene Love a la cabeza, momento que además, marcaría el comienzo del famoso "muro de sonido" de Spector. La sorpresa para the Crystals fue mayúscula cuando, a finales de agosto del 62, escucharon por la radio "su" último lanzamiento, "He’s a rebel" que, por supuesto, desconocían su existencia. El tema alcanza el número 1 de las listas en noviembre de ese mismo año, el quinteto se ve obligado a interpretarlo en sus actuaciones, teniendo que hacer un humillante playback sobre las voces de otras. Pero el problema principal llegó con los directos, la voz de Barbara no trasmite la rotundidad de la gran Darlene, por lo que se contrata a otra solista, Dolores "LaLa" Brooks, quien rápidamente destaca con sus interpretaciones mas recordadas "Then he kissed me" " y "Da Doo Ron Ron". Convertidas en sexteto, los líos aumentan, así que una embarazada Myrna Girard abandona, dejando the Crystals de nuevo como quinteto.



Darlene Love sólo volvió a grabar con the Crystals en 1963 ( "He's sure the boy i love"), pero las Crystals "originales" nunca perdonaron a Spector aquel engaño, pero el tiránico productor ignoraba cualquier mención al tema, los temas y grupos eran suyos, Barbara Alston abandona, Mary Thomas lo deja para casarse, y Phil decide reemplazar a Patsy Wright por una bailarina que acababa de conocer, Frances Collins. De quinteto a cuarteto, y a veces un trío, con el desaire de Spector, centrado entonces prioritariamente en otro proyecto de chicas, The Ronettes, de 1964 a 1966 el declive acaba en la disolución del grupo, un declive que comienza con un engaño, y una canción que pasa irremediablemente a la historia atribuida a unas chicas que ni siquiera conocían de su existencia. Spector utilizó mucho este tipo de tretas, con Darlene, por ejemplo, la hizo grabar temas de  Bob B. Soxx and the Bluejeans, o incluso sustituir en las Ronettes a su mujer Ronnie (Veronica Bennett), por considerar que su voz era mas apropiada para uno u otro tema en particular. Un precioso y controvertido tema que habla sobre una chica enamorada de un joven que rechaza las convenciones sociales impuestas, temática y estilo que abría así el camino a otros grupos como The Shangri-las, un número uno en la voz de una grande, y firmado por otro gran grupo ¿se puede pedir mas?...os dejo con el tema...

Razonablemente parecidos (Plagios, homenajes y robos del Pop Español)

Hoy nos metemos de nuevo en los delicados y fangosos terrenos del plagio (creo que me estoy aficionando demasiado a polemizar) y, aunque no voy a descubrir nada nuevo, si tenía la necesidad de trasmitir a los que desconozcan estas "casualidades" musicales nacionales. Como siempre he dicho, la línea que separa el plagio del homenaje o la simple casualidad (a veces causada por una "apropiación inconsciente" de una sucesión determinada de acordes), es realmente fina y difícil de dictaminar. Si bien es cierto que en los años pre-internet era mas difícil detectar estas curiosas coincidencias, por lo que algún espabilado con acceso a discos que no fueran muy conocidos por aquí, podía apropiarse de alguna melodía molona, con la esperanza de que nadie iba a reconocer su procedencia, y de hecho, así fue hasta que nos conectamos a la Red, y gente de todo el mundo comenzó a compartir y comentar todo tipo de cosas. Que nadie se rasgue las vestiduras, no pretendo pasar por inquisidor, así que tomároslo como un divertimento, un artículo dedicado a curiosos y divertidos parecidos musicales, comencemos con la mas polémica...

Posiblemente sea la canción mas emblemática de la década de los 80, icono de toda una generación, buque insignia de la "movida madrileña", "La Chica de Ayer" de Nacha Pop, fue compuesta, según su biografía, por Antonio Vega en 1977 mientras cumplía el servicio militar en la ciudad de Valencia. A lo largo de su trayectoria, Antonio Vega ha dado sobradas muestras de su talento como compositor, por lo que ensuciar su recuerdo con una acusación así es algo duro, entonces ¿que ocurrió?, ¿por que ese parecido con "La Caza del Bisonte"?...Lo mas seguro es que muy pocos conozcan al cantautor italo-argentino Piero de Benedectis, y posiblemente nadie por aquí había escuchado "La Caza del Bisonte", si no es por que el periodista musical Vicente Fabuel se hace eco del parecido a través de la revista "Efe eme" el 14 de septiembre de 2009, aunque remarca que "no estamos hablando de plagio ni nada similar, tan sólo de un parecido razonable", otros medios comienzan a hacer crecer la bola, y lo que en un principio eran dos canciones que se daban un "aire" acaba convirtiéndose en un huracán de coincidencias. Lo curioso es que el tema de Piero, grabado en 1976, que marca el comienzo del exilio de Piero en la época de la dictadura militar en Argentina, incluido en su Lp “Y mi gente dónde va”, fue publicado en España  en 1980 (año en que también se publicaba el primer álbum de Nacha Pop), y al parecer el "presunto" culpable del parecido fue el productor y arreglista del disco de la banda madrileña, el ahora denostado ex presidente de la SGAE y líder de los Canarios, Teddy Bautista, quien además tocaba el piano en este tema, y por lo que dicen, era muy aficionado a "inspirarse" en temas de otros artistas. Tal vez sea así, o simplemente casualidad, no lo sé, lo cierto es que "La Chica de Ayer" es un tema eterno de nuestra música pop, el otro, pues con todo mi respeto, no tenía conocimiento si no es por haber leído sobre este asunto, por cierto Piero en realidad hacía una adaptación al castellano de "La Caccia al Bisonte" un tema escrito por Ivano Fossati para Gianni Morandi en 1975...




Bueno, ahora vamos con unas divertidas coincidencias, no creo que se trate de plagio, mas bien de algo de morro y picardía, ni creo que pensaban en que los pillarían, ni creo que les importase demasiado, lo que ellos hacían poco tenía que ver en sus fuentes de inspiración. Fueron la banda española con mayor repercusión de los 80, éxito internacional, millones de fans enloquecidas, dos películas, decenas de números uno, discos de oro, platino... los Hombres-G lo petaron en la segunda mitad de los 80 con su pop desenfadado, divertidas letras, y buen pop-rock, un fenómeno casi comparable al de los Beatles en los 60. Un éxito que pilló de sorpresa a David Summers, Rafael Gutiérrez, Daniel Mezquita y Javier Molina, pero que supieron gestionar con inteligencia. Aunque rechazados por muchos que no les tomaban en serio (yo uno de ellos), hoy reconozco su saber hacer y encuentro entre sus temas sorprendentes composiciones, con geniales arreglos y claramente influenciados por el pop y el rock clásico...otra cosa eran las letras, las fans, el tufillo pijo tan poco rockero, pero con el tiempo he conseguido al menos "aceptarlos" y encontrarles un sitio entre mis grupos destacados ...Entre sus discografía se pueden encontrar homenajes o similitudes a muchos temas de otros artistas, pero sólo voy a destacar dos de ellos, por curiosos, rebuscados y originales. En 1986, para su segundo álbum  "La cagaste... Burt Lancaster", recuperan un tema que había sido lanzado como single en 1983, "Marta tiene un marcapasos" (algunos vieron en su letra un mensaje pro abortista  ¿?), y entonces la locura se desata, número uno absoluto y ¡no cambies de dial, por que te lo vas a encontrar!. Lo curioso es descubrir nota por nota, parte de un tema poco recordado de los neoyorkinos Simon y Garfunkel del año 1967, "At the Zoo", una canción que llegó hasta el 16 del Billboard, pero no tuvo repercusión en nuestro país, escuchad (minuto 0:24), es divertida la "coincidencia"...





Pero no era la primera vez que los cuatro G se apropiaban de una melodía ajena, en su primer álbum homónimo de 1985, cuando llegaron a aburrir con los pegadizos y cansinos "Venezia" y "Devuelveme a mi chica", David Summers se atribuía los créditos de la tercera canción del álbum, una balada titulada "Dejad que las niñas se acerquen a mí", sin embargo no hay que ser un gran entendido para reconocer inmediatamente una famosa melodía de la gran banda de Surf californiana the Beach Boys, y es que nota a nota es idéntica a "Don't Worry Baby" escrita por Brian Wilson y Roger Christian como cara "B" de su primer gran número uno "I Get Around" (Capitol Records, 1964), otra cosa es la interpretación, el estilo, etc, la coincidencia está ahí, y en este caso es innegable, ¿..o no?...





La Red es un arma de doble filo, fuente inagotable de información, aunque también de leyendas urbanas, falacias y mentiras varias, que se dan como ciertas y se extienden tan rápido como aparecen, por eso hay que saber separar el grano de la paja, a veces es complicado. Durante estos días he leído verdaderas barbaridades, como por ejemplo que "Devuelveme a mi chica" (1985, Hombres G), era una copia de "Sufre Cheto" una Cumbia de un grupo (Damas gratis) que comenzó su andadura en el 2000!! (y se quedan tan panchos). Luego están las graciosas, o mas o menos simpáticas, como que "Kamikaze" de Amaral es una copia acelerada de "Wicked Game" de Chris Isaak, o que "Cuatro segundos" Amaia Montero, hace un megamix  entre "No dudaría" de Antonio Flores y la canción de "David el Gnomo", o que "Miedo a soñar" de Ramoncín, es un calco de "Cortez the killer" de Neil Young,  y "Cuidado con Paloma" de Emilio Aragón es un plagio de (atentos a la burrada!!) "What i like about you", de The Romantics....En definitiva, si os interesa encontrareis un millón de estas y otras dudosas calamidades, yo por mi parte, voy a rematar mi aportación al asunto, con un tema muy conocido y donde la casual coincidencia es más que evidente. Efectivamente, y como muchos ya habréis imaginado, se trata del "Que te pasa" (conocido popularmente como "la moto estropeada") del cantautor madrileño de ascendencia extremeña, Manolo Tena. En 1992, salía al mercado "Sangre Española", uno de los grandes discos del pop-rock español de todos los tiempos, y en mi opinión el mejor que ha hecho Tena, ya fuera con Alarma! o en solitario. Un disco intimista, melancólico, que suena a desamor y a nostalgia, incluso hasta en sus temas mas "alegres". La mítica canción que abre y da título a álbum (escrita junto a Javier Vargas), es un clásico imprescindible de nuestra música, tres temas después suena "Que te pasa", es uno de esos (junto a "Sal y limón", "Tocar madera" y "Fuego en la piel") que sonaron hasta la casi odiarlos en la emisoras de radio. Lo curioso es que para algunos, aquella melodía resultaba como familiar, y así era, unos cinco años antes, incluido en el octavo álbum de estudio de Bruce Springsteen, "Tunnel of Love" (Columbia, 1987) se incluía "All that heaven will allow", un tema con una melodía muy, pero que muy similar, y si sabéis un poco de inglés hasta el transfondo de la letra es sospechosamente parecido. Os dejo con Tena y con El Jefe, y no le deis demasiadas vueltas, es sólo música, a mi me gustan las dos....hasta pronto!

Canciones con historia: "American Woman"

 Por lo general se suele argumentar que el Rock and Roll, a pesar de haber germinado en las negras voces del Blues americano, y tras una fase de infancia con artistas como Chuck Berry, Eddie Cochran o Jerry Lee Lewis, alcanzó su madurez y plenitud al otro lado del charco, en Gran Bretaña. Es una afirmación discutible, abierta al debate, que se basa en la memoria a corto plazo, y me explico: Si nos ponemos a pensar en las bandas míticas del Rock, entre los primeros nombres que acuden a nuestra memoria posiblemente se encuentren Led Zeppelin, the Beatles, Deep Purple, Rolling Stones, the Kinks, Queen, Pink Floyd, the Who...todas ellas bandas de Rock formadas a mas de 7.000 kilómetros de la Sun Records. Cierto es que siempre habría hueco para grandes bandas americanas como Lynyrd Skynyrd, los Ramones o la Creedence Clearwater Revival, pero creerme, la mayoría de la gente siempre piensa antes en los primeros, no voy a entrar en si es justo o no, lo que si voy a recordaros es que, a veces, los grandes mitos de la música, surgen de otras zonas, a priori con menos glamour rockero, como Canadá. Muestra de ello son artistas como Gordon Lightfoot, Neil Young, Joni Mitchell, The Band, Steppenwolf, y por supuesto The Guess Who...

The Guess Who arrastraban una larga trayectoria profesional desde su formación en Winnipeg durante 1958, bajo el nombre de Al and the Silvertones fueron ganándose un sitio entre las bandas locales de Rock. A lo largo de los 60 tuvieron cierta repercusión tocando temas clásicos de Rock and Roll (como su single de debut "Tribute To Buddy Holly", 1962), cambiaron varias veces de nombre (Chad Allan and the Reflections, Chad Allan and the Expressions...) hasta que llegó 1965. Con uno de sus singles, una versión del "Shakin 'All Over" de Johnny Kidd and The Pirates, llegan al número 1 en Canadá, y se cuelan en las listas USA, en el puesto 22, y el 27 en Australia, esto hace que su sello discográfico (Quality Records) decida dedicarles mas atención e impulsar su carrera. En un intento de crear un halo de misterio, los productores deciden, a modo de juego con, cambiar el nombre de la banda por el misterioso "Guess Who?" (algo así como "adivina quien"), ocultaron la identidad de sus miembros, potenciando así la creencia de que se trataba de un grupo Beat, formado en paralelo por miembros de importantes bandas británicas. No sabemos si la fórmula funcionó bien, aunque se pueden encontrar artículos de prensa americana de la época en la que se barajaban nombres como Lennon, Keith Richards, o Jimmy Page. El caso es que incluso después de que Quality Records revelara que "Guess Who?" eran en realidad Chad Allan and The Expressions, tanto la prensa, como los Dj's, como el público, continuaron llamándolos "Guess Who?" por lo que la banda cambió definitivamente de nombre, aunque, eso sí, sus primero álbumes aparecen acreditados con ambos nombres.



A finales de los 60, los diversos cambios en los componentes del combo (Randy Bachman, Burton Cummings, Jim Kale y Garry Peterson) trajeron también un cambio en su sonido, intentan alejarse del Rock más tradicional y del Merseybeat, y buscan una identidad propia, dejándose influenciar por el Blues, el Jazz y un Rock más potente y eléctrico. Con RCA Records consiguen afianzarse en el mercado internacional, curiosamente con una balada "These Eyes", top 10 en los EEUU, que vendió más de un millón de copias, consiguiendo así el primer disco de oro de la banda...pero vayamos al tema en cuestión, que me pierdo en datos biográficos. La banda había regresado de una agotadora gira por los USA, como canadienses, tradicionales y tranquilos, llegaban saturados de la agitación de ciudades como Chicago, Detroit, o New York, y luego estaba todo ese mal rollo sobre Vietnam, en Canadá no tienen un sistema de reclutamiento, así que estaban encantados con ello y felices de reencontrarse con su gente, y sobre todo con las chicas con las que estaban acostumbrados a charlar. Así que, de nuevo en casa, vuelven a los escenarios, durante un concierto de la banda en Kitchener, Ontario, el guitarrista Randy Bachman rompe una de las cuerdas de su guitarra, mientras la cambia, el resto deciden improvisar algo para animar al público, un riff sencillo y un punteo chirriante que hizo que el vocalista Burton Cummings se decidiese a cantar lo primero que se le vino a la cabeza"...American Woman, stay away from me-ee!", el público alucinaba, se volvieron locos, y la banda, una vez en el estudio, decidió dar forma a aquella frase, y crear un tema para su próximo disco.

Una vez reunidos, intentando dar coherencia a aquella afortunada improvisación, decidieron reflejar parte de sus sensaciones durante su gira estadounidense, dejando entre sus líneas un velado mensaje anti-belicista, y contrario a la prepotente actitud imperialista Yanky, en especial al trato que recibían cientos de jóvenes que, viviendo en la frontera entre Canadá y Estados Unidos, eran reclutados a la fuerza, sin entender los ideales que les obligaba a defender en territorio vietnamita, una bandera que muchos no consideraban propia. Concebida como un tema hard rock con una intro lenta de blues (que fue eliminada en aras de la comercialidad), su tremendo riff caló rápidamente entre el público de medio mundo. Numero uno absoluto desde su lanzamiento en enero de 1970 (compitiendo con "Let it Be" de The Beatles), logrando mantenerse invicta durante tres semanas consecutivas, y no saldría del Billboard Hot 100 hasta finales de ese mismo año, todo un récord que también trajo consecuencias negativas. Acusados de chauvinistas, el tema encendió las iras de diversos sectores, para empezar, algunas feministas estadounidenses afirmaban que se trataba de un tema de contenido abiertamente machista, la banda tuvo que salir en diversos medios para explicar que la dama a la que se refería la canción era la mismísima estatua de la libertad, craso error, a partir de ese momento fueron las autoridades estadounidenseslas que vetaron a la banda, En un comunicado oficial, el gobierno de Richard Nixon, decidía que "American Woman" era un tema anti-americano, eliminaron a Guess Who de un concierto que se celebraba en las afueras de la Casa Blanca ese mismo año, en el que iba a estar presente el presidente Nixon. El veto llegó a prensa y radio, las emisoras más patrióticas dejaron de emitir la canción. Algunos intentaron darle la vuelta para defenderlos, afirmaban de que se trataba de un homenaje al ejemplo que, en tiempos de crisis, estaban dando las esforzadas mujeres norteamericanas... en fin...

Lo cierto es que Guess Who no entendían tanto escándalo, gente como Dylan o Barry McGuire hacían mas daño desde el corazón de la patria, pero, al parecer, los canadienses no tenían derecho a opinar. Años mas tarde el bajista Jim Kale declaraba en una entrevista que nunca tuvieron la sensación de estar creando un tema anti-nada, y para reforzar su explicación citaba a John Lennon: "El significado de todas las canciones aparece después de ser escuchadas, alguien siempre le encuentra su interpretación". Vapuleados por la prensa, aplaudidos por el público, "American Woman" fue, y es, un tema mítico e imprescindible, de una banda impecable de la que me declaro fán absoluto ("Undun" es uno de mis temas de cabecera), a pesar de la controversia, hoy ¿quien no reconoce "American Woman" sólo con escuchar las primeras notas?, os dejo con ellos, un saludo!



..PD: os añado la primera versión, con la intro blues, recortada al final por motivos comerciales...

Canciones con historia: "Still Got the Blues (For You)"

Virtuoso de las seis cuerdas y estrella del Hard Rock, el norirlandés Gary Moore, tras curtirse en bandas como Thin Lizzy o Skid Row, llevaba años intentando encontrar una identidad musical propia, le gustaba el Rock potente, si embargo, desde el inicio de su carrera como solista había pasado (con bastante aceptación) por el Rock melódico, para volver al Heavy, con la ayuda del mítico cantante de Black Sabbath, Ozzy Osbourne. Es justo en esa época, durante una gira por el Reino Unido, en plena promoción de su último disco, (creo que el doce en solitario), "After the War" (Virgin, 1989), cuando el músico se da cuenta de una curiosa situación. No importaba el tipo de música que fuese a tocar, al entrar en el camerino, antes de subir a un escenario, para calentar los dedos, siempre tocaba Blues, y lo hacía desde hace años. Aquello fue toda una revelación para el músico de Belfast, quien, a mediados de ese mismo año decidió dar un giro a su carrera, para seguir la estela de los músicos que venden su alma al diablo en un cruce de caminos.

Aunque consagrado como músico de Rock, Gary Moore, que había grabado muchos y muy buenos discos, siempre pensó que a sus anteriores trabajos les sobraban adornos, y les faltaba alma. Fue un curioso capricho del destino el que impondría el particular sonido del nuevo trabajo de Moore. Uno de los mayores referentes de Gary, fue sin duda, el guitarrista Peter Green (Fleetwood Mac) quien fue mentor suyo, durante sus inicios en Dublín. Años antes le había prestado una guitarra "Les Paul Standard 1959" que al limpiarla, se habían montado mal unos cables y tenía un peculiar sonido. A mediados de los 80, Gary se hizo con una en Londres, y le hizo unos cambios similares, pero nunca la gastó por que su sonido no era muy apropiado para el Hard Rock. Decidido a crear un sonido mas intimista y personal, sin renunciar a su esencia rockera, desempolva su "Les Paul", y la magia surge sóla, compone una preciosa melodía, con un penetrante y visceral riff, que pone los pelos de punta, y te lleva, literalmente, al cielo y al infierno por igual. Tras una primera "presentación en sociedad", en su casa, junto a un grupo de amigos totalmente impactados por el impresionante tema, Moore se lanzó al estudio de grabación donde, en una sola toma, se graba "Still Got the Blues (For You)", una sesión que, en palabras del artista, fue mágica e inolvidable, y de alguna manera marcó el resurgir de un género musical imprescindible, el Blues.



 El lanzamiento de "Still Got the Blues" (Virgin, 1990) convulsionó el anquilosado mercado musical, reavivando el Blues eléctrico, mientras convergía con las tan apreciadas baladas Heavy. Lo cierto es que era un regreso al Blues, Gary Moore siempre había dado muestras de aprecio por este género en particular, aunque nunca se había atrevido a decantarse por él de manera tan definitoria. Con un disco tan claramente hecho desde el corazón y el talento, Gary Moore se colocó rápidamente en lo más alto de las listas de ventas, sorprendiendo a muchos de sus admiradores, que descubrieron una nueva faceta del artista irlandés, que no hizo mas que aumentar por mucho su legión de seguidores. El lanzamiento del nuevo disco de Moore fue toda una sensación, el viejo Blues volvía a estar vivo, y renovado, grandes artistas como Albert King, Albert Collins, George Harrison o B.B. King se unirían al guitarrista norirlandés en sus próximos proyectos. En mi opinión, el Blues, que siempre estuvo ahí, gracias a "Still Got the Blues" volvió a la primera plana musical, es un hecho innegable, guste o no, no hay mas que revisar la cantidad de recopilaciones de Blues eléctrico que se editaron aprovechando el tirón del disco.

Un vez acabado el pasado siglo XX, a un desconocido (al menos para mi) músico alemán llamado Jürgen Winter, le pareció reconocer en el exitoso tema de Moore, el solo de guitarra que él mismo había compuesto para su grupo de entonces, Jud's Gallery (un grupo de Rock progresivo), en particular para su tema "Nordrach", en 1974. Un tema y un grupo cuya repercusión y fama es mas bien nula, sin embargo la demanda siguió su curso. El Juicio duró cerca de ocho años, durante ese tiempo Gary Moore negó tajantemente haber copiado ni una sola nota, sin embargo, y a pesar de las diferencias entre ambos temas, el tribunal estableció que Moore podía haber escuchado "Nordrach" durante una de sus múltiples visitas a Alemania en los años 70, antes incluso de la grabación de este, explicando que la memoria musical de un profesional puede permitirle recordar, años después de haber escuchado un tema, un fragmento oído por casualidad. El tribunal consideró que la similitudes eran demasiado evidentes (esto me lo tiene que explicar alguien), y por tanto condenó, en 2008, a pagar una cantidad no relevada por daños y perjuicios al artista alemán.

Casos como este los hemos visto a montones, músicos que acusan de plagio por una pequeña sucesión de acordes, con el único propósito de que se reconozca que esas seis u ocho notas les merecen los royalties de un tema que, en la mayor parte de los casos, en muy poco se parece al suyo. No digo que no sea justo, ni tengan todo el derecho del mundo, en eso no voy a entrar, pero hay que reconocer que estos temas "originales" no se comieron un torrao, y con estos asuntos consiguen una repercusión que nunca antes habían tenido, pues bien, pero posiblemente sea lo único que consigan. Es más, en 2007, la banda de Jürgen, crearon una nueva versión del tema, en el que se aprecia un nuevo enfoque, descaradamente mas cercano a "Still Got the Blues", intentando aprovecharse de su "éxito" judicial. En cualquier caso, no importa, ahí tenemos un clásico moderno del Blues, que nadie cuestiona, un músico impecable como Moore (fallecido en Estepona, Málaga, en 2011), y un músico alemán, que cobra los royalties de un tema que en la vida habría compuesto, esto es así, unas veces los plagios son tales, otras, sanguijuelas sin talento...disfrutar del gran Moore ...

Canciones con historia: "La Grange"

 Cuando la semana pasada, al final del anterior post, os contaba como Dolly Parton había sido la compositora, y primera interprete, del famoso tema central de la película "El guardaespaldas", "I will always love you" con  Whitney Houston como protagonista, os avanzaba que esta popular melodía ya había sido parte importante de una banda sonora de cierto éxito. Como recordareis, se trataba de la comedia musical, basada en la obra de Broadway del mismo nombre "The best little whorehouse in Texas" ("La casa más divertida de Texas") con la Parton como principal interprete. En ese momento me venía a la memoria otro tema, de corte muy distinto al anterior, cuya letra se inspira y relata parcialmente la historia real de aquel burdel de Texas en el que se basa esta película. Hoy os narraré la trayectoria del "Chicken Ranch", que tanta música parece haber inspirado, y otro día (esto me acaba de venir a la mente), tal vez dedique algo de tiempo a recopilar un puñado, de los muchos temas, que a lo largo de la historia de la música, se han dedicado a narrar las penas y alegrías del oficio mas antiguo del mundo...puede estar interesante, pero hoy seguiremos en Texas....

 Lo cierto es que casi todo el mundo en Texas lo sabía, el "Chicken Ranch" era un burdel muy popular desde que abrió sus puertas en 1844, a unos 2 kilómetros al este de la ciudad de La Grange, sede del Condado de Fayette. En sus inicios, la viuda "Mrs. Swine" contaba con tres jóvenes muchachas para satisfacer a la clientela, pero el local tuvo que ser cerrado durante la Guerra de Secesión americana. No os voy a aburrir con toda la larga, aunque por otra parte interesante, historia del burdel mas longevo y popular de Texas, un estado en el que la prostitución ni siquiera es legal. Pero voy a intentar dar algunas pinceladas, para hacer mas comprensible la importancia de este peculiar lupanar. Durante los (intermitentes) 129 años de existencia, el "Chicken Ranch", "La pensión de Edna" o "La Grange", recibía tras sus puertas (y bajo sus sábanas) a lo mas granado de todo el estado, el sheriff solía acudir cada noche para informarse de los últimos chismes y averiguar si algún cliente andaba jactándose de su ultima fechoría, a partir de 1946, el nuevo sheriff decidió poner una línea telefónica directa con el burdel, y así evitar tener que trasladarse allí cada noche. Alcaldes y concejales fueron los principales clientes en la década de los 50, poco después de que dejase de cobrarse un pollo por cada "trabajo" sexual (el exceso de aves en el patio trasero hizo que fuese conocido como "El Rancho de pollos").



En la década de los 50 llegó a tener hasta dieciséis señoritas, y se empleaban a fondo, con la cercanía de una base militar y un centro universitario, los fines de semana se formaba una enorme cola en la puerta del rancho (esta frase no va con segundas intenciones jeje). La base militar proporcionaba un helicóptero para facilitar el transporte a los soldados hasta el rancho, mientras que en la Universidad se convirtió en tradición enviar a los estudiantes de primer año, como prueba de iniciación. La popularidad creció por que se creía que muchas de las prostitutas no eran estrictamente profesionales, si no jóvenes universitarias que precisaban de dinero extra. Las chicas entregaban el un alto porcentaje de sus ingresos a Edna Milton (la nueva "Madame"), con el que contribuía a diversas causas cívicas locales, lo que la convirtió en uno de los mayores filántropos de La Grange, así mismo guardaba una parte para los gastos médicos o problemas, que sus chicas pudieran tener, incluso un fondo para la jubilación de estas. A principios de los años 70, el Departamento de Seguridad Pública comenzó a vigilar las actividades del rancho, paralelamente, un reportero de televisión ávido de fama (Marvin Zindler) comenzó una campaña de moralidad en contra del famoso burdel. Todo esto acabó obligando al gobernador del estado de Texas a cerrar (muy a su pesar) definitivamente "La Grange" en 1973.

 Muchos cuentan que el cierre del burdel fue propiciado por el tremendo éxito de nuestro tema de hoy, pero no es del todo cierto, aunque "La Grange" salíera al mercado en julio de 1973, como parte del tercer álbum de los ZZ Top "Tres hombres" (London Records), coincidiendo con la campaña televisiva emprendida por el ultra católico Marvin Zindler, el local ya había sido cerrado temporalmente un año antes por el Departamento de Seguridad Pública, por lo que aquello era sólo cuestión de tiempo. Lo que si es cierto es que, este tema, que narra la historia del mas longevo y famoso burdel de Texas, se convirtió rápidamente en un "clásico del Blues" y, posiblemente, uno de los temas mas conocidos de la banda de luengas barbas de Texas, los ZZ Top. El éxito del disco los mantuvo durante año y medio de gira por todo el Estado, siendo "La Grange", el tema estrella en todos los conciertos. El guitarrista y vocalista de la banda, Billy Gibbons, relató a la revista Guitar World, que se compuso de manera simple, basándose en variaciones de un sólo acorde, intentando crear un ambiente sucio, sexual, con un pegajoso riff central interpretado con una Stratocaster del 55. Lo que no cuenta el bueno de Gibbons, es que este riff ya lo había escuchado anteriormente. Posiblemente nos encontremos ante un caso de "apropiación inconsciente", algo parecido a lo que le ocurrió a George Harrison con "My Sweet Lord" y el "He's So Fine" de las Chiffons, pero el caso es que "La grange" recuerda sospechosamente a "Shake your hips" (1966) de Slim Harpo, y sobre todo al boogie blues eléctrico del maestro de Clarksdale (Misisipi) John Lee Hooker, "Boogie Chillen" (1948). Tanto es así, que en 1992, el propietario de los derechos de autor del tema de Hooker, Bernard Besman, demandó a los ZZ Top por plagio, tras varios años de litigio, el Juez dictaminó que "Boogie Chillen" era un tema popular, de dominio público, y por tanto los barbudos del Rock no habían incurrido en ningún delito. En cualquier caso, una historia curiosa, un burdel que hizo felices a muchos e inspiró un tema impresionante, un clásico moderno, que hoy sigue haciendo felices a muchos otros...

Canciones de Segunda Mano (one)

Como sabéis, siempre ando indagando en busca del dato (musical) perdido, la curiosidad detrás de la canción, el origen de temas populares, y cosas por el estilo. El resultado de estas investigaciones casi siempre acaban en las secciones de "Versión Original" ó "Canciones con historia", pero en muchos casos me encuentro con que el resultado apenas da para unas líneas. Aún así he ido recopilando un buen puñado de canciones, que en su momento fueron muy populares, atribuidas por la gran mayoría a los artistas que la llevaron a la cima de la popularidad, dejando en el limbo de los olvidados a aquellos que la interpretaron por primera vez, sin la suerte de sus predecesores. Quizás no tengan historias tan jugosas como las de "Twist and Shout", "My Way", “Love is Strange” , "Hey Joe", o "Hooked on a Feeling", por ejemplo, tal vez no merecieran la gloria, tal vez no tuvieron la chispa necesaria, quizá no era el momento adecuado, o la difusión no fue la mas acertada, pero al menos, nosotros, nos acordamos que (como cantaban Morcillo el Bellaco y los Ritmicos) "ellos lo hicieron primero"...

No se puede decir que The Walker Brothers, pertenezcan al fenómeno "One hit wonder" (artistas que se recuerdan por un sólo y muy sonado éxito), sin embargo es innegable que si permanecen en la memoria colectiva de todos nosotros, es sin duda gracias a su interpretación de "The sun ain’t gonna shine anymore". Un precioso tema de ampulosos arreglos orquestales, con el que el trío de California (afincado en Londres) tocara el cielo del éxito en 1966. Realmente, the Walker Brothers, ni eran hermanos, ni se apellidaban Walker, pero en plena fiebre británica, con the Beatles y Stones como bandera, consiguieron, con su pulcra imagen y engolado estilo (a medio camino entre the Byrds y the Rigtheus Brothers), conquistar las listas británicas, manteniéndose número uno de ventas durante un mes consecutivo con este tema, extendiendo su popularidad a medio mundo, un tema que, como ya debéis imaginar, no era suyo. El tema fue compuesto un año antes por el productor de los Four Seasons, Bob Crewe y el teclista, compositor y vocalista de la banda, Bob Gaudio, "The sun ain’t gonna shine anymore" debía ser la perfecta rampa de despegue del líder vocal del grupo, el italo-americano Frankie Valli. Un tema (realmente grabado en una de las sesiones de grabación junto a los Four Seasons) que se alejaba un poco de la línea habitual del cuarteto de Jersey, y que Valli redondeó con su acostumbrada calidad vocal e interpretativa, sin embargo el sencillo no caló entre la audiencia, quedándose fuera del Top 100 americano y, por tanto, ni siquiera sonó en Europa, lo que abrió las puertas del mercado británico al expatriadfo trío Walker Brothers  un año mas tarde, ya que allí era un tema completamente nuevo...



Afortunadamente Valli, era un artista conocido y con una gran carrera a sus espaldas, por lo que continuó a lo suyo sin darle mayor importancia, otros artistas no tuvieron esa misma suerte... Una tarde de 1958, la hija del compositor norteamericano Julius Edward Dixson llegó a su casa con el resto de un caramelo pegado al pelo, la engorrosa faena de quitar el pegajoso dulce de los rizos de la pequeña, hizo que Julius llegara tarde al trabajo, pero también le sirvió de inspiración para (junto a Beberly Ross) crear un pegadizo tema, "Lollipop". Sentado al piano de su casa, con Beberly como vocalista, y con la ayuda de Ronald Gumm, un vecino de 13 años de Dixon, grabaron una demo bajo el seudónimo de Ronald y Ruby (foto de cabecera) . La RCA se interesó rápidamente por el tema, y fue lanzado de inmediato, consiguiendo llegar hasta el puesto 20 de las listas. Pero había un problema, muchas emisoras rechazaron emitir "Lollipop", a pesar del seudónimo (idea de la madre de Gumm), enseguida trascendió que el muchacho era negro, mientras Beberly era blanca, un dúo interracial no estaba bien visto en ese momento. Pero los de RCA no quisieron dejar pasar la oportunidad, así que endosa la canción a un cuarteto de perfectas y virginales voces blancas de larga trayectoria profesional. The Chordettes eran una apuesta segura, impecable imagen de perfecta ama de casa, y un estilo vocal limpio y armónico con el que ya habían conquistado al público desde 1954 con "Mr. Sandman". Unas semanas mas tarde del lanzamiento de la versión original, las Chordettes conseguían llegar al top 2 de pop y 3 de Rythm and Blues. Como curiosidad, os diré que en el Reino unido no lo tuvieron tan fácil, ya que en el puesto número 2 otra versión de "Lollipop" impidió el paso de las americanas, la de un grupo familiar de Bedfordshire, llamados The Mudlarks.



Se trata de un tema mítico, lanzado como sencillo en diciembre de 1965, llegó a los primeros puestos de las listas, tanto en USA como en el Reino Unido. Fue un éxito inesperado, sobre todo para la banda, ya que los de Capitol Records decidieron lanzarlo sin la autorización de estos. Y es que los Beach Boys andaban inmersos en dar un paso evolutivo en su sonido, y no confiaban mucho en que "Barbara Ann" fuera a ayudarles en su cambio de rumbo. Curiosamente, el tema (recogido al final del disco "Beach Boys Party", un falso directo con aplausos y voces añadidas) está interpretado a la limón por Brian Wilson y Dean Torrence (mitad del dúo surfero Jan and Dean), aunque la colaboración de Dean no se reflejó en los créditos del disco, pero podemos escuchar al final de la canción la voz de Wilson diciendo "...thank's Dean!". Pero nos tenemos que remontar hasta 1958 para encontrar el origen de "Barbara Ann", y es que así se llamaba la chica a quien estaba dedicado el tema, la hermana del compositor Fred Fassert. Pero Fred tenía otro hermano, Chuck, miembro de un grupo vocal del Bronx, en el que había comenzado su carrera otro compositor imprescindible para el Doowop, Ernie Maresca, el grupo se hacían llamar los Regents (nombre que escogieron mientras grababan en los estudios Regent Sound, donde el vocalista Chico Villari fumaba unos cigarrillos "Regents"...aquello debió parecerles una señal). El caso es que la canción fue, evidentemente, a parar a la banda del hermano de Fred, grabaron el tema, pero por la falta de un contrato con una discográfica, la inquietud de Maresca por probar otros terrenos y otros diversos motivos, la banda se disuelve sin lanzar el sencillo. En 1962, Eddie Jacobucci, lider del grupo vocal the Consorts se presenta en Cousins Records para una audición, falto de ideas decide proponer "Barbara Ann", la idea gusta a los productores tanto, que se deshacen de the Consorts, y deciden revivir a the Regents y volver a grabar el tema, reúnen a la formación original y vuelven a grabar la canción, semanas mas tarde "Barbara Ann" consigue un número 1 en el distrito de Nueva York, aunque no tuvo una buena difusión a nivel nacional, por lo que no fue mas que un gran éxito local, hasta que la tocaran los Beach Boys, claro.

 ...Y hasta aquí una primera entrega de "canciones de segunda mano", espero que os haya gustado, poco a poco os iré trayendo pequeñas perlas de curiosidades musicales, no dejéis de escuchar música, ni de leer mis post (jaja) un saludo amigos!

Canciones con historia: "La Bamba"

Tan sólo dos temas en español tienen el honor de encabezar la prestigiosa lista "Hot 100 Billboard", uno es (ejem) "Macarena" de Los del Rio, y la otra es "La Bamba" de Ritchie Valens, un artista que ostenta el triste privilegio de poseer una de las carreras musicales mas cortas de la historia, un fenómeno fugaz, que sólo duró ocho meses. Con tan sólo 17 años, Ritchie era una incipiente estrella, cuyos temas revolucionaban las listas de éxitos americanas, aquel febrero de 1959, compartía escenario y autobús, con las grandes estrellas del momento. La "Winter Dance Party", una gira por el medio oeste americano, venticuatro eventos en tres semanas, en los que actuaban (entre otros artistas locales) Waylon Jennings, Dion & The Belmonts, Buddy Holly, The Big Bopper Richardson y el propio Valens. En mitad de la gira, la calefacción del autobús que transportaba a los artistas dejo de funcionar, la organización del tour no tenía previsto un problema así, y tampoco consiguió encontrar a nadie que pudiera solucionarlo, así que tras la actuación en el 'Surf Ballroom' de Clear Lake, Iowa, Buddy Holly decide que está harto de aguantar las gélidas temperaturas locales y alquila una avioneta para tres pasajeros, con el fin de llegar rápidamente a un hotel y descansar en condiciones. Holly y Bopper, eran las grandes estrellas del show, así que una moneda decidió la "suerte" entre Jennings y Valens. Años después del trágico accidente Jennings admitiría que se había sentido culpable, ya que a modo de broma Holly le espetó "espero que tu autobús se estropee”, a lo que Waylon respondió “Pues entonces, que tu avión se estrelle”. Anécdotas aparte aquel trágico día, se perdería un montón de talento, uno de los músicos mas creativos e influyentes de la historia del Rock, y una las mayores promesas del mismo...

Ricardo Esteban Valenzuela Reyes, está considerado por muchos como el gran pionero del rock latino, gracias a él se abrieron las puertas a un montón de artistas como Chris Montez, Trini Lopez o Carlos Santana. Su corta trayectoria es de sobra conocida gracias al cine "La Bamba" (Luis Valdez, 1987) hizo que medio mundo conociera las canciones del cantautor y guitarrista de origen mexicano nacido en Estados Unidos, Ritchie Valens (gracias en parte a las grandes versiones de Los Lobos). Tal vez por eso, la mayoría de la gente pueda pensar que la verdadera "canción con historia" deba ser "Donna", la sencilla balada compuesta para Donna Ludwig, su novia (aunque realmente no hay pruebas reales de esta relación) del instituto. Lo que si está bastante claro es que Valens estaba enamorado de la chica, y que a finales de 1958 le dedicó esta bonita canción. Un tema que, por otra parte, sentaría las bases para futuras baladas románticas blanditas, lo cierto es que tuvo bastante éxito, llegando a alcanzar el puesto número 2 del Billboard Hot 100, eso si, un mes después del fallecimiento del artista. Aunque la historia pueda ser romántica (el rollo Romeo y Julieta, chicano y rubia americana, etc...) no tiene mucha mas miga que la que ya os he contado, así que vamos con "La bamba", un tema que en sí mismo es una lección de historia...



 En 1958, Bob Keane, propietario y presidente de Del-Fi Records (un pequeño sello de Hollywood), llegaría al Valle de San Fernando en busca de un nuevo talento, le habían llegado comentarios sobre un joven de 16 años, que junto a su grupo The Silhouettes, se estaban ganando un nombre en el circuito regional. Bob convenció al muchacho, y se lo llevó al estudio de grabación de su casa, en Silver Lake, de estas sesiones se saca el material que hay publicado de Ritchie, ya que su primer disco incluía "Come On, Let's Go" y "Framed", aunque grabó diversas pistas de otros temas en estudio que no se llegaron a publicar en vida del artista, ya que su segundo (y ultimo) disco de su vida sería el doble sencillo de "Donna" y "La Bamba". La elección de "La Bamba" no convencía mucho a Keane, aquel era un tema popular mexicano, un Son Jarocho (una especie de Fandango, combinado con versos, que se acompaña con una danza zapateada, propia de la cultura Jarocha, en el estado de Veracruz), aquel era un tema conocido en Mexico y, aunque había llegado ecos de aquella tonada a los USA, no era muy apropiada para el público juvenil americano (aún recuerdo los abucheos del público, en el pre-estreno de la película, cuando el acor que interpreta a Bob Kane, dice aquello de : "No se puede hacer Rock en español!") en el cine. Sin embargo, con los arreglos de Valens "La Bamba" se convirtió en un Rock and Roll, que convenció y arrasó entre la chavalada yanky...pero, ¿de donde proviene "La Bamba"?, y ¿de que habla realmente?, vamos a ello...

 Al parecer, y por lo que he podido averiguar, la historia de la canción va ligada a la propia historia de Veracruz,  la Villa Rica de la Vera Cruz fue fundada por el conquistador español Hernán Cortés, en 1519 en las playas que se encontraban frente al islote de San Juan de Ulúa. Por su situación,enseguida se convirtió en un ponto estratégico para el comercio entre España y el "Nuevo mundo", debido a diversos problemas metereologicos, la Villa se traslada a la isla de San Juan de Ulúa, allí es fortificada para proteger las grandes cantidades de oro y plata que allí esperaban para embarcar rumbo a la madre patria. Ya en el siglo XVII, las aguas que rodeaban la zona estaban infestadas de piratas, en mayo de 1683, el pirata holandés Lorenz de Graaf se apodera de la Villa, encerrando a los habitantes de la ciudad en la iglesia de la plaza mayor, para poder saquear con mayor tranquilidad. Cuatro días bajo un intenso calor, sin comida ni agua, hizo que algunos parroquianos decidieran acabar con su sufrimiento lanzándose desde lo alto del campanario de la iglesia. Una vez liberada la ciudad, el virrey de México decidió implantar en las colonias de la zona, una serie de normas, destinadas a prevenir un nuevo ataque pirata, repiques de alarma, ensayos de emergencia, formación de "reclutas de emergencia", etc... Medidas que la población se tomó con ironía y sorna, y así comenzó a nacer una canción que fue extendiéndose de manera espontánea.



Aunque la letra ha sufrido diversos cambios a lo largo de su extensa existencia, en su mayor parte se mantiene igual que en el siglo XVII, veamos:

Yo no soy marinero
Yo no soy marinero
Soy Capitán
Soy Capitán...

...Pero por ti seré,
Por ti seré, por ti seré…

Esta parte está, por supuesto, sujeta a muchas interpretaciones,  pero la mayoría de expertos apuntan al miedo de los lugareños a navegar por unas aguas repletas de piratas y al contrapunto de tener un rango militar ficticio en las milicias creadas para una posible invasión. Del forzoso reclutamiento de jóvenes por parte de los oficiales militares para tal fin, puede venir lo de "pero por ti seré", aunque he de decir que, por lo que he leído, puede ser que el popular Son ya existiera con anterioridad, y su letra sufrió un sarcástico cambio debido a las normas impuestas por el virrey. Pero el dato definitivo se encuentra en la estrofa de las escaleras:

Para subir al cielo, para subir al cielo
se necesita una escalera grande
una escalera grande y otra chiquita
Ay, arriba y arriba, Y arriba y arriba...

Examinando una Web de un habitante de lo que fue la Villa fortificada de Veracrúz, se explica que para acceder al campanario de la catedral (sin modificaciones notables desde el siglo XVII), es necesario, una escalera larga, para llegar al tejado, y otra corta, para acceder al campanario... un dato, al menos intrigante, que realmente parece hacer alusión a los suicidios ocurridos durante el asedio del pirata holandés. Lo cierto es que el tema es muy emblemático en Veracrúz, pero lo que a nosotros nos ha llegado es un rock, de carácter y raza latina, que a mediados de los 50, revolucionó e inició un nuevo concepto musical, la fusión, algo que aunque no era nuevo, quedó más que patente gracias a un joven de 17 años con un gran futuro por delante, el mítico Ritchie Valens...