Versión Original: "Surfin' Bird"

Así, sin mas, dejamos atrás las navidades, ese fuego fatuo de purpurina, lucecitas y campanas, desaparece de repente, el simulacro de paz, amor y felicidad acaba tras el día 6, y nos encontramos de nuevo ante las facturas, el paro, la crisis, y la consabida cuesta de enero. Se agradece la "tregua", pero hay que volver a la realidad. Para romper con todo ese almibarado regusto y enfrentar el nuevo año con energía a raudales, os propongo un tema de esos que apaga tu lado mas serio y aburrido, un frenético "quitapenas" que conecta directamente con tu yo irracional e instintivo, haciendo que el ritmo te inunde y te dejes llevar, entre convulsiones birlongas y saltos proto-punks, a un estado de desenfado y sudorosa felicidad. No es que sea una receta infalible, entre sus contraindicaciones puede estar el hacer el ridículo, o la alteración nerviosa, pero, después de tanto villancico, zambomba y papel de regalo...¿a quien no le apetece ponerse unas Martens y desmadrarse unos minutos al ritmo de una canción como esta?...Terapia 100% eficaz, mano de santo, se lo prometo oiga...

Posiblemente "Surfin' Bird" rompió con los estereotipos del surf-rock de comienzos de la década de los 60, un género cuyo pilar fundamental eran las poderosas interpretaciones instrumentales (a menudo acompañadas de estridentes partes de viento), y que cuando requerían acompañamiento vocal, solían ser mucho más melódicas. Así que cuando estos cuatro chicos llamados the Trashmen, con pinta de no haber roto un plato en su vida, se sacaron de la manga este jitazo garagero dotado de un salvajismo inusual, fue un auténtico bombazo comercial, y en pocos días todo el mundo tenía "la fiebre del pájaro". Repetida hasta la saciedad en decenas de películas, anuncios o series de televisión, nos tenemos que remontar hasta 1957 para encontrar las primeras pistas sobre el origen de este infeccioso tema. Red Prysock fue uno de los grandes pioneros del la era dorada de Rock and roll, influenciado por Coleman Hawkins, abandona la senda del Swing y el Bebop, y junto a otros músicos de su generación se encamina hacia el incipiente rhythm and blues. Desde 1954, fichado por el sello de Chicago Mercury Records, Red Prysock junto a gente como Tiny Grimes and his Rocking Highlanders, Benny Golson, o Roy Milton crean las bases de la nueva música popular norteamericana con temas como "Hand Clappin'", "Jump Red Jump", "Wiggles", y "What's The Word ? Thunderbird", siendo este último el que influenciará en la forma y espíritu al hit de los Trashmen, sirviendo además como germen para el surf-rock de temas como "Tequila" de the Champs. Pero si "What's The Word ? Thunderbird" sirve como excusa sonora, la parte vocal nos llega desde el maravilloso mundo del DooWop...



The Rivingtons fueron un grupo vocal muy popular a principios de los años 60, liderados por Carl White, consiguieron su mayor éxito en 1962 con un sencillo divertimento cacofónico (algo muy de moda en aquel momento), una canción de ritmo fácil y vivaz que basa su estribillo en una absurda combinación de sílabas sin sentido y con cierta gracia (a Paul McCartney también le encantaban estas cosas), "Papa-Oom-Mow-Mow" obtuvo un tímido puesto 48 en el Billboard Hot 100, aunque les serviría para ganar popularidad entre el aficionado adolescente. La táctica habitual del momento era que cuando un tema funcionaba se explotaba la misma fórmula hasta agotarla, por lo que poco más tarde The Rivingtons volvían a la carga con la misma base (ritmo pegadizo y trabalenguas onomatopéyico) con la aún mas barroca "Mama-Oom-Mow-Mow" y sobre todo con "Bird's the Word", con la que se volverían a colar en las listas de éxitos, otras bandas como the Ran-Dells ("Martian Hop", 1963) intentaron cosas similares con mas o menos fortuna. En cualquier caso nosotros nos quedamos con los dos temas de los Rivingtons, pues combinados y con la influencia del tema de Red Prysock nos llevan directamente a nuestro tema de hoy, no sin cierta controversia de por medio, por supuesto...



The Trashmen se formaron durante 1962 en Minneapolis, Minnesota, su sonido era una mezcla de distintos géneros, surf-rock, garage, beat, rock and roll, y se ganaban la vida animando al personal en bailes y clubs nocturnos de su ciudad natal. Una noche de 1963 durante un bolo en un club de Wisconsin llamado Woodley’s Country Dam, la banda que les precedía (un grupo local desconocido llamados the Sorensen Brothers) interpretaban "Bird's the Word", un tema pegadizo que les hizo bastante gracia e incluso pensaron en añadir a su repertorio. Poco despues durante un concierto, the Trashmen interpretaba una versión acelerada del "Papa-Oom-Mow-Mow" de the Rivingtons, Steve Wahrer (batería del combo, que hacía las veces de cantante combinandose con Tony Andreason y Dal Winslow) se acordó de aquella interpretación y, viendo el parecido, empezó a incorporar aleatoriamente partes de "Bird's the Word" (según ellos, desconociendo la procedencia y autoría del mismo) sobre "Papa-Oom-Mow-Mow", el resultado fue bastante molón, y llamó poderosamente la atención de Bill Diehl (un D.J. de la zona de Minnesota) que había acudido a ver el concierto y convenció a la banda para grabar el tema en los estudios Kay Bank a finales de 1963.



 Erguido como representante de la banda, Bill Diehl presenta "Surfin' Bird" a un concurso en Mineapolis, donde ganan, y los manda a una batalla de bandas en Chicago, donde también ganan, rápidamente consiguen un contrato discográfico con Garrett Records, quienes durante el primer fin de semana del lanzamiento del single, habían vendido la friolera de 30.000 copias, alcanzando el número 4 en el Billboard Hot 100. Poco después fueron invitados a interpretar "Surfin' Bird" en el show de Dick Clark “American Bandstand”, pero como el vuelo era caro,  fue solo  Steve Wahrer, quien hizo playback y bailó desenfrenado sobre en el escenario (ver vído final). El presentador le preguntó en que se habían inspirado, a lo que este contestó que de “ver demasiadas películas de Tarzán”, y aseguró que la canción la habían compuesto ellos. Sin embargo, Carl White (líder de the Rivingtons) vio aquella actuación y reconoció inmediatamente sus dos canciones combinadas, para comprobar mas tarde que el single sólo acreditaba a Steve Wahrer como autor del mismo. Tras la pertinente reclamación judicial, the Trashmen se vieron obligados a acreditar a sus verdaderos creadores, por lo que en según que edición podréis encontrar distintos créditos bajo el título. Lo cierto es que, aunque sea un híbrido, el resultado es un tema nuevo que funciona por sí sólo, con ese "Surfin' Biiiird!" espectral, y esos 20 segundos de auténtica psicosis del cantante-batería, un estupendo y desinfectante tema que ha formado parte del repertorio habitual de grupos como the Cramps, Ramones, o The Queers, un hit que seguro nos ayudará a volver a la rutina con mas fuerza y energía que nunca, I promise!

Versión original: "Turn!, turn!, turn!"

Eclesiastés 3:1...
Hay un momento para todo y un tiempo para cada cosa
bajo el sol:
un tiempo para nacer y un tiempo para morir,
un tiempo para plantar y un tiempo para arrancar lo plantado;
un tiempo para matar y un tiempo para curar,
un tiempo para demoler y un tiempo para edificar;
un tiempo para llorar y un tiempo para reír,
un tiempo para lamentarse y un tiempo para bailar....

Pues no, no he visto la luz, tampoco me he hecho creyente, ni mucho menos cito la biblia para dar sermones al personal desde este púlpito cibernético. Como muchos ya habréis descubierto, estos versos, atribuidos tradicionalmente al Rey Salomón, y pertenecientes al "Libro del Predicador", son la letra de de una de las canciones mas conocidas de los años 60, alcanzando el número 1 de las listas USA en las navidades de 1965, con unos arreglos que pasarán a la historia, reafirmando lo que muchos denominan el "Sonido Rickenbacker" de la mítica banda de Los Angeles "the Byrds", y por supuesto os estoy hablando de uno de sus mayores y mas conseguidos éxitos "Turn! Turn! Turn! (to Everything There Is a Season)"...



"Turn! Turn! Turn!" fue el tercer sencillo del grupo formado por Roger McGuinn, Gene Clark, Chris Hillman, Michael Clarke y David Crosby, se encontraban en un gran momento de popularidad, su primer single, una versión del tema de Bob Dylan "Mr. Tambourine Man" había sido ya número uno en junio de 1965, dando origen a un nuevo termino musical, el "Folk-Rock", una expresión acuñada por la prensa estadounidense ese mismo año, para describir el sonido de the Byrds. Entre agosto y septiembre de ese mismo año la banda se embarca en una gira por las islas británicas, los de Columbia Records les presionan para sacar un nuevo éxito, les habían rechazado otra versión de un tema de Dylan, "It's All Over Now, Baby Blue", por considerarla demasiado floja. Pero, cosas del destino, en el autobús de la banda, la futura mujer de McGuinn (Dolores) le pide que toque un tema que Roger solía interpretar cuando tocaba folk tradicional junto a Judy Collins, se trataba, por supuesto de "Turn! Turn! Turn!", cuando Roger tocó las primeras notas inmediatamente descubrió que aquel tema ya no le sonaba como la típica canción popular, enseguida se pusieron manos a la obra y el tema (tras 78 tomas repartidas en cinco días de grabación!!) por fin salió al mercado...

En una America especialmente sensible por los problemas raciales y la guerra de Vietnam, el tema se convirtió en todo un himno por la paz y la tolerancia, planteando que existe un tiempo para cada cosa, la vida, la paz, la muerte, la guerra, pero añadiendo una frase más al texto bíblico para hacer especia énfasis en su intención:"tiempo de paz, te juro que no es demasiado tarde." Mientras la canción alcanzaba mas y mas popularidad, la banda se dividía debido a problemas internos y envidias, principalmente por las rentas que Gene Clark recibía por la autoría de sus composiciones, fue el principio de su emancipación, sus temas fueron cayendo a las "cara B" y finalmente abandonó the Byrds, pero eso es otra historia...






No existen muchos temas que incluyan tanto del "libro sagrado" como "Turn! Turn! Turn!", quizás "Rivers of Babylon" de the Melodians o "40" de U2, no sé, no soy muy experto en religión. Lo que sí sé es quien fue el autor del tema (bueno, de la música, el texto ya lo sabemos), el musicólogo, cantante, y compositor "purista" del Folk, Pete Seeger (The Almanac Singers, The Weavers). El reputado artista y defensor de los derechos humanos de Nueva York, fue quien compuso este tema en 1959, sin embargo no se decidiría a grabarlo, para Columbia Records, hasta 1962. Sin embargo el tema sale al mercado unas semanas antes y bajo el título de "To everything there is a Season", de manos de un grupo de folk formado en Colorado, que tomaba su nombre del club de Aspen, propiedad de dos de sus miembros, donde se gestó la banda "The Limeliters". El tema pasó sin pena ni gloria, excepto en pequeños círculos de folk, y la banda se separó antes de escuchar la versión de the Byrds, aunque se volverían a reunir años más tarde. En cuanto a Seeger,otro día os hablo de él, tiene muchísimo de interesante su trayectoria y su nombre está ligado a muchos artistas y éxitos de la música folk y pop en general.

Como era habitual en estos años, antes de los Byrds, otros, aparte de Seeger y Limeliters, también grabaron el tema, ya os he mencionado a Judy Collins, pero igualmente en Australia, en 1964, Gary Shearston, consiguió cierta relevancia con su versión, posteriormente fueron muchos otros. Pero para rematar este post, que casi ha sido "arqueología musical", con versiones casi imposibles de conseguir, os dejo, al fín, con el maravilloso sonido de una de las mejores bandas de pop (el folk sólo fue su escusa musical) de la historia...The Byrds...

Versión Original: "Shake a Tail Feather"

En realidad soy un tipo muy normal, trabajo y me relaciono con los demás como cualquier hijo de vecino, no soy de los que agobian a sus amigos con "batallitas" musicales culturetas, ni me paso todo el día con el mp3 o la radio puesta. Adoro la música, es parte de mi propio yo, pero cada cosa en su sitio, tengo otras aficiones, otras prioridades, sin embargo no hay un día que no dedique una porción de mi tiempo a disfrutar de ella, a escudriñar en busca de algún tema o artista que desconocía, a recuperar algún disco que había olvidado, o a conocer las nuevas propuestas de artistas de todo el mundo. Aunque no me cierro a casi ningún estilo (eso si, que nadie me nombre el reggaeton), debo reconocer que tengo cierta predilección por lo "retro" (no hay mas que ver este blog), por lo que en cuando me llama la atención alguna nueva banda, por lo general, suele tener cierto regusto "Oldie", sin importarme demasiado si hacen Soul como Sanford Alligator Band, James Hunter o Si Cranstoun, Jazz como Madeleine Peyroux, ZAZ o Caro Emeral, le dan al Blues como Meena o Dani Wilde, o al Rock como Babylon Rockets, Kitty Daisy & Lewis o Imelda May. Uno de mis últimos "descubrimientos" se enmarcan en este último grupo, Rock en su vertiente más "revival", seis (atractivas) chicas, que se lanzan al ruedo musical sin el respaldo de las discográficas, ellas se producen, hacen los arreglos, tocan, cantan, bailan y nos hacen retroceder a la época dorada del Rock and Roll a golpe de energía, mucho ritmo, taconazos, carmín y estética "pin-up". Os hablo de The Ladies, con Lady Cherry (ex-concursante de "El número Uno") a la cabeza, un prometedor grupo que te conquista desde que pisa el escenario. Su prometedor primer sencillo, "Rockin Lotion", es toda una declaración de intenciones, pero no quiero hablaros aún de ellas, en cuanto tenga su primer disco en mis manos, prometo hacer un análisis más detallado. El caso es que mientras escuchaba el avance de su trabajo en su página Web, descubrí una fantástica versión de un mítico y energético tema, versionado por decenas de grandes artistas de todos los tiempos, y me pareció una fantástica excusa e introducción para hablaros un poco sobre él....

El rock es un eterno feedback, se renueva mientras se retroalimenta, a veces de manera sutil, otras de forma descarada y premeditada, es el caso del tema de The Ladies, rebautizado como "Twist it (The Five Du Tones)". Con ese título está claro que quieren reivindicar la versión original del tema, desmarcándose ligeramente de los cambios que sufrió posteriormente (y que consiguieron hacerla mítica), no me parece mal, el tema ya era bastante bueno cuando se grabó por primera vez a finales de 1963, sólo que entonces su nombre era "Shake a Tail Feather". Los encargados de grabar por primera vez este super clásico del Soul, fueron cinco chicos que habían formado su primera banda en 1957, mientras estudiaban en el Patrick Henry High School de St. Louis, Missouri. A veces el destino es caprichoso, recién estrenados los 60, la madre de LeRoy Joyce (principal vocalista de la banda) decide mudarse a Chicago en busca de nuevas oportunidades, esa decisión induce al resto de componentes de The Five Du-Tones a probar fortuna en la ciudad del viento, centro neurálgico del Blues, lleno de posibilidades para los músicos de color del momento. Allí, pronto son fichados por un pequeño sello, One-derful Records, con quien continuarán el resto de su carrera. Lo cierto es que ninguno de sus secillos lograría un puesto relevante en las listas, su propuesta era sencilla, Soul y Rhythm and blues inspirado en los grupos vocales de los años 50 y el sonido de la Motown. Su mejor momento llega en 1963 con "Shake a Tail Feather" (algo así como "menea el bullarengue", jeje), un intento de imitar el éxito que the Contours habían conseguido un año antes con "Do You Love Me", para el sello de Berry Gordy, Jr. El tema, compuesto por Otha Hayes, Verlie Rice y André Williams (mítico de la Motown y Chess Recods) funcionó relativamente bien, pero ni mucho menos se acercaría a la popularidad conseguida por "Do You Love Me". The Five Du-Tones continuarían grabando hasta su disolución en 1966, sin colar ningún hit en las listas, pero como debéis saber, hay canciones con vida propia....

Curiosamente fue un año despues de la desaparición de sus intérpretes originales, cuando "Shake a Tail Feather" conseguiría un éxito un poco más relevante, un tímido puesto 25 en los charts en las voces de dos primos de Florida llamados James y Bobby Purify, el enérgico tema comenzaba a consolidarse, convirtíendose en parte del repertorio habitual de las estrellas Soul del momento. Si bien la versión original era irregular vocalmente, inconstante y algo descontrolada, los primos Purify le dan un toque de Soul con clase, aunque como perfectos baladistas que eran, les falta aportar algo de visceralidad al tema. La electricidad, la energía, y la sexualidad llegaría en la siguiente década. Es cierto que Ike Turner era un mal tipo, que abusaba física y emocionalmente de su mujer Tina, pero como músico tenía los conceptos muy claros, pulió a su mujer (posiblemente de las peores maneras) hasta convertirla en una grandísima intérprete, con capacidad de interpretar hits sin perder ni un ápice de garra e intensidad, su versión de este tema en los años 70, es de las mejores que se han realizado a lo largo de la historia (y son muchas, Mitch Ryder, Gerry, The Pacemakers, Tommy James and The Shondells, y un largo etcétera no tan destacable).

 Bien, el tema nace el los 60, se consolida en los 70, y nada más entrar en los 80 se hace mítico, curiosamente gracias al cine. En 1978, tras un par de películas de bajo presupuesto y nula repercusión, el director John Landis dio el pelotazo con "Animal House" (en España "Desmadre a la americana"), comedia gamberra de fraternidades universitarias, creadora de todo un género cinematográfico de dudosa calidad. Los buenos resultados en taquilla de aquella comedia, (en la que ya destacan momentos musicales notables), dio a Landis la posibilidad de emprender un proyecto de mayor envergadura, para ello echó mano del cómico del momento, un actor que ya había destacado en su anterior película, el gran (y malogrado) John Belushi. La idea era desarrollar un largo con los personajes creados por Belushi y su amigo Dan Aykroyd para el el programa de televisión Saturday Nigth Live, en aquel mítico show, entre los muchos sketches, John y Dani interpretaban a Jake y Elwood Blues, una pareja de hermanos peligrosos y adictos al Soul. The Blues Brothers fueron muy populares en televisión entre 1975 y 1979, siendo el momento mas esperado, un espacio musical de calidad en medio de un show de humor. Además la banda estaba formada por músicos de gran talento, los guitarras Steve Cropper (Otis Redding, Booker T. & The M.G..), y Matt "Guitar" Murphy (Otis Rush, Koko Taylor, Memphis Slim...), Donald "Duck" Dunn (bajo que comparte carrera con Crooper), Murphy Dunne (teclista de Ray Charles o The Conception Corporation) y el batería  Willie Hall (Booker T. & The M.G, Issac Hayes). La película "The Blues Brothers" (que en un alarde de ingenio, aquí se rebautizó como "Granujas a todo Ritmo"), era una auténtica gamberrada, humor irreverente desprovisto de cualquier otra intención que no sea entretener, demasiadas persecuciones, humor fácil, un filme muy irregular que, sin embargo, se convirtió en una película de culto. Aparte del carisma de Belushi (inmenso como  Jake Joliet Blues), el plato fuerte de la película eran unos curradísimos números musicales, temas clásicos interpretados por la banda, acompañados de auténticas leyendas de la música como Aretha Franklin, James Brown, Cab Calloway o John Lee Hooker. Pero el momento que nos ocupa hoy, es el interpretado por el grán músico de Georgia, Ray Charles. Mientras los hermanos Blues intentan reunir su vieja banda, deciden comprar algunos instrumentos, por lo que entran en una pequeña tienda de Chicago, Ray's Music Exchange, regentada por el propio Charles, allí deciden probar algunos instrumentos, y de esta manera comienza una de las escenas mas marchosas de toda la peli, mientras interpretan una genial y energética versión de "Shake a Tail Feather", en la calle cientos de espontáneos bailan al ritmo de la banda. El tema original de los Five Du-tones se creó aprovechando la proliferación de nuevos bailes en los 60, y esto mismo se añade en la versión de Ray, en cierto momento se nombran y se ven bailar ritmos divertidos como el Twist, the fly (la mosca), the swim (nadando), the bird (el pájaro), the monkey (el mono), el watusi, o the mashed potato (el popular puré de patatas de Dee Dee Sharp).... un repaso a los bailecitos que la juventud de los 60 disfrutaron que enriquecen el tema, convirtiéndolo en pura diversión, una genialidad que en las voz de Ray, y los hermanos Blues, crece como la espuma, convirtiéndose el la "nueva versión original", una obra renovada que os animo a probar, altavoces altos y a mover el culo con arte y salero...

Razonablemente parecidos (Plagios, homenajes y robos del Pop Español)

Hoy nos metemos de nuevo en los delicados y fangosos terrenos del plagio (creo que me estoy aficionando demasiado a polemizar) y, aunque no voy a descubrir nada nuevo, si tenía la necesidad de trasmitir a los que desconozcan estas "casualidades" musicales nacionales. Como siempre he dicho, la línea que separa el plagio del homenaje o la simple casualidad (a veces causada por una "apropiación inconsciente" de una sucesión determinada de acordes), es realmente fina y difícil de dictaminar. Si bien es cierto que en los años pre-internet era mas difícil detectar estas curiosas coincidencias, por lo que algún espabilado con acceso a discos que no fueran muy conocidos por aquí, podía apropiarse de alguna melodía molona, con la esperanza de que nadie iba a reconocer su procedencia, y de hecho, así fue hasta que nos conectamos a la Red, y gente de todo el mundo comenzó a compartir y comentar todo tipo de cosas. Que nadie se rasgue las vestiduras, no pretendo pasar por inquisidor, así que tomároslo como un divertimento, un artículo dedicado a curiosos y divertidos parecidos musicales, comencemos con la mas polémica...

Posiblemente sea la canción mas emblemática de la década de los 80, icono de toda una generación, buque insignia de la "movida madrileña", "La Chica de Ayer" de Nacha Pop, fue compuesta, según su biografía, por Antonio Vega en 1977 mientras cumplía el servicio militar en la ciudad de Valencia. A lo largo de su trayectoria, Antonio Vega ha dado sobradas muestras de su talento como compositor, por lo que ensuciar su recuerdo con una acusación así es algo duro, entonces ¿que ocurrió?, ¿por que ese parecido con "La Caza del Bisonte"?...Lo mas seguro es que muy pocos conozcan al cantautor italo-argentino Piero de Benedectis, y posiblemente nadie por aquí había escuchado "La Caza del Bisonte", si no es por que el periodista musical Vicente Fabuel se hace eco del parecido a través de la revista "Efe eme" el 14 de septiembre de 2009, aunque remarca que "no estamos hablando de plagio ni nada similar, tan sólo de un parecido razonable", otros medios comienzan a hacer crecer la bola, y lo que en un principio eran dos canciones que se daban un "aire" acaba convirtiéndose en un huracán de coincidencias. Lo curioso es que el tema de Piero, grabado en 1976, que marca el comienzo del exilio de Piero en la época de la dictadura militar en Argentina, incluido en su Lp “Y mi gente dónde va”, fue publicado en España  en 1980 (año en que también se publicaba el primer álbum de Nacha Pop), y al parecer el "presunto" culpable del parecido fue el productor y arreglista del disco de la banda madrileña, el ahora denostado ex presidente de la SGAE y líder de los Canarios, Teddy Bautista, quien además tocaba el piano en este tema, y por lo que dicen, era muy aficionado a "inspirarse" en temas de otros artistas. Tal vez sea así, o simplemente casualidad, no lo sé, lo cierto es que "La Chica de Ayer" es un tema eterno de nuestra música pop, el otro, pues con todo mi respeto, no tenía conocimiento si no es por haber leído sobre este asunto, por cierto Piero en realidad hacía una adaptación al castellano de "La Caccia al Bisonte" un tema escrito por Ivano Fossati para Gianni Morandi en 1975...




Bueno, ahora vamos con unas divertidas coincidencias, no creo que se trate de plagio, mas bien de algo de morro y picardía, ni creo que pensaban en que los pillarían, ni creo que les importase demasiado, lo que ellos hacían poco tenía que ver en sus fuentes de inspiración. Fueron la banda española con mayor repercusión de los 80, éxito internacional, millones de fans enloquecidas, dos películas, decenas de números uno, discos de oro, platino... los Hombres-G lo petaron en la segunda mitad de los 80 con su pop desenfadado, divertidas letras, y buen pop-rock, un fenómeno casi comparable al de los Beatles en los 60. Un éxito que pilló de sorpresa a David Summers, Rafael Gutiérrez, Daniel Mezquita y Javier Molina, pero que supieron gestionar con inteligencia. Aunque rechazados por muchos que no les tomaban en serio (yo uno de ellos), hoy reconozco su saber hacer y encuentro entre sus temas sorprendentes composiciones, con geniales arreglos y claramente influenciados por el pop y el rock clásico...otra cosa eran las letras, las fans, el tufillo pijo tan poco rockero, pero con el tiempo he conseguido al menos "aceptarlos" y encontrarles un sitio entre mis grupos destacados ...Entre sus discografía se pueden encontrar homenajes o similitudes a muchos temas de otros artistas, pero sólo voy a destacar dos de ellos, por curiosos, rebuscados y originales. En 1986, para su segundo álbum  "La cagaste... Burt Lancaster", recuperan un tema que había sido lanzado como single en 1983, "Marta tiene un marcapasos" (algunos vieron en su letra un mensaje pro abortista  ¿?), y entonces la locura se desata, número uno absoluto y ¡no cambies de dial, por que te lo vas a encontrar!. Lo curioso es descubrir nota por nota, parte de un tema poco recordado de los neoyorkinos Simon y Garfunkel del año 1967, "At the Zoo", una canción que llegó hasta el 16 del Billboard, pero no tuvo repercusión en nuestro país, escuchad (minuto 0:24), es divertida la "coincidencia"...





Pero no era la primera vez que los cuatro G se apropiaban de una melodía ajena, en su primer álbum homónimo de 1985, cuando llegaron a aburrir con los pegadizos y cansinos "Venezia" y "Devuelveme a mi chica", David Summers se atribuía los créditos de la tercera canción del álbum, una balada titulada "Dejad que las niñas se acerquen a mí", sin embargo no hay que ser un gran entendido para reconocer inmediatamente una famosa melodía de la gran banda de Surf californiana the Beach Boys, y es que nota a nota es idéntica a "Don't Worry Baby" escrita por Brian Wilson y Roger Christian como cara "B" de su primer gran número uno "I Get Around" (Capitol Records, 1964), otra cosa es la interpretación, el estilo, etc, la coincidencia está ahí, y en este caso es innegable, ¿..o no?...





La Red es un arma de doble filo, fuente inagotable de información, aunque también de leyendas urbanas, falacias y mentiras varias, que se dan como ciertas y se extienden tan rápido como aparecen, por eso hay que saber separar el grano de la paja, a veces es complicado. Durante estos días he leído verdaderas barbaridades, como por ejemplo que "Devuelveme a mi chica" (1985, Hombres G), era una copia de "Sufre Cheto" una Cumbia de un grupo (Damas gratis) que comenzó su andadura en el 2000!! (y se quedan tan panchos). Luego están las graciosas, o mas o menos simpáticas, como que "Kamikaze" de Amaral es una copia acelerada de "Wicked Game" de Chris Isaak, o que "Cuatro segundos" Amaia Montero, hace un megamix  entre "No dudaría" de Antonio Flores y la canción de "David el Gnomo", o que "Miedo a soñar" de Ramoncín, es un calco de "Cortez the killer" de Neil Young,  y "Cuidado con Paloma" de Emilio Aragón es un plagio de (atentos a la burrada!!) "What i like about you", de The Romantics....En definitiva, si os interesa encontrareis un millón de estas y otras dudosas calamidades, yo por mi parte, voy a rematar mi aportación al asunto, con un tema muy conocido y donde la casual coincidencia es más que evidente. Efectivamente, y como muchos ya habréis imaginado, se trata del "Que te pasa" (conocido popularmente como "la moto estropeada") del cantautor madrileño de ascendencia extremeña, Manolo Tena. En 1992, salía al mercado "Sangre Española", uno de los grandes discos del pop-rock español de todos los tiempos, y en mi opinión el mejor que ha hecho Tena, ya fuera con Alarma! o en solitario. Un disco intimista, melancólico, que suena a desamor y a nostalgia, incluso hasta en sus temas mas "alegres". La mítica canción que abre y da título a álbum (escrita junto a Javier Vargas), es un clásico imprescindible de nuestra música, tres temas después suena "Que te pasa", es uno de esos (junto a "Sal y limón", "Tocar madera" y "Fuego en la piel") que sonaron hasta la casi odiarlos en la emisoras de radio. Lo curioso es que para algunos, aquella melodía resultaba como familiar, y así era, unos cinco años antes, incluido en el octavo álbum de estudio de Bruce Springsteen, "Tunnel of Love" (Columbia, 1987) se incluía "All that heaven will allow", un tema con una melodía muy, pero que muy similar, y si sabéis un poco de inglés hasta el transfondo de la letra es sospechosamente parecido. Os dejo con Tena y con El Jefe, y no le deis demasiadas vueltas, es sólo música, a mi me gustan las dos....hasta pronto!

Canciones de Segunda Mano (two)

Quien no recuerda la primera vez... bueno pues al parecer muchos, al menos por la acogida y los comentarios de nuestro primer "Canciones de segunda mano". Bromas aparte, lo cierto es que muchas veces cuando un tema (en estos casos una versión) alcanza en muy poco tiempo un alto nivel de popularidad, acaba ensombreciendo hasta ocultar en el frío limbo de los olvidados, aquellas primeros artistas que se atrevieron a grabarlo en su primitiva forma. Aprovechando que en estos ajetreados días previos a la Navidad, estamos todos muy ocupados en excesivas compras y estresantes preparativos, vamos con un post ligerito y liviano, una segunda entrega a nuestro repaso a los artistas que no dejaron su huella muy profunda, pasando casi inadvertidos para la gran mayoría de aficionados... pero, tranquilos, aquí estoy yo para remediarlo (jeje)...

 Comenzamos con un tema muy conocido, un clásico imperecedero, que de alguna manera, también tiene un aire navideño, muy apropiado para escuchar en familia, junto al árbol de colorines y espumillón, y un bucólico fuego en la chimenea del fondo del salón. Creo que no desvelo nada nuevo si os digo que Elvis Presley no fue el primero en grabar "Crying in the Chapel", aunque a partir de 1965 quedará irremediablemente unido a la voz de "el Rey". Lo cierto es que Elvis llevaba mas de dos años sin tocar el primer puesto de las listas, y la canción andaba guardada en la recámara desde su grabación en octubre de 1960, frenada por RCA y el Coronel Tom Parker por desacuerdos en los derechos de publicación. Finalmente la inspirada interpretación de Presley y la siempre perfecta compañía de the Jordanaires elevarían la canción al nivel de mítica e imprescindible. No era la primera vez que se escuchaba el engolado tema, antes de 1965 diversos artistas ya lo habían registrado, los mas osados afirmarán que la versión original pertenece al grupo vocal the Orioles, que consiguieron un gran éxito con ella en 1953, pero es un dato incorrecto, fruto de la popularidad que obtuvo la maravillosa BSO de "American Gaffiti" (George Lucas, 1973), en a que aparecía esta versión, que muchos adjudicaron como primigenia. Pero la banda de Baltimore no fueron los primeros en grabarlo. Aquel mismo año, el músico de Texas  Charles "Artie" Glenn salía de rezar en una pequeña iglesia bautista en el lado norte de Fort Worth, un año antes, en la cama del hospital en el que se recuperaba de una compleja cirugía en la columna vertebral, había prometido dedicarle mas tiempo a Dios. Mientras rezaba, unas lágrimas de agradecimiento rodaban por sus mejillas, de camino a casa ya rondaba por su cabeza "Crying in the Chapel", decidió regalar el tema a su hijo de 17 años Darrell, quien lo grabó junto a la banda de Country de su padre los Rhythm Riders, consiguiendo un relativo éxito local y nacional, con y Darrell Glenn de gira junto al cómico Bob Hope por todos los Estados Unidos.



 Arquetipo de ídolo de adolescentes, el Neoyorquino Brian Hyland, ya había tocado la cima del éxito cuando, con 16 años, logró uno de los primeros "éxitos del verano", con el tema " Itsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polka Dot Bikini ", un pop refrescante y simplón, precursor del sonido bubblegum, que arrasó en 1960. Hyland tardaría un par de años más en lograr un éxito tan contundente, y fue con un tema, cuyo sonido, era diametralmente opuesto a su primer número uno, aunque en algo sí coincidían, ambos fueron éxitos de verano, aunque en este caso, un clásico del final de la época estival. "Sealed with a Kiss" conseguiría mantenerse durante 11 semanas consecutivas en el tercer puesto de top then USA, alcanzando la misma posición en el UK Singles Chart. Relanzada como sencillo en 1975, la versión de Hyland, se convertiría en un éxito sorpresa en el Reino Unido, donde de nuevo se colaría entre las 10 canciones del año... pero nosotros buscamos su primera vez..."Sealed with a Kiss" compuesta por Peter Udell y Gary Geld para el grupo vocal de New York the Four Voices, un cuarteto italoamericano que, a pesar de las buenas criticas y el respeto de sus compañeros de profesión, jamas conseguirían demasiada repercusión (excepto un fugaz top 20 en 1956, con "Lovely One"). El cuarteto registró por primera vez "Sealed with a Kiss" el mismo año en que Hyland conseguía su primer gran éxito (es decir 1960),  pero el tema pasó completamente desapercibido, y el grupo, tras otros tantos fracasos, acabaría separándose en 1962, año en que paradójicamente, su canción llegaba a la cima de las listas en la voz de un adolescente de su mismo barrio...



 Y ahora avanzamos unas décadas, un poco como avance de nuestro próximo especial de "primeras veces", en el que intentaré sorprenderos con algunos grandes éxitos de los 80 y 90, que damos por sentado que son creaciones originales, cuando en realidad se tratan de versiones. En 1984, la banda británica de  reggae-pop UB40 ya tenían decenas de éxitos en las listas británicas, desde su formación en 1978 habían ido ganándose el respeto del público, afianzando su personal visión de la música jamaicana. Pero fue  "Red Red Wine" el tema que les daría fama mundial, abriéndoles las puertas del mercado USA, y ampliando el europeo. La canción cuenta, en un tono agradable y feliz, lo bien que el vino te hace sentir, aunque tu chica te haya dejado. Para su interpretación los UB40 se apoyaban en una versión anterior del jamaicano Toni Tribe, con la que en 1969 había conseguido el top 6 en el Reino Unido, aunque anteriormente, en otro registro muy distinto, ya había sido grabada por el grupo de Soul James Jimmy and the Vagabonds. Posteriormente y antes de la de UB40, también el cantante Country Roy Drusky cosechó cierta popularidad con su versión en 1972, al igual que el neoyorquino Vic Dana justo dos años antes, aunque fue la del grupo británico de reggae, la que, en un principio, mas disgustó al autor y primer interprete del tema. Lo cierto es que el padre de "Red Red Wine" no es ningún advenedizo, creador de cientos de grandes éxitos, a Neil Diamond,  cantante, compositor, guitarrista, actor y productor, le sorprendió negativamente el carácter festivo que los británicos daban a su tema, una canción triste dedicada al desamor y al "beber para olvidar" que él mismo grabaría en 1968. Con el tiempo, aquel malentendido fue superado, y el propio Diamond suele tocar de vez en cuando el tema al estilo de UB40. Lo cierto es que Neil Diamond es un especialista en crear éxitos, que se han revalorizado años después en las voces de otros, os nombro por ejemplo "I’m a believer" de the Monkees, o “Girl, You'll be a woman soon” de Urge Overkill...y con él os dejo, emplazándoos una semana más, donde repasaremos cuatro sorprendentes canciones de segunda mano, os espero, y cuidadito con los excesos de estas fiestas, que pasaré lista!...

Canciones de Segunda Mano (one)

Como sabéis, siempre ando indagando en busca del dato (musical) perdido, la curiosidad detrás de la canción, el origen de temas populares, y cosas por el estilo. El resultado de estas investigaciones casi siempre acaban en las secciones de "Versión Original" ó "Canciones con historia", pero en muchos casos me encuentro con que el resultado apenas da para unas líneas. Aún así he ido recopilando un buen puñado de canciones, que en su momento fueron muy populares, atribuidas por la gran mayoría a los artistas que la llevaron a la cima de la popularidad, dejando en el limbo de los olvidados a aquellos que la interpretaron por primera vez, sin la suerte de sus predecesores. Quizás no tengan historias tan jugosas como las de "Twist and Shout", "My Way", “Love is Strange” , "Hey Joe", o "Hooked on a Feeling", por ejemplo, tal vez no merecieran la gloria, tal vez no tuvieron la chispa necesaria, quizá no era el momento adecuado, o la difusión no fue la mas acertada, pero al menos, nosotros, nos acordamos que (como cantaban Morcillo el Bellaco y los Ritmicos) "ellos lo hicieron primero"...

No se puede decir que The Walker Brothers, pertenezcan al fenómeno "One hit wonder" (artistas que se recuerdan por un sólo y muy sonado éxito), sin embargo es innegable que si permanecen en la memoria colectiva de todos nosotros, es sin duda gracias a su interpretación de "The sun ain’t gonna shine anymore". Un precioso tema de ampulosos arreglos orquestales, con el que el trío de California (afincado en Londres) tocara el cielo del éxito en 1966. Realmente, the Walker Brothers, ni eran hermanos, ni se apellidaban Walker, pero en plena fiebre británica, con the Beatles y Stones como bandera, consiguieron, con su pulcra imagen y engolado estilo (a medio camino entre the Byrds y the Rigtheus Brothers), conquistar las listas británicas, manteniéndose número uno de ventas durante un mes consecutivo con este tema, extendiendo su popularidad a medio mundo, un tema que, como ya debéis imaginar, no era suyo. El tema fue compuesto un año antes por el productor de los Four Seasons, Bob Crewe y el teclista, compositor y vocalista de la banda, Bob Gaudio, "The sun ain’t gonna shine anymore" debía ser la perfecta rampa de despegue del líder vocal del grupo, el italo-americano Frankie Valli. Un tema (realmente grabado en una de las sesiones de grabación junto a los Four Seasons) que se alejaba un poco de la línea habitual del cuarteto de Jersey, y que Valli redondeó con su acostumbrada calidad vocal e interpretativa, sin embargo el sencillo no caló entre la audiencia, quedándose fuera del Top 100 americano y, por tanto, ni siquiera sonó en Europa, lo que abrió las puertas del mercado británico al expatriadfo trío Walker Brothers  un año mas tarde, ya que allí era un tema completamente nuevo...



Afortunadamente Valli, era un artista conocido y con una gran carrera a sus espaldas, por lo que continuó a lo suyo sin darle mayor importancia, otros artistas no tuvieron esa misma suerte... Una tarde de 1958, la hija del compositor norteamericano Julius Edward Dixson llegó a su casa con el resto de un caramelo pegado al pelo, la engorrosa faena de quitar el pegajoso dulce de los rizos de la pequeña, hizo que Julius llegara tarde al trabajo, pero también le sirvió de inspiración para (junto a Beberly Ross) crear un pegadizo tema, "Lollipop". Sentado al piano de su casa, con Beberly como vocalista, y con la ayuda de Ronald Gumm, un vecino de 13 años de Dixon, grabaron una demo bajo el seudónimo de Ronald y Ruby (foto de cabecera) . La RCA se interesó rápidamente por el tema, y fue lanzado de inmediato, consiguiendo llegar hasta el puesto 20 de las listas. Pero había un problema, muchas emisoras rechazaron emitir "Lollipop", a pesar del seudónimo (idea de la madre de Gumm), enseguida trascendió que el muchacho era negro, mientras Beberly era blanca, un dúo interracial no estaba bien visto en ese momento. Pero los de RCA no quisieron dejar pasar la oportunidad, así que endosa la canción a un cuarteto de perfectas y virginales voces blancas de larga trayectoria profesional. The Chordettes eran una apuesta segura, impecable imagen de perfecta ama de casa, y un estilo vocal limpio y armónico con el que ya habían conquistado al público desde 1954 con "Mr. Sandman". Unas semanas mas tarde del lanzamiento de la versión original, las Chordettes conseguían llegar al top 2 de pop y 3 de Rythm and Blues. Como curiosidad, os diré que en el Reino unido no lo tuvieron tan fácil, ya que en el puesto número 2 otra versión de "Lollipop" impidió el paso de las americanas, la de un grupo familiar de Bedfordshire, llamados The Mudlarks.



Se trata de un tema mítico, lanzado como sencillo en diciembre de 1965, llegó a los primeros puestos de las listas, tanto en USA como en el Reino Unido. Fue un éxito inesperado, sobre todo para la banda, ya que los de Capitol Records decidieron lanzarlo sin la autorización de estos. Y es que los Beach Boys andaban inmersos en dar un paso evolutivo en su sonido, y no confiaban mucho en que "Barbara Ann" fuera a ayudarles en su cambio de rumbo. Curiosamente, el tema (recogido al final del disco "Beach Boys Party", un falso directo con aplausos y voces añadidas) está interpretado a la limón por Brian Wilson y Dean Torrence (mitad del dúo surfero Jan and Dean), aunque la colaboración de Dean no se reflejó en los créditos del disco, pero podemos escuchar al final de la canción la voz de Wilson diciendo "...thank's Dean!". Pero nos tenemos que remontar hasta 1958 para encontrar el origen de "Barbara Ann", y es que así se llamaba la chica a quien estaba dedicado el tema, la hermana del compositor Fred Fassert. Pero Fred tenía otro hermano, Chuck, miembro de un grupo vocal del Bronx, en el que había comenzado su carrera otro compositor imprescindible para el Doowop, Ernie Maresca, el grupo se hacían llamar los Regents (nombre que escogieron mientras grababan en los estudios Regent Sound, donde el vocalista Chico Villari fumaba unos cigarrillos "Regents"...aquello debió parecerles una señal). El caso es que la canción fue, evidentemente, a parar a la banda del hermano de Fred, grabaron el tema, pero por la falta de un contrato con una discográfica, la inquietud de Maresca por probar otros terrenos y otros diversos motivos, la banda se disuelve sin lanzar el sencillo. En 1962, Eddie Jacobucci, lider del grupo vocal the Consorts se presenta en Cousins Records para una audición, falto de ideas decide proponer "Barbara Ann", la idea gusta a los productores tanto, que se deshacen de the Consorts, y deciden revivir a the Regents y volver a grabar el tema, reúnen a la formación original y vuelven a grabar la canción, semanas mas tarde "Barbara Ann" consigue un número 1 en el distrito de Nueva York, aunque no tuvo una buena difusión a nivel nacional, por lo que no fue mas que un gran éxito local, hasta que la tocaran los Beach Boys, claro.

 ...Y hasta aquí una primera entrega de "canciones de segunda mano", espero que os haya gustado, poco a poco os iré trayendo pequeñas perlas de curiosidades musicales, no dejéis de escuchar música, ni de leer mis post (jaja) un saludo amigos!

Versión original: "Got my mind set on you"

Suelo visitar con asiduidad blogs de todo tipo, literatura, cine, misterios, historia, arte...y por supuesto música, hace poco he descubierto una bitácora muy refrescante: "Canciones de buen rollo", en ella, sus autoras reivindican el poder de la música en nuestro ánimo, y sentencian "Eres lo que escuchas". En realidad se trata de un recorrido ameno y bien narrado, por aquellos temas que por una u otra razón consiguen despertar en nosotros una emoción positiva. Este recomendable descubrimiento me trajo a la mente un optimista y brillante tema que podría encajar perfectamente en el espíritu del buenrollismo, así que, como nuestros blogs tienen planteamientos y contenidos distintos, y siempre he creído que en el mundo blogger, no hay competencia, si no más bien complementación, hoy os traigo una canción de buen rollo, indagando (como es mi costumbre) en los entresijos de su historia. Dedicado pues a Carol y a Isa, un clásico energético..."Got my mind set on you".

 Creo que muy poca gente no recordará este éxito de ventas del ex-Beatle George Harrison de finales de los 80, pero también es verdad que la mayoría ha olvidado que en realidad se trata de una versión de un tema cuyo single pasó casi desapercibido durante 1962. Lo cierto es que George Harrison era un apasionado buscador de singles, ya os conté cómo encontró en la tienda de discos de Brian Epstein, el original de Barrett Strong, "Money (That's What I Want)", fue allí mismo donde dio con el single original de "Got my mind set on you", tanto le gustó que durante las primeras grabaciones de la banda de Liverpool, en las que combinaban temas propios con versiones de otros artistas, Harrison intentó convencer a sus colegas de grabar el tema, por supuesto nunca consiguió convencerles. A finales de los 60, en pleno proceso de desintegración de la banda británica, Harrison se había convertido ya en un compositor y productor competente, su último LP "Let It Be " (Apple Records, 1970) se grabó en medio de un clima de tensión, resentimiento e individualismo, en el que cada uno ya estaba inmerso en distintos proyectos personales. Tras la disolución de the Beatles,  George saca al mercado "All things must pass", el primer álbum triple de la historia musical, en él, aparte de ciertas composiciones ex-profeso, se recoge el material que Harrison compuso para la banda y fue rechazado por Lennon y McCartney. El disco fue alabado por la crítica y respaldado por el público, gracias a temas como "If not for you", "What is life", y sobre todo "My Sweet Lord"...



Tras el asesinato de Lennon en 1980, sumido en una cierta melancolía, y desilusionado por el fracaso de su último disco "Gone Troppo" (Dark Horse/Warner Bros. 1982), Harrison decide retirarse de los escenarios y los estudios de grabación para dedicar su tiempo a otros proyectos personales. El retiro se alarga durante cinco años, pero el artista decide regresar al mundo musical, con cierto miedo al olvido del público, e intentando renovar su sonido, alejándose de sus anteriores trabajos, mas trascendentales y con influencias místicas. George recupera aquel viejo single que encontró en "North East Music Stores" en 1962. Quiere regresar con un tema impactante, pop, fresco, de ritmo simple y pegadizo. Para conseguir el efecto deseado recurre a su viejo amigo Jeff Lynne (E.L.O), que hará la producción del tema (para el resto del LP, recurre a otros grandes como Eric Clapton, Elton John o Ringo Starr). El optimista "Got my mind set on you" se aleja diametralmente de los temas introspectivos y sociales de los anteriores trabajos de Harrison, a pesar de que muchos de sus fans le tacharon de haberse vendido a lo comercial, y que algunos críticos musicales le acusaron de utilizar una fórmula facilona, para paliar la falta de ideas, el tema fue un autentico éxito de ventas en 1987, y durante el proceso de grabación del disco, Jeff Lyne  dio con el sonido y la idea que estaba buscando, que quedaría plasmado en la mayor superbanda de la historia, "The Traveling Wilburys". Harrison hizo frente a las criticas, defendiendo su giro hacia el pop, convenciendo con el argumento de la calidad, y recordando al público que su origen como músico nace del Pop y el Rock más convencional.



 Ahora regresamos a 1961, año en el que un ex cartero de Nueva York, llamado Rudy Clark, se había convertido uno de los compositores mas activos del momento. Se dice que fue el quien descubrió a el cantante afroamericano James Ray, cuando aún se hacía llamar Little Jimmy Ray, éste se ganaba la vida (mal) cantando en bares, había grabado un sencillo ("Make Her Mine") en 1959, que se fue un fracaso y acabó dejando al pobre de Ray arruinado y viviendo en una azotea. Clark convenció a los de Caprice Records para que ficharan al muchacho, le compró algo de ropa, le alquiló un apartamento, y le compuso su primer single, "If you gotta make a fool of somebody", un primer y prometedor éxito que dos años mas tarde llevarían a lo mas alto los británicos Freddie and the Dreamers. Tras componerle un par de temas más, llegó "Got my mind set on you", un dinámico tema, que no funcionó muy bien en el mercado. Con la irrupción de los grupos británicos en el mercado americano, James Ray fue olvidado, para morir de sobredosis en 1964. Una triste historia, un brillante tema, un Beatle, un gran éxito...una canción de buen rollo, hasta la próxima!

Versión original: "Money (That's what i want)"

Debo reconocer que descubrí "With the Beatles"(Parlophone, 1963) bastante mas tarde que buena parte de la discografía de los cuatro de Liverpool, quizás por que no se encontraba entre la maravillosa colección de vinilos de mi padre. Eran otros tiempos, evidentemente no existía Internet, y las tiendas de discos que conocía estaban mas por el pop y rock contemporáneo, por lo que durante mucho tiempo pensé que tras el mítico pistoletazo de "Please Please Me" (1963), venía "A Hard Day's Night" (1964), para mí tenía lógica, estos chicos triunfaron tanto que enseguida hicieron otro disco y una peli, lo que entonces no sabía es que "A Hard Day's Night" fue el primer álbum con todos sus temas compuestos por la banda, atrás dejaban las versiones... Pero algo no encajaba, yo recordaba haber escuchado "All My Loving", "Please Mister Postman", y no los ubicaba. Debo decir que tendría unos 15 o 16 años, y mis colegas de entonces no compartían mis intereses musicales, así que decidido a buscar respuestas dí con una de aquellas extraordinarias tiendas de vinilos, que exponían toda clase de maravillas en cajas de madera, clasificadas por estilos, fechas y años (...Totó, ya no estamos en Kansas!), un verdadero paraíso, que por desgracia dejaron de existir al igual que los recreativos de toda la vida...Bueno, que me pierdo en batallitas, en aquel comercio con aroma a añejo y cartón húmedo encontré la respuesta, amablemente asesorado por el gruñido del dependiente, dí con lo que buscaba, un ejemplar de "With the Beatles" un tanto estropeado, y esa mítica portada!, una joya (mis manos temblaban) que al final de su cara "B" me descubría una de las versiones que solían hacer los Fab four que mas me han gustado de toda su trayectoria..."Money (That's What I Want)"...

 Al parecer fue en la tienda de Brian Epstein "North East Music Stores" (NEMS) en la calle Great Charlotte, donde George Harrison descubrió la versión original del tema, la habían incorporado a su repertorio en directo desde 1962, incluso la interpretaron en las famosa audición para Decca Records. La banda decidió incluirla, junto a otras versiones, en su segundo disco para completar las ocho composiciones de la banda. "With the Beatles" se grababa tan sólo cuatro meses después de publicarse "Please Please Me", y para cerrar el disco eligieron un clásico del sello Motown, en tan solo siete tomas el tema estaba listo, pero el productor George Martin decidió superponer diversas tomas a piano, lo que dotaba al tema de un toque especialmente Soul. El tema tuvo un moderado éxito, sobre todo por que unos meses después "A Hard Day's Night" desbancaría totalmente de las listas el anterior trabajo de la banda británica. Aun así "Money..." con el tiempo se ha ido consolidando como el gran tema que es, y es uno de los imprescindibles a la hora de citar la primera época de los Beatles, un temazo lo mires como lo mires...



Lo cierto es que no hay mucho misterio a la hora de encontrar la versión original de este famoso tema (todo un estándar tanto del Rock, como del Rhythm and blues), aunque sí una curiosa "coincidencia" por la que la mayoría de los expertos pasan como "de puntillas". Para encontrar el origen de nuestra canción de hoy, retrocedemos hasta finales de 1958. Nos encontramos en Detroit, donde comenzaba a sonar fuerte el nombre de un compositor y productor musical llamado Berry Gordy, gracias a los éxitos conseguidos por sus composiciones para The Matadors, Etta James y sobre todo, Jackie Wilson, con su "Reet Petite", habían tocado la cima. El popular tema de Wilson había sido compuesto junto a su hermana Gwen, fundadora del sello Anna Recods, pero por aquella época, Berry solía compartir créditos con otra compositora, Janie Bradford. Junto a ella escribió gran parte del primer trabajo de Wilson, y juntos también escribieron "Money", un tema que a Berry Gordy, gran visionario y creador de hits, le pareció un vehículo perfecto para lanzar una nueva estrella. El elegido para interpretarlo fue un joven llamado Barrett Strong, al que Gordy descubrió cantando en el coro de una iglesia. Una vez concluida la grabación y los arreglos, el single fue lanzado bajo el sello Anna Records, el furor que causó aquel lanzamiento fue tal, que un sello tan pequeño como el de las hermanas Anna y Gwen Gordy, no pudo hacer frente al aluvión de pedidos, colapsados por el éxito, Berry Gordy decidió relanzar el single bajo su recién creado nuevo sello TAMLA Records, convirtiéndose así en el primer gran éxito del que sería el sello que revolucionaría la música de los 60, la Motown.



"Money (That's What I Want)" fue todo un fenómeno musical, marcando el inicio oficial de la TAMLA, y llegando en apenas unos meses al número 2 del US Rhythm and Blues chart, y al 23 de la lista pop en 1960. El perfecto fraseo de Barrett, el ritmo frenético y la magnífica interpretación, colocó al tema en lo mas alto, sin embargo la carrera de su interprete acabaría derivando hacia la composición, convirtiéndose en uno de los letristas fijos del sello Motown, suyos son, por ejemplo: "I Heard It Through the Grapevine" para Marvin Gaye,  ó "Ball of Confusion" y "Papa Was a Rollin' Stone" para the Temptations...
 Sin embargo, y aqui viene la curiosidad, muy pocas veces se nombra a John Lee Hooker como posible autor del tema, en algunos foros se cita al bluesman como autor de un tema con una letra similar, y en efecto así es. Durante la segunda mitad de la década de los 50, el bluesman del Mississippi, solía interpretar una composición propia (y así aparece acreditado en todas sus recopilaciones) llamada "I Need Some Money", las coincidencias son notorias y fácilmente reconocibles, sin embargo el ritmo y la cadencia de blues del Delta la distancia completamente de la canción de Strong. Lo cierto es que no hubo ningún tipo de litigio sobre el tema, muchos de los temas de Hooker (grabados y guardados en distintos archivos de discográficas) tardaron años en ver la luz, y además al bluesman le daban igual estos asuntos, en alguna ocasión declaró que estaba demasiado acostumbrado (y en el fondo le enorgullecía) a que los nuevos artistas se basaran en sus canciones o en algunos de sus riffs para nuevas creaciones. En mi opinión, el tema de Hooker sirvió a Gordy como una buena base sobre la que creó una canción totalmente nueva....quizás debió haber mencionado al bluesman en los créditos, pero lo cierto es que en aquel momento, el blues no estaba considerado comercial y el nombre de Hooker podía haber frenado la difusión del tema en algunos medios. En cualquier caso, sólo es mi opinión, os dejo con el bueno de John Lee... y juzgad vosotros mismos...

Versión Original: "A taste of Honey"

Algunos temas forman irremediablemente parte de nuestra banda sonora particular, se mantienen arraigados en el fondo de nuestra memoria de una manera mucho más profunda de aquellos que nos suenan o reconocemos, son parte de nuestra infancia, o nos acompañaron en un momento determinado. En mi caso en particular, he de decir, que entre los discos que mi padre coleccionaba cuando yo era pequeño, todo el "Please, please me" de the Beatles ( una de las primeras ediciones originales para España) está especialmente grabado a fuego en mi cortex musical, todos sus temas los considero propios, en especial las baladas, este que os traigo hoy lo he escuchado en multitud de ocasiones por muchos artistas, así que vamos a buscar su origen...

Como todo el mundo sabe "Please, please me" fue el primer álbum de estudio de los cuatro de Liverpool, fue grabado en una sesión maratoniana de 585 minutos, un 11 de febrero de 1963, el album incluía los singles que les habían abierto la puerta de la popularidad, como "Please please me" o "Love me do", pero en 1963, los discos británicos de doce pulgadas acostumbraban a tener siete temas por cada cara (a diferencia de los americanos que albergaban cinco o, como mucho, seis), así que tiraron mano de el repertorio que la banda solía interpretar en directo. La sesión de grabación comenzó con "There's a Place", seguido (10 tomas más tarde) de "I Saw Her Standing There", con las nueve tomas que costó la grabación llegaron al mediodía. El equipo técnico se retiró para el almuerzo, y a George Martin se le ocurrió que, mientras tanto, perfeccionaran un tema que solían tocar en los clubes de Hamburgo, y que en ese momento estaba obteniendo un relativo éxito en manos de el clarinetista Bernard Stanley "Acker" Bilk" (6 en el UK Singles Chart.), "A Taste of Honey" sería interpretada por Paul McCartney, y en esta grabación se utilizaría por primera vez la grabación a dos pistas, para "doblar" la voz de Paul. La elección de este tema (un tanto arriesgada a priori) resultó todo un acierto, en su nueva versión a dos tempos y una brillante utilización de los coros, "A Taste of Honey" cobró una nueva dimensión. El éxito del disco fue irremediable e indiscutible, el resto, historia...pero sigamos indagando en el origen de esta canción...



 El tema en el que los Beatles se apoyaron para hacer su "A Taste..." fue la primera versión vocal que se hizo de esta romántica melodía, el intérprete que la hizo popular era un artista de color, de estilo suave, especialista en baladas edulcoradas con remilgados coros femeninos. Nacido en Nueva York, Leon "Lenny" Welch en 1938 tuvo una carrera, mas bien discreta, entre 1962 y 1967, con algun que otro single bien colocado en las listas. Su mayor éxito lo obtuvo con el tema que daba nombre a su album de de debut "Since I Fell for You," (Cadence Records, 1963), un single basado en un popular tema, típico del repertorio de las Big Bands, que le había dado a conocer un año antes, llegando incluso al 4 en el Billboard USA. Entre la recopilación de singles que componían este primer Lp, se encontraba "A Taste of Honey", con (posiblemente) letra de Lee Morris. Aunque el single no lograría entrar en las listas, gozó de buenas críticas y una aceptación bastante aceptable, sobre todo, por que estaba basado en una melodía ganadora de un Grammy...



...Y así llegamos al comienzo de todo, a 1960, momento en el que se prepara la adaptación para Broadway de una exitosa pieza teatral británica de 1958 llamada (evidentemente) A Taste of Honey. La creación del tema de obertura y cierre de la obra corrió a cargo de los compositores Bobby Scott y Ric Marlow, esta pieza musical logró el Grammy en su edición de 1963, tras ser utilizada en la película del mismo nombre que se estrenó en 1961 y dirigida por Tony Richardson. Estas originales grabaciones aparecieron en un álbum publicado por Atlantic Recods en 1960, donde se recopilaba el material compuesto por Scott para el musical de Broadway. Lo curioso es que "A Taste of Honey" volvería a triunfar en los premios Grammy unos cuantos años mas tarde. Fue en 1965, cuando Herb Alpert & the Tijuana Brass hicieran la versión instrumental más popular de este tema, incluido en su álbum "Whipped Cream & Other Delights", la canción se mantuvo (en las listas de música ligera) numero 1, durante cinco semanas consecutivas, llegando al 7 del Billboard hot 100, para finalmente ganar tres premios Grammy, incluyendo el de disco del año en 1966...Como no es fácil encontrar la original de Bobby Scott (y además esta me gusta mucho mas) os dejo con la del trompetista californiano más famoso de la historia...y no privaros de "un toque de miel"...

Versión Original: "I will follow him"

Fue precisamente en abril, pero de 1963, que una quinceañera de Pennsylvania llamada Margaret Annemarie Battavio, llegaba al número uno de las listas de éxitos en los Estados Unidos con su segundo single con RCA, "I will follow him" (el primero, "Little Me" fue un año antes, y pasó bastante desapercibido). Más conocida como Little Peggy March, se convirtió en la artista femenina más joven de la historia en entrar y lograr un top ten de la prestigiosa lista Billboard. La canción se mantuvo durante 3 semanas en lo más alto, su popularidad da la vuelta al mundo y consigue dominar las listas de Australia, Japón, Nueva Zelanda y Escandinavia, en casi toda Europa se coloca entre las 10 primeras.

"I will follow him" fue un tema precursor en el sonido "girl groups" de aquellos primeros 60, la trancisión entre los grupos de chicas con influencias del Doowop, el Rithm&Blues o el Soul, hacia un terreno mas abierto, hacia el Pop. Sin embargo, a pesar del tremendo éxito de la canción, la carrera de la pequeña Peggy no funcionó como se esperaba. La razón principal fue el ansia desmedida de quienes dirigían su carrera y querían explotar rápidamente aquel filón, así que eligieron demasiado apresuradamente una serie de singles que sólo consiguieron que la joven cayera en el olvido musical. Sin embargo, fue su popularidad en Europa lo que la mantuvo a flote, y consiguió salvar su carrera en Alemania, donde logró cotas de popularidad realmente notables...Ya que estamos en Europa vamos a retroceder un poco más en el tiempo, en busca del origen de esta canción tan popular...



Y es que este tema ya había logrado el número uno de las listas un año antes, pero las de Francia. La interprete que logró este hit no era francesa, en realidad había nacido en Surrey (Inglaterra) en 1932. Petula Sally Olwen Clark había tenido una exitosa carrera como cantante y actriz infantil para la BBC (tanto en radio como en televisión), durante la década de los 50 fue forjándose una sólida carrera musical en las islas británicas, hasta que, en 1958 fue invitada a cantar en el Olympia de París, donde, a pesar de su miedo a no gustar al público francés y arrastrar un tremendo resfriado, consiguió un tremendo éxito. Al día siguiente le ponían sobre la mesa un contrato de grabación con Vogue, sus dudas se disiparon en cuanto conoció a uno de los publicistas de la compañía, Claude Wolff, del que se enamoró nada más verle. Así que se quedó en Francia hasta que consiguió cazar al muchacho, con el que se casó en 1961.



Mientras tanto conseguía gran popularidad en toda Europa, sale de gira con Sacha Distel, graba varios singles de éxito ("Sailor", "Romeo", "Ya-ya twist"...) , en inglés, francés, español... Hasta 1962 cuando le ofrecen grabar "Chariot", un tema instrumental escrito por Franck Pourcel (usando el seudónimo J.W. Stole) y Paul Mauriat (Del Roma), al que Jacques Plante había puesto letra (en francés). El éxito vino rodado, número 1 en Francia y 8º en Bélgica, proporcionando a Petula Clark su primer disco de oro. Un año más tarde ella misma también lanzaría al mercado su versión en inglés, aunque no obtuvo mucha repercusión, sobre todo por que la de Peggy March arrasaría con toda competencia.

 Y así llegamos a la primera vez que se grabó el tema, fue también en 1961, era un instrumental que formaba parte del LP ".. Amour, danza, Et Violons N º 17", interpretado por su creador, el compositor, director de orquesta y magnífico arreglista Franck Marius Pourcel, que (como ya he dicho) había escrito el tema junto a su colega, y también director de orquesta Paul Mauriat, los arreglos fueron acreditados a Raymond Lefèvre. Aunque todo esto es anecdótico, y queda como curiosidad ante el tremendo éxito que "I will follow him" tuvo en todo el mundo, una canción que ha sido interpretada por cientos de artistas en decenas de idiomas, y que posiblemente, los mas jóvenes, la recuerde de alguna película, interpretada por un coro de simpáticas monjitas...Un saludo, y hasta pronto amigos!

Versión Original: "My Way"

Posiblemente, si nos ponemos a sacar cuentas, este es sin lugar a dudas, uno de los temas mas versionados de la história, y posiblemente se encuentre entre los tres o cuatro que, si preguntamos a cualquiera, pueda recordar de los grandes éxitos del grande entre los grandes, Francis Albert Sinatra, mas conocido como "La Voz". A mi particularmente siempre me gustó mucho la versión de la ecléctica Nina Simone, pero para la mayoría del publico "My Way" es, y será siempre de Sinatra, su gran clase y estilo, su perfecto fraseo, sus medidas pausas y la genial interpretación, recreándose en el personaje, que hace el crooner por excelencia, convirtieron este tema en inmortal, asociándose desde ese 1969, a Frank de manera eterna (a pesar de no haber conseguido gran éxito en su momento), y consiguiendo que cada vez que oigamos cualquiera de las miles de versiones que existen del tema, nos venga a la memoria la imagen del chico de ojos azules que conquistó el mundo con su poderosa voz...



Pero, a pesar de que "My Way" sea una de las canciones por las que Sinatra sea recordado por la gran mayoría, ni es suya, ni fue el primero en interpretarla. Si bien con el tiempo, este clásico de clásicos, fue subiendo en popularidad hasta niveles impensables (por ejemplo, cuando el gobierno de Mijaíl Gorbachov hablaba sobre su política de no-intervencionismo en los asuntos internos de los demás países firmantes del Pacto de Varsovia, bromeando y haciendo alusión a que lo hacían "a su manera", autodefinián su postura como "Doctrina Sinatra"), el mérito de la letra se debe a otro grande de la música norteamericana, el compositor e ídolo del pop canadiense Paul Anka ("Diana", "Put Your Head on My Shoulder"...). La canción había llamado la atención del artista de Ottawa, la había escuchado a algún cantante en una emisora francófona canadiense, y le había gustado aquella melodía "in crescendo", así que con la ayuda de su amigo Fred Brott, decidió reescribirla para el público norteamericano, obviando la letra original y reinventando la historia para hablar de un hombre de avanzada edad, que echando la vista atrás, repasa su vida, para concluir con orgullo y optimismo, que siempre vivió a su manera. Mantuvieron, eso sí, la melodía original, pero el tema no llegó a alcanzar mucha popularidad mas allá de Quebeq, lugar donde por cierto, también logró popularidad su versión original...



El tema original tenía una temática un tanto distinta, hablaba de la cotidianeidad, de lo repetitivo de la vida, de como lo habitual estropea una pareja, en definitiva hablaba de hacer las cosas "como de costumbre", y ese fue su título "Comme d'habitude", una canción que, por cosas del destino, antes de cantarse en francés, se escribió en inglés (idioma en la que fue universal mas tarde). El tema en cuestión fue compuesto en un principio por Jacques Revaux en 1967, con letra en inglés y con el título de "For me", pero no gustó a ninguno de los artistas a los que se la ofrecieron, en especial Michel Sardou, finalmente Hervé Vilard ("Capri c'est fini") accedió a grabarla. Pero Revaux no estaba satisfecho con el resultado y convenció a Claude François para que grabara él el tema. Claude aceptó, pero pidió ciertos cambios, debía ser en su lengua patria, y la letra debía hablar sobre la tensión en una pareja al borde de la ruptura (en realidad quería hablar sobre su relación con France Gall). Con el consentimiento de Revaux, y una valiosa aportación en el nuevo texto a cargo de Gilles Thibaut la canción se convirtió en "Comme d'habitude", y salió al mercado en 1968.



Como remate final, quiero contaros que son muchos los que se atribuyen la primera versión en castellano de este tema. "A mi manera", que es también un himno en la voz del cantante de Linares, Raphael, fue grabada por primera vez en español en 1970, en el debut en solitario de la argentina Estela Raval, cantante de los Cinco Latinos, aunque por entonces se llamó "A mi modo". En cualquier caso un tema universal que podemos disfrutar en miles de versiones y decenas de idiomas, una suerte para los amantes de la buena música en general, yo os dejo con mi preferida, vosotros elegís la vuestra...hasta pronto!

Versión Original: "Tell Him"

Hoy me encuentro nostálgico y yeyé, así que me apetece recordar un estupendo tema, muy popular en los años 60, y de paso recordar su origen, reivindicando un poco la (casi olvidada) versión original, a su interprete, y por supuesto a su autor, gran compositor y productor, artífice de notables éxitos de la música pop de aquella década, una brillante carrera truncada prematuramente que nos dejó sin poder disfrutar del talento de unos de los pioneros del Rock, el Pop y el Soul...Bert Berns.

Bertrand Russell Berns (Nueva York 1929-1967) era hijo de emigrantes rusos judíos. Se crió en el multicultural barrio del Bronx, desde muy joven, escuchando el rithm and blues y ritmos latinos de sus vecinos se despertó en él una gran pasión por la música. Pronto comenzó a tocar en clubes de música latina, hasta que decidió irse a aprender de los maestros, así que marchó para La Habana, antes de la revolución, a tocar en los clubes de la capital cubana. A principios de los 60 regresa a Nueva York, donde es contratado como compositor en el Brill Building, emblemático edificio de oficinas situado en el 1619 de Broadway, donde fueron a caer las principales editoras musicales de la ciudad, y con ellas los mejores talentos de la zona, dando incluso lugar a una denominación del sonido creado por aquellos artistas, el "Brill Building Sound". Paradigma del sonido comercial, eslabón perdido entre el Rock de los 50 y el pop de los 60, que condensaba en poco menos de dos minutos el buen hacer de genios como Carole King y Gerry Goffin, Pomus y Shuman, Leiber y Stoller, Boycey Hart, Bacharach y David, Neil Sedaka, Ellie Greenwich o Barry Mann...

Bueno, pero vayamos al tema, que me pierdo en los detalles. Durante aquellos años Bert Berns escribió y produjo un gran número de éxitos para distintos sellos y artistas, en sus producciones siempre se puede apreciar la influencia del Gospel o la música latina, ya sea en instrumentación o arreglos, incluso intentó una carrera como solista bajo el nombre de Russel Byrd. Falleció de un fallo cardiaco a los 38 años, secuela de unas terribles fiebres reumáticas que padeció de pequeño, entre su legado se encuentran clasicazos como "Twist And Shout", "Under The Boardwalk", "Here Comes the Night", "Brown Eyed Girl", "Piece Of My Heart", "Everybody Needs Somebody To Love" y por supuesto nuestro tema de hoy "Tell him".

En nuestro país y en América Latina el tema fue muy popular en la voz del argentino (aunque nacionalizado Español) Luis Aguilé, personaje de gran popularidad, famoso por sus coloridas corbatas y su particular dicción afrancesada, que tuvo uno de sus grandes hits en 1963 con una versión llamada "Dile", que es considerada como una de las primeras "canciones del verano". En Francia también alcanzó el numero 1 de las listas con la voz de Claude François, "Dis-lui". Como ambos temas son muy populares, os dejo una curiosa versión, no tan conocida y algo sorprendente, a cargo del gran artista cubano Antonio Machín...



Pero los que si tuvieron gran éxito en todo el mundo, y son recordados como los interpretes originales, fueron un grupo formado por tres amigas de un colegio de Queens, que solían actuar en fiestas univesitarias aprovechando el tirón de los grupos de chicas de color en plena transición entre el Rhythm & Blues y el Soul. El punto distintivo lo lograron haciendo algo inusual en un grupo femenino, decidieron añadir al bajista Herb Rooney y así pasar a ser un cuarteto, en el que el líder no era precisamente la voz masculina. Todo un acierto, así y con los arreglos de éste, el grupo (antes conocido como "The Masterettes") consiguen una mayor solidez, llamando la atención de los productores Jerry Leiber y Mike Stoller, que los rebautizan como "The Exciters". Entre los temas elegidos para el grupo "reconstruyen" un tema de Berns, que rebautizan como "Tell Him", con el que llegan al numero 1 en el Bilboard americano y una gran repercusión en otros países como el Reino Unido, Francia o Australia. Pese a la potente voz de Brenda Reid, y a grabar posteriormente algunos singles de calidad, el grupo no tuvo mucha más repercusión, aunque abrieron un nuevo camino en los grupos femeninos vocales de los 60.



Como decía antes "Tell Him" (díle a el), no fue en nombre original de la canción, ni por supuesto, la primera vez que se grababa. Un poco antes el compositor y cantante de Tennessee, Ed Townsend hacía su versión del "Tell Her" (díle a ella), que era el título original de la composición de Berns, que no tuvo demasiada repercusión. Algo más tuvo, ahora sí, la versión original del tema, fue grabada en 1962 por un cantante de R&B y Pop, de Leesburg (Florida), cuyo unico éxito llegaría un año despues con "Loop De Loop". Johnny Thunder, nacido Gil Hamilton, no consiguió el exito que los de Capitol esperaban con la producción de Bert Berns "Tell Her", a pesar de la notable interpretación del artista y los arreglos del productor, el tema pasó inadvertido y practicamente olvidado cuando The Exciters lo hicieran tremendamente popular. Pero hoy recuperamos, y reivindicamos también, esta otra versión, la original, y de paso hacemos un pequeño homenaje a uno de los compositores clave de la historia de la música pop, un saludo y disfrutad del tema, sea cual sea la versión que más os guste...