The Who "Your Generation"

Volvemos a los grandes retos, de nuevo vamos a intentar recoger en unos pocos párrafos la trayectoria de uno de los grandes grupos del pasado siglo XX, como sabéis, es muy difícil condensar en un post toda una carrera musical, con sus altibajos, anécdotas, matices...además intentando no parecer una simple entrada de enciclopedia, así que como siempre intento, os daré las pinceladas biográficas necesarias, una pizca de anécdotas y curiosidades, un pequeño análisis aquí y allá, un repasito a sus discos (sin entrar en demasiados detalles, que para eso hay otras páginas en las que se analizan disco a disco), todo ello desde mi personal punto de vista, que para eso es mi blog, jeje. Debo decir que es una tarea auto impuesta, desde que comencé con este blog he descubierto que investigando a ciertos artistas, indagando en su vida, motivaciones, personalidad... he llegado a redescubrilos y disfrutarlos de otra manera, bandas que tenían un interés menor, ahora son de mis preferidas gracias a elaborar un post, repasando sus discos descubro nuevos matices que me emocionan, así que como nunca he llagado a conectar 100% con nuestros invitados de hoy, les invito a Grafistantaneas, a ver si así llegamos a ser mejores amigos, comencemos...



 Es difícil etiquetar una banda como The Who, paradigma del mod y el hard rock, estrellas de la psicodelia, pioneros de la opera-rock conceptual, cantradictorios, brillantes, intensos... The Who evolucionó durante años gracias a un talento, capacidad creativa e intensidad instrumental únicas, debido a una peculiar conjunción de talentos, encabezada por uno de los mejores, y mas personales, guitarristas y compositores de todos los tiempos, Pete Towshend. Fue mientras asistía a la escuela de secundaria de Shepherds Bush, en el distrito londinense oeste de Hammersmith y Fulham, cuando Towshend conoció a John Entwistle, ambos compartían las mismas inquietudes y pronto se unieron a una banda de hot-jazz (The Confederates) tocando el banjo y el corno francés respectivamente, pero el sonido dixieland sólo era un divertimento, en realidad a la pareja lo que le gustaba era el Rock. Comenzando la década de los 60 ya habían formado un pequeño grupo de Rock, pero el destino quiso que Entwistle se cruzara a un joven estudiante de arte con su guitarra bajo el brazo, entablaron amistad, y Roger Daltrey (que así se llamaba el muchacho) pidió a John que se uniera a su banda, the Detours, y así lo hizo, dejando temporalmente abandonado a su colega de siempre. Tenían un repertorio de versiones basados en temas Rock, Blues y Country, pero pronto vieron que les faltaba un punto de creatividad, así que Entwistle propuso la incorporación de su amigo a la banda, con Towshend como guitarra rítmica, evolucionaron vertiginosamente hacia el Rhythm and Blues y al Pop-rock. A principios de 1963, el vocalista de la banda, Colin Dawson, decide abandonar, es sustituído brevemente por otro cantante llamado Gabby, pero debido a un accidente laboral, Daltrey (que trabajaba en la industria metalúrgica) se lesiona, y pasa así a convertirse en el vocalista principal, dejando a Towshend sólo ante la guitarra (algo muy raro en los grupos ingleses de aquella época), apoyado por Entwistle al bajo y Doug Sandom a las baquetas.



Decididos a conseguir un contrato discográfico llamaron a cientos de puertas, en todas las ocasiones la respuesta fue la misma, debían buscar un batería más capacitado y completar su repertorio con temas propios, al igual que estaban empezando a hacer otras bandas como the Beatles o Rolling Stones. Hacia 1964, Sandom se casa y abandona la banda, para cubrir su puesto en los bolos contratados, el grupo se ve obligado a fichar a distintos baterías de sesión, en una de aquellas actuaciones, un muchacho inquieto e hiperactivo llamado Keith Moon, pidió el puesto, alegando que la música era lo único capaz de centrar su atención (venía de tocar con un combo de surf-rock llamado los Beachcombers), en la prueba, accidentalmente, ya se cargó el bombo, tras sentarse y tocar frenéticamente, pasándose por el forro los ritmos básicos, el puesto fue suyo. Bueno, pues ya tenemos la banda formada, el repertorio de aquel momento contenía temas de Smokey Robinson, James Brown, Booker T., Eddie Cochran...y consigue un hueco fijo en el histórico Marquee Club de Londres, aún moviéndose a nivel local el trabajo era intenso, y consiguieron ganarse el respeto del público londinense, y atraer la atención del mánager y promotor Pete Meaden. En febrero de ese mismo año, the Detours habían cambiado su nombre por el de the Who, pero Meaden decidió rebautizarlos como "The High Numbers", cambiándoles el vestuario por trajes a medida, intentando atraer al público mod, rebeldes de clase media, obsesionados con el buen vestir, las drogas de diseño y la cultura Rhythm and Blues norteamericana. Tras el fracaso de su primer doble sencillo "Zoot Suit/I'm the Face", la banda decide deshacerse de Meadem... Un apunte, "Zoot Suit", y "I'm the Face" fueron dos plagios del mánager descarados y sin pudor, la primera es un calco de "Misery" del grupo Doowop The Dinamics, mientras que la cara B, se basaba en "Got Love If You Want It", del cantante de blues Slim Harpo, no se, quizás pensaba que nadie se daría cuenta, el caso es que aunque no funcionó, hoy es un single muy buscado (gracias en parte a que aparecieron en la BSO de la película de 1979, "Quadrophenia") y, paradógicamente, "Zoot Suit" se sigue acreditando a the Who.

Fue precisamente en esa época, durante una actuación actuación en el Raiway Hotel, cuando Townshend  rompió su guitarra por primera vez, ocurrió por accidente, el espacio era muy reducido, y la tarima del escenario demasiado alta, lo que llevó al guitarrista a romper accidentalmente el mástil de su instrumento contra el techo. Frustrado por el accidente, la golpeó una y otra vez contra el suelo, mientras el público enloquecía ante aquel espectáculo. Terminó el show con una Rickenbacker recién comprada, pero quiso la casualidad que allí se encontraran dos incipientes empresarios musicales, que habían fracasado previamente como directores de cine, Kit Lambert y Chris Stamp, que rápidamente se ofrecieron a representar al grupo. Deseosos de dejar su impronta en la historia de la música, los mánagers recuperan el nombre de The Who, diseñan la famosa camiseta con el logo y recuperan un sonido basado enteramente en Soul y Rhythm and Blues que denominan "Maximum Rhythm and Blues". La fama de "rompe-instrumentos" de The Who se corre rápidamente por el mundillo, alimentada por ellos mismos que, aunque no era parte fija del show, Moon tiraba de vez en cuando parte de su batería, y Pete rompía alguna vieja guitarra, aquello se convirtió en una campaña de publicidad perfecta. Aquel incidente en la Railway Tavern, fue, según la revista "Rolling Stone": uno de los "50 Momentos que cambiaron la historia del Rock and Roll".



Liderados por la mente creativa de Towshend, la banda comienza a evolucionar, a finales de 1964 lanzan su primer sencillo "I can't explain", un tema deudor sin duda del "You really got me" de The Kinks, con un Daltrey visceral e inspirado, el sonido resultaba potente, duro, pero a la vez sensible e impactante. Lanzado en enero de 1965, no tuvo gran repercusión hasta que la banda lo interpretó en el show televisivo "Ready, Steady, Go!", sus ventas se dispararon de inmediato, seguido por el himno mod "Anyway, Anyhow, Anywhere" compuesto por Townshend y Daltrey. No conformes con Decca, y el trato que recibían sus primeros sencillos,  Lambert y Stamp forman su propio sello llamado Track Records, consiguiendo a Jimi Hendrix para su primer lanzamiento como sello. En Noviembre de 1965 The Who rompe las listas con su primer LP "The Who Sings My Generation ", toda una declaración de rebeldía juvenil, angustia existencial, tensión sexual y demencia (Towshend debía de tener muchos problemas en aquella época...y después ..) , algo de sonido beat, rock, Rhythm and blues...cuyo punto álgido se encuentra en el mayor himno de la cultura popular de los 60 de la historia, la visceral "My Generation", que es, junto a "The kids are alright", consideradas precursoras del incipiente Punk .


 Thowshen quiere llevar a la banda hacia terrenos más ambiciosos, experimentar con el pop conceptual, la psicodelia, mientras Entwistle y Daltrey prefieren acercarse más hacia el Rock duro, en cualquier caso todos están de acuerdo en que sus Lp's deben tener una línea argumental definida, y que no se van a atar a un estilo en particular, a partir de entonces comienzan a abandonar el sonido "Pure 60's" (que a mi tanto me gustaba, y por ello les perdí un tanto la pista). En 1966 sale al mercado “A Quick One” (“Happy Jack” en USA), un trabajo irregular cargado de contenido sexual, que incorpora un primer acercamiento a la Ópera Rock, un medley de nueve minutos llamado "A quick one, while he's away". En ese momento el mercado norteamericano ya les ha abierto las puertas de par en par, y con su gira por los USA, rompiendo instrumentos ante un enfervorizado público yankee, les coloca en la cima del éxito mundial. En 1967 simulan una emisión radiofónica, con jingles y publicidad incluida en su disco “The Who sell out”, le sigue "Magic Bus" (1968) y por fin "Tommy" (1969), un álbum doble, concebido como una Ópera Rock, en el que, aparte de las lisérgicas variaciones de Towshend, se deja ver la influencia que sobre el compositor, ejercían los pensamientos y dictados del gurú indio Meher Baba. El disco fue un éxito inmediato (aunque censurado por la cadena británica BBc, por tratar abiertamente temas como el abuso infantil) y muy sonado, que acabaría llevándose a la gran pantalla en 1975, con el propio Daltrey como protagonista y el resto de la banda en el reparto. El disco en realidad es un ciclo de canciones Rock, inmersas en un argumento, que se inspira claramente en tabajos de "The pretty things" (en especial su álbum mas conceptual "S.F. Sorrow (1968)"  y "Small Faces".



Tras el paso por el festival de Woodstock, las diferencias de opinión sobre el camino a seguir, hacen mella en la banda. Thowsen planeaba un proyecto en solitario, otra Ópera Rock continuación de "Tommy" cuyo título iba a ser "Lifehouse", había compuesto bastante material, su tema principal derivaba de las influencias filosóficas de Meher Baba y la influencias musicales de Terry Riley, "Baba O'Riley" combina una caótica intro de sintetizadores, un potente rock, y un violín, interpretado por Dave Arbus, que confiere al tema un particular aire folk. Evidentemente el disco de Towshend nunca salió, y sus temas formaron parte del quinto álbum de estudio de The Who, "Who's Next" (1971). En 1973 la banda vuelve a la carga con otro disco doble, otra Ópera Rock, quintaesencia del mod, el mítico “Quadrophenia”, un disco sobre la esquizofrenia y los problemas de una generación de adolescentes británicos, incapaces de encontrar su sitio en la sociedad. En 1979 también fue llevado al cine, aunque la música de el disco sólo sirvió como base argumental, en la película, dirigida por Franc Roddam, aparece una estrella musical del momento, el líder de The Police, Sting.

Hasta aquí mas o menos lo más representativo, en 1974, la banda comienza a disgregarse, Towshend está cansado de tocar y se refugia en el alcohol, el exceso le lleva a sufrir un colapso nervioso, por lo que sin su mente en condiciones “The Who By Numbers” (1975), acaba convertido en el disco menos inspirado y energético de la banda, además de ser el mas depresivo. En 1978 Keith Moon fallece por una sobredosis de pastillas, un medicamento que tomaba para controlar su alcoholismo. The Who fueron una figura clave en la "British Invasion" y en la evolución de la música en general, basando su sonido en la guitarra de Towshend, y en la improvisación escénica, la voz de Daltrey fue siempre el contrapunto que equilibraba el conjunto. Ya en sus inicios, las composiciones de Towshend fueron consideradas de lo mejor de su época, compitiendo con con Lennon y McCartney, y Jagger y Richards. Siempre tuvieron al público de su lado, y la crítica ni se atrevía ni supo contrariar, ni entendieron lo que hacían. Con un absoluto genio como el narizotas de  Towshend a la cabeza, capaz de hacerlo todo él solo, the Who se convirtieron en una banda que no se puede comparar con ninguna otra, ni de su época, ni de otra. Innovadores, capaces del pop mas liviano, el rock mas duro, riffs imposibles, sintetizadores de locura, Rock progresivo, arrogantes, juveniles, sesudos...incalificables e irrepetibles, vuelvo a decir que los tenía un tanto relegados, pero tras este post, The Who, sube bastantes enteros en mi ranking personal...imprescindibles.

Si Cranstoun "Jackie Wilson Said..."

"Sí, suena tan parecido a mi padre que da miedo!"
Bobby Brooks Hamilton (hijo de Jackie Wilson)

 Últimamente desde el Reino Unido nos van llegando ecos del resurgir de la música y la estética "retro", gente como Kitty, Daisy and Lewis o Imelda May han hecho de la música tradicional americana su meca particular, reinventandola y llevándola de nuevo a su público natural, los jóvenes rockeros, y consiguiendo sin embargo no decepcionar al purista de tupé canoso, conocedor experto y cansado de "experimentos musicales". Esta nueva hornada de talentos, a los que se han unido otros llegados de diversos puntos de Europa como los italo-eslovenos Devill Doll, los suizos The Hillbilly Moon Explosion, los franceses Ben L'Oncle Soul, o los españoles Sanford Alligator Band, un montón de bandas que, a pesar de sus diferencias, tienen un nexo de unión sólido, han recuperado el espíritu original de la música americana de los años 50 y 60, ya sea en su vertiente Country, Soul, Rythm and Blues, Rock... y le han dado un nuevo lustre, demostrando que lo "retro" también puede ser "cool". Y lo mejor de todo es que no es una pose, ni un producto impostado, todos ellos viven la música desde el más profundo respeto y amor a los clásicos, nuestro invitado de hoy pertenece a esta estirpe, un artista cuyo aspecto, al principio, puede confundir, pero en cuanto comienza a cantar te das cuenta de que en su alma anida el espíritu de los sonidos más clásicos, el vintage mas desenfadado, y a la hora de interpretar, un estilazo tremendo heredado de grandes estrellas como Otis Redding, Sam Cooke. Lou Rawls, Etta James,  Stevie Wonder, Nappy Brown y, sobre todo, Jackie Wilson....

Comparar a Si Cranstoun con Jackie Wilson puede ser un asunto muy delicado, por una parte, todo un honor ser comparado con una de las mas grandes y personales voces negras de todos los tiempos, pero por otra, puede que la propuesta del artista londinense acabe por no tomarse enserio, y lo que es peor, que en la comparación con el gran Wilson, Cranstoun, acabe perdiendo. Por el momento, y debido a la sencillez y sinceridad del trabajo de Cranstoun, nada esto ha pasado, y su música ha sido recibida con entusiasmo y cierta alegre nostalgia. A priori debo decir, que por el momento, el trabajo de Si Cranstoun, no va a cambiar el rumbo de la historia de música, no inventa nada nuevo, pero hay que ver, lo que nos hace disfrutar y el buen rollo que trasmite su música. Una divertida combinación de Soul, Ska, Calypso, Rock, Doowop, y mucho, mucho Jackie Wilson, cuyo resultado es un sonido refrescante que, inevitablemente, levanta sonrisas y hace menear las caderas mas anquilosadas...



 Pero Si Cranstoun no es un recién llegado, ya en el 2004 consiguió llegar hasta el puesto 21 de las listas británicas, junto a su hermano Tyber con "Kiss on the lips", el single de lanzamiento de lanzamiento de The Dualers, una banda que combina ska, reggae y soul, consiguiendo vender mas de 14.000 copias del single (no hay que olvidar que el padre de los muchachos fue un pionero promotor, que renovó el Ska en Inglaterra a mediados de los 60). En 2005 consolidan su prestigio de estrellas underground, con su segundo sencillo, "Truly madly deeply", que alcanzó el puesto 23, y posteriormente incluida en la banda sonora de "Como locos... a por el oro" (Andy Tennant, 2008). El interés creciente por la banda les llevó a grabar su primer álbum "The Melting Pot" (2006), consolidando a the Dualers como una de las bandas de referencia en la escena Ska Reggae. Pero en realidad, the Dualers, era el proyecto de su hermano, para Si Cranstoun sólo era un divertimento en el que colaborar y dar rienda suelta a su creatividad, ya que además de cantar, se dedicó a componer, tocar la guitarra y producir todos sus temas. Y es que el muchacho sabía lo que quería hacer con su vida desde los cuatro años, en una cena navideña, rodeado de familiares, a alguien le habían regalado un disco de Elvis Presley, y decidieron ponerlo, cuando sonó "Jailhouse Rock" , el pequeño Simón saltó al medio de la sala y comenzó a bailar y cantar con todas sus energías, todos se arrancaron a aplaudir y vitorear al muchacho... aquella sensación de felicidad y triunfo nuca se le olvidaría, y desde entonces dedicó todas sus energías en cultivar su mayor afición, la música, ya en el colegio descubrió un valor añadido, que a pesar de ser delgaducho, las chicas le sonreían después de verle sobre el escenario.

Y por fin en 2010 decide dar el salto en solitario, con "Dynamo", cara A de su primer doble sencillo, consigue captar poderosamente la atención de crítica y público, un optimista y dinámico tema, claro homenaje a Jackie Wilson y su particular estilo interpretativo, que nos remonta irremediablemente a la época dorada del Rock'n'Roll. En 2011, su primer Lp, “Alternative Floor Fillers” le lleva a los escenarios de medio mundo, desde Alemania  a Las Vegas, pasando por Madrid y Barcelona. Un excelente disco, con un contagioso groove, mucho Swing, Rock and Roll, toques Doowop, y sobre todo la portentosa y vibrante voz de Cranstoun, un trabajo grabado íntegramente en el garaje/estudio de su casa. Pero es en el escenario donde se entiende mejor la propuesta del artista londinense, a pesar de su aspecto de "artista latino" tipo Marc Anthony, trajeado, delgado, moreno y con  perilla, Si convierte su Show en un ejercicio retro de alto octanaje, marcando la diferencia con sus zapatos pulcramente pulidos, sus excéntricos sombreros y un gran sentido del humor. Su infeccioso ritmo, su cuidada puesta en escena,  escogido vestuario, contrabajo, trompeta, saxo... y sus bailes, sobre el escenario Cranstoun se deja poseer por el estilo de Gene Kelly, Elvis e incluso Sammy Davis, Jr. El disco se cierra con un excelente Doowop uptempo ("Happy Birthday") en el que demuestra que no sólo se deja influenciar por Wilson y Nappy Brown, un precioso tema, magníficamente interpretado que devuelve el lustre a un sonido añorado y venerado por muchos (entre los que me incluyo).



 Reclamado por los festivales mas prestigiosos de medio mundo, en la actualidad anda inmerso en la promoción de "Dancehalls and Supperclubs", su nuevo álbum  en el que da un paso evolutivo importante, sin dejar atrás su personal estilo. Un trabajo muy digno y emocionante, que incluye "Rise and Shine", un imponente tema pop de corte tradicional con influencia Soul setentero con el que está convenciendo a aquellos (pocos ya) reticentes que predecían que Cranstoun era un fenómeno pasajero, cuya única virtud era imitar a Jackie Wilson (no os perdáis este vídeo, en el que el homenaje pasa a ser una versión genial del "Reet Petite"). Lo curioso es que este nuevo disco ha sido compuesto y grabado en medio de un apretadísimo calendario de giras y actuaciones, combinando su carrera en solitario paralelamente a sus colaboraciones con the Dualers, lo que demuestra la gran capacidad y ganas del artista y su banda. En este nuevo trabajo encontramos vivaces temas rock, piano Boogie-Woogie, Soul rítmico al estilo Motown, baladas Doowop, boppin', e incluso Swing en italiano, sin embargo, y a pesar de la disparidad de estilos, el disco suena como una unidad muy coherente. Si Cranstoun, es ya una superestrella del "circuito alternativo", que desde el sur de Londres contagia, a todo el que lo escucha, su pasión por la música con ecos de antaño. Para mi ha sido toda una sensación descubrir un proyecto tan estimulante y sugerente, capaz de reconciliarme con el actual mercado musical, y además, hacernos bailar durante toda la noche sin perder la emoción. Si Cranstoun, un talento musical enorme, suena vintage, sexy, sugerente y muy vitalista. Un artista cuyo futuro, seguro que no seguiremos por los circuitos mas comerciales, pero aún así, no perderemos de vista.....Bailad y difrutadlo como se merece!

Canciones con historia: "La Bamba"

Tan sólo dos temas en español tienen el honor de encabezar la prestigiosa lista "Hot 100 Billboard", uno es (ejem) "Macarena" de Los del Rio, y la otra es "La Bamba" de Ritchie Valens, un artista que ostenta el triste privilegio de poseer una de las carreras musicales mas cortas de la historia, un fenómeno fugaz, que sólo duró ocho meses. Con tan sólo 17 años, Ritchie era una incipiente estrella, cuyos temas revolucionaban las listas de éxitos americanas, aquel febrero de 1959, compartía escenario y autobús, con las grandes estrellas del momento. La "Winter Dance Party", una gira por el medio oeste americano, venticuatro eventos en tres semanas, en los que actuaban (entre otros artistas locales) Waylon Jennings, Dion & The Belmonts, Buddy Holly, The Big Bopper Richardson y el propio Valens. En mitad de la gira, la calefacción del autobús que transportaba a los artistas dejo de funcionar, la organización del tour no tenía previsto un problema así, y tampoco consiguió encontrar a nadie que pudiera solucionarlo, así que tras la actuación en el 'Surf Ballroom' de Clear Lake, Iowa, Buddy Holly decide que está harto de aguantar las gélidas temperaturas locales y alquila una avioneta para tres pasajeros, con el fin de llegar rápidamente a un hotel y descansar en condiciones. Holly y Bopper, eran las grandes estrellas del show, así que una moneda decidió la "suerte" entre Jennings y Valens. Años después del trágico accidente Jennings admitiría que se había sentido culpable, ya que a modo de broma Holly le espetó "espero que tu autobús se estropee”, a lo que Waylon respondió “Pues entonces, que tu avión se estrelle”. Anécdotas aparte aquel trágico día, se perdería un montón de talento, uno de los músicos mas creativos e influyentes de la historia del Rock, y una las mayores promesas del mismo...

Ricardo Esteban Valenzuela Reyes, está considerado por muchos como el gran pionero del rock latino, gracias a él se abrieron las puertas a un montón de artistas como Chris Montez, Trini Lopez o Carlos Santana. Su corta trayectoria es de sobra conocida gracias al cine "La Bamba" (Luis Valdez, 1987) hizo que medio mundo conociera las canciones del cantautor y guitarrista de origen mexicano nacido en Estados Unidos, Ritchie Valens (gracias en parte a las grandes versiones de Los Lobos). Tal vez por eso, la mayoría de la gente pueda pensar que la verdadera "canción con historia" deba ser "Donna", la sencilla balada compuesta para Donna Ludwig, su novia (aunque realmente no hay pruebas reales de esta relación) del instituto. Lo que si está bastante claro es que Valens estaba enamorado de la chica, y que a finales de 1958 le dedicó esta bonita canción. Un tema que, por otra parte, sentaría las bases para futuras baladas románticas blanditas, lo cierto es que tuvo bastante éxito, llegando a alcanzar el puesto número 2 del Billboard Hot 100, eso si, un mes después del fallecimiento del artista. Aunque la historia pueda ser romántica (el rollo Romeo y Julieta, chicano y rubia americana, etc...) no tiene mucha mas miga que la que ya os he contado, así que vamos con "La bamba", un tema que en sí mismo es una lección de historia...



 En 1958, Bob Keane, propietario y presidente de Del-Fi Records (un pequeño sello de Hollywood), llegaría al Valle de San Fernando en busca de un nuevo talento, le habían llegado comentarios sobre un joven de 16 años, que junto a su grupo The Silhouettes, se estaban ganando un nombre en el circuito regional. Bob convenció al muchacho, y se lo llevó al estudio de grabación de su casa, en Silver Lake, de estas sesiones se saca el material que hay publicado de Ritchie, ya que su primer disco incluía "Come On, Let's Go" y "Framed", aunque grabó diversas pistas de otros temas en estudio que no se llegaron a publicar en vida del artista, ya que su segundo (y ultimo) disco de su vida sería el doble sencillo de "Donna" y "La Bamba". La elección de "La Bamba" no convencía mucho a Keane, aquel era un tema popular mexicano, un Son Jarocho (una especie de Fandango, combinado con versos, que se acompaña con una danza zapateada, propia de la cultura Jarocha, en el estado de Veracruz), aquel era un tema conocido en Mexico y, aunque había llegado ecos de aquella tonada a los USA, no era muy apropiada para el público juvenil americano (aún recuerdo los abucheos del público, en el pre-estreno de la película, cuando el acor que interpreta a Bob Kane, dice aquello de : "No se puede hacer Rock en español!") en el cine. Sin embargo, con los arreglos de Valens "La Bamba" se convirtió en un Rock and Roll, que convenció y arrasó entre la chavalada yanky...pero, ¿de donde proviene "La Bamba"?, y ¿de que habla realmente?, vamos a ello...

 Al parecer, y por lo que he podido averiguar, la historia de la canción va ligada a la propia historia de Veracruz,  la Villa Rica de la Vera Cruz fue fundada por el conquistador español Hernán Cortés, en 1519 en las playas que se encontraban frente al islote de San Juan de Ulúa. Por su situación,enseguida se convirtió en un ponto estratégico para el comercio entre España y el "Nuevo mundo", debido a diversos problemas metereologicos, la Villa se traslada a la isla de San Juan de Ulúa, allí es fortificada para proteger las grandes cantidades de oro y plata que allí esperaban para embarcar rumbo a la madre patria. Ya en el siglo XVII, las aguas que rodeaban la zona estaban infestadas de piratas, en mayo de 1683, el pirata holandés Lorenz de Graaf se apodera de la Villa, encerrando a los habitantes de la ciudad en la iglesia de la plaza mayor, para poder saquear con mayor tranquilidad. Cuatro días bajo un intenso calor, sin comida ni agua, hizo que algunos parroquianos decidieran acabar con su sufrimiento lanzándose desde lo alto del campanario de la iglesia. Una vez liberada la ciudad, el virrey de México decidió implantar en las colonias de la zona, una serie de normas, destinadas a prevenir un nuevo ataque pirata, repiques de alarma, ensayos de emergencia, formación de "reclutas de emergencia", etc... Medidas que la población se tomó con ironía y sorna, y así comenzó a nacer una canción que fue extendiéndose de manera espontánea.



Aunque la letra ha sufrido diversos cambios a lo largo de su extensa existencia, en su mayor parte se mantiene igual que en el siglo XVII, veamos:

Yo no soy marinero
Yo no soy marinero
Soy Capitán
Soy Capitán...

...Pero por ti seré,
Por ti seré, por ti seré…

Esta parte está, por supuesto, sujeta a muchas interpretaciones,  pero la mayoría de expertos apuntan al miedo de los lugareños a navegar por unas aguas repletas de piratas y al contrapunto de tener un rango militar ficticio en las milicias creadas para una posible invasión. Del forzoso reclutamiento de jóvenes por parte de los oficiales militares para tal fin, puede venir lo de "pero por ti seré", aunque he de decir que, por lo que he leído, puede ser que el popular Son ya existiera con anterioridad, y su letra sufrió un sarcástico cambio debido a las normas impuestas por el virrey. Pero el dato definitivo se encuentra en la estrofa de las escaleras:

Para subir al cielo, para subir al cielo
se necesita una escalera grande
una escalera grande y otra chiquita
Ay, arriba y arriba, Y arriba y arriba...

Examinando una Web de un habitante de lo que fue la Villa fortificada de Veracrúz, se explica que para acceder al campanario de la catedral (sin modificaciones notables desde el siglo XVII), es necesario, una escalera larga, para llegar al tejado, y otra corta, para acceder al campanario... un dato, al menos intrigante, que realmente parece hacer alusión a los suicidios ocurridos durante el asedio del pirata holandés. Lo cierto es que el tema es muy emblemático en Veracrúz, pero lo que a nosotros nos ha llegado es un rock, de carácter y raza latina, que a mediados de los 50, revolucionó e inició un nuevo concepto musical, la fusión, algo que aunque no era nuevo, quedó más que patente gracias a un joven de 17 años con un gran futuro por delante, el mítico Ritchie Valens...

Big Daddy "The band of '59"

 Hacemos una pequeña pausa en nuestro peculiar banquete sonoro, tras platos tan contundentes como Geoge Harrison, Jimi Hendrix, the Byrds, Led Zeppelin... creo que nos hace falta un pequeño "combinado" para refrescarnos y continuar con fuerzas. Para realizar un buen combinado siempre hay que partir de un buen licor, algo clásico, pero para sorprender el paladar hay que dar con un sabor nuevo, renovado, si la mezcla es la correcta, el resultado será sugerente, refrescante y lleno de matices. Un buen experto seguro que nos recomendaría un cocktail elegante y suave, pero yo que siempre he sido un barman atrevido, me voy a decantar por una combinación más divertida, llena de inspiración. Una combinación que he descubierto hace poco tiempo, y me sorprendió gratamente, así que copa en mano, bebamos un traguito de nuestro "Big Daddy"...

 Big Daddy son como si pusiéramos un disco de "oldies", y la radio fórmula de nuestro vecino se solapase sobre las canciones de nuestro disco de manera mágica. Su estilo puede ser considerado como satírico, una especie de banda cómica con estilo, como por ejemplo Sha-Na-Na, pero ellos van más allá de las típicas versiones, convirtiéndose en precursores de un nuevo estilo musical: el Mash-up (o Bastard Pop), un híbrido armónico (muy utilizado en la actualidad por artistas hip-hop y de música electrónica), en el que se combinan dos o más canciones en una especie de collage  sonoro. Puede que sea difícil de entender esta extraña amalgama, pero en cuanto escuchas sus temas todo cobra sentido, y comienza la verdadera diversión. Suelo divertirme poniendo sus temas a mis amigos y la reacción siempre suele ser la misma, comienzan con una sonrisa...que chula!, pero cuando comienza la letra, la cara pasa a perplejidad...esto....me suena?..anda!, y luego nos divertimos debatiendo cuantos temas podemos reconocer. Bueno, lo reconozco, a veces soy un tanto simple, pero no todo son sesudas reflexiones sobre el Pop y el Rock, uno tiene también estas cositas...



Big Daddy fueron en realidad una banda del sur de California que durante la década de los 70 se ganaban la vida a base de hacer las típicas versiones de éxitos de los 50 y 60 por locales y salas de conciertos, por aquella época se hacían llamar "Big Daddy Dipstick and the Lube Job", en su formación original estaban Lightnin’ Bob Wayne (voz), Tom "Bubba" Lee (voz y guitarra rítmica), y Marty “The K” Kaniger (voz y guitarra rítmica). Tocaron por todo el estado durante varios años, algunos miembros de la banda entraban y salía, pero el trío continuó hasta 1980, año en que el combo se disuelve. En 1981, Bob abre un estudio de grabación (Sunburst Recording) en Culver City, California, decide llamar a sus colegas para grabar algunos temas, sólo por diversión, a la jam session se une también un cantante llamado Donny “D” Raymond, y un par de músicos mas. La cosa funciona bien, el sonido es bueno, así que, casi sin quererlo, surge la opción de revivir a Big Daddy. Se suceden los ensayos, y la noticia del regreso de la banda (que en su momento ya se ganó un nombre en el circuito Oldies) llega a oídos del co-fundador de la mítica Rhino Records, Richard Foos, quien les propone interpretar temas contemporáneos al más puro estilo Doowop, de esta manera graban su primer Lp "Big Daddy … What Really Happened To The Band Of '59"..."Big Daddy history", con temas curiosidades como el "Hotel California" de the Eagles, interpretado como "Stranger in town" de Del Shannon, o el tema de "Star Wars" al estilo de Duane Eddy o the Tornadoes . Un demencial proyecto, en el que, para promover el grupo, se inventan el por que la banda sólo puede tocar nuevos temas en el estilo de los 60. Al parecer, todos ellos fueron capturados por fuerzas comunistas el en sudeste asiático en 1959, recluidos hasta los 80, momento en el fueron rescatados por la CIA, una vez en Camp David, les proporcionaron partituras de éxitos contemporáneos, pero ellos, ajenos a la evolución de la música en 20 años, interpretaron los temas de la única manera que sabían. Desde luego, sentido del humor no les faltaba...



A partir de su primer disco se convierten en una banda televisiva, aparecen en decenas de Shows, hacen jingles publicitarios, recorren todos los Estados Unidos, e incluso viajan a Inglaterra, donde acompañan al que ellos denominan "la infame estrella Glam", Gary Glitter. Sus discos salen muy poco a poco,  "Meanwhile...Back In The States" (1985), (con una maravillosa "Girls jJust wanna have fun" de Cindy Lauper, al estilo "Duke of Earl" de Gene Chandler( y "Cutting Their Own Groove" (1991) ( que incluye una fabulosa versión del "Dancing in the dark" de Springsteen a lo "Moody river" de Pat Boone, o el "Like a virgin" de Madonna como el "Venus in blue jeans" de Jimmy Clanton),  lo cierto es que tampoco son muy populares. De regreso de las islas británicas, a Bob se le mete en la cabeza regrabar íntegro, el mítico octavo disco de los Beatles, "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" al estilo de Big Daddy, aprovechando el vigésimo quinto aniversario de la publicación del disco. Con el mismo orden de canciones que el original, con el mismo espacio entre ellas, con la misma nota sostenida al final de "A Day in the Life", e incluso un mensaje oculto que sólo se escucha hacia atrás, el 2 de Junio de 1992 sale a la venta "Sgt. Pepper's", que paradójicamente, nunca fue lanzado en Inglaterra. El este (irregular) disco, los temas de los Beatles sonaban a Jerry lee Lewis, Dion Dimucci o Elvis, un divertido tributo en el que destaca "When i'm sixty-four" interpretado como el "Sixty Minute Man" de the Dominoes...



En el 94, bajo el nombre de The Benzedrine Monks of Santo Domonica, sacan un disco llamado "Chantmania" en el que recuperan éxitos de the Monkees o Nirvana, al estilo canto gregoriano de los monjes de Silos, un disco infumable, que no os recomiendo que perdáis el tiempo en buscarlo. Lo cierto es que hoy no pretendía soltaros mucho rollo, y creo que, a pesar de todo, lo he conseguido, espero que disfrutéis de estos chicos, que en un momento pueden interpretar a Rick James al estilo de los Everly Brothers, a Vanilla Ice como Chuck Berry o a Michael Jackson como Bill Halley... Buenas voces, geniales interpretaciones, sentido del humor, amor por la música, y pura diversión... disfrutadlo.

Versión original: "Got my mind set on you"

Suelo visitar con asiduidad blogs de todo tipo, literatura, cine, misterios, historia, arte...y por supuesto música, hace poco he descubierto una bitácora muy refrescante: "Canciones de buen rollo", en ella, sus autoras reivindican el poder de la música en nuestro ánimo, y sentencian "Eres lo que escuchas". En realidad se trata de un recorrido ameno y bien narrado, por aquellos temas que por una u otra razón consiguen despertar en nosotros una emoción positiva. Este recomendable descubrimiento me trajo a la mente un optimista y brillante tema que podría encajar perfectamente en el espíritu del buenrollismo, así que, como nuestros blogs tienen planteamientos y contenidos distintos, y siempre he creído que en el mundo blogger, no hay competencia, si no más bien complementación, hoy os traigo una canción de buen rollo, indagando (como es mi costumbre) en los entresijos de su historia. Dedicado pues a Carol y a Isa, un clásico energético..."Got my mind set on you".

 Creo que muy poca gente no recordará este éxito de ventas del ex-Beatle George Harrison de finales de los 80, pero también es verdad que la mayoría ha olvidado que en realidad se trata de una versión de un tema cuyo single pasó casi desapercibido durante 1962. Lo cierto es que George Harrison era un apasionado buscador de singles, ya os conté cómo encontró en la tienda de discos de Brian Epstein, el original de Barrett Strong, "Money (That's What I Want)", fue allí mismo donde dio con el single original de "Got my mind set on you", tanto le gustó que durante las primeras grabaciones de la banda de Liverpool, en las que combinaban temas propios con versiones de otros artistas, Harrison intentó convencer a sus colegas de grabar el tema, por supuesto nunca consiguió convencerles. A finales de los 60, en pleno proceso de desintegración de la banda británica, Harrison se había convertido ya en un compositor y productor competente, su último LP "Let It Be " (Apple Records, 1970) se grabó en medio de un clima de tensión, resentimiento e individualismo, en el que cada uno ya estaba inmerso en distintos proyectos personales. Tras la disolución de the Beatles,  George saca al mercado "All things must pass", el primer álbum triple de la historia musical, en él, aparte de ciertas composiciones ex-profeso, se recoge el material que Harrison compuso para la banda y fue rechazado por Lennon y McCartney. El disco fue alabado por la crítica y respaldado por el público, gracias a temas como "If not for you", "What is life", y sobre todo "My Sweet Lord"...



Tras el asesinato de Lennon en 1980, sumido en una cierta melancolía, y desilusionado por el fracaso de su último disco "Gone Troppo" (Dark Horse/Warner Bros. 1982), Harrison decide retirarse de los escenarios y los estudios de grabación para dedicar su tiempo a otros proyectos personales. El retiro se alarga durante cinco años, pero el artista decide regresar al mundo musical, con cierto miedo al olvido del público, e intentando renovar su sonido, alejándose de sus anteriores trabajos, mas trascendentales y con influencias místicas. George recupera aquel viejo single que encontró en "North East Music Stores" en 1962. Quiere regresar con un tema impactante, pop, fresco, de ritmo simple y pegadizo. Para conseguir el efecto deseado recurre a su viejo amigo Jeff Lynne (E.L.O), que hará la producción del tema (para el resto del LP, recurre a otros grandes como Eric Clapton, Elton John o Ringo Starr). El optimista "Got my mind set on you" se aleja diametralmente de los temas introspectivos y sociales de los anteriores trabajos de Harrison, a pesar de que muchos de sus fans le tacharon de haberse vendido a lo comercial, y que algunos críticos musicales le acusaron de utilizar una fórmula facilona, para paliar la falta de ideas, el tema fue un autentico éxito de ventas en 1987, y durante el proceso de grabación del disco, Jeff Lyne  dio con el sonido y la idea que estaba buscando, que quedaría plasmado en la mayor superbanda de la historia, "The Traveling Wilburys". Harrison hizo frente a las criticas, defendiendo su giro hacia el pop, convenciendo con el argumento de la calidad, y recordando al público que su origen como músico nace del Pop y el Rock más convencional.



 Ahora regresamos a 1961, año en el que un ex cartero de Nueva York, llamado Rudy Clark, se había convertido uno de los compositores mas activos del momento. Se dice que fue el quien descubrió a el cantante afroamericano James Ray, cuando aún se hacía llamar Little Jimmy Ray, éste se ganaba la vida (mal) cantando en bares, había grabado un sencillo ("Make Her Mine") en 1959, que se fue un fracaso y acabó dejando al pobre de Ray arruinado y viviendo en una azotea. Clark convenció a los de Caprice Records para que ficharan al muchacho, le compró algo de ropa, le alquiló un apartamento, y le compuso su primer single, "If you gotta make a fool of somebody", un primer y prometedor éxito que dos años mas tarde llevarían a lo mas alto los británicos Freddie and the Dreamers. Tras componerle un par de temas más, llegó "Got my mind set on you", un dinámico tema, que no funcionó muy bien en el mercado. Con la irrupción de los grupos británicos en el mercado americano, James Ray fue olvidado, para morir de sobredosis en 1964. Una triste historia, un brillante tema, un Beatle, un gran éxito...una canción de buen rollo, hasta la próxima!