Charlie Parker "Bird Lives!"

Fue precisamente esta misma semana, en el año 1955, cuando de manera espontánea y con una sincronicidad inusual para la época, los muros de la ciudad de Nueva York, como si de una convocatoria creada por una red social actual se tratase, aparecieron con miles de pintadas que repetían el mismo lema "Bird Lives!" (el pajaro vive), en realidad un homenaje sincero y natural a uno de los mas innovadores músicos de Jazz del pasado siglo, un maestro de la improvisación sonora, padre del Bebop, que con tan sólo 34 años, había dejado definitivamente de volar. En palabras de su amigo Dizzy Gillespie: “Demasiado frágil para durar”, sin embargo su espíritu pervive en aquellos temas que, inspirados por su genio creador, dejan sus notas volar libremente alrededor de cualquier melodía de Jazz moderno. Hoy con gran respeto y admiración, recuperamos el Jazz en Grafistantáneas, y lo hacemos con uno de sus grandes genios, un talento cuya inquieta y torturada alma, le llevó por una tormentosa existencia, comparable a la de otros genios como Vincent Van Gogh o Piotr Chaikovski....

Charles y Addie Parker vivían una vida humilde en Kansas City, su mayor ilusión fue el nacimiento de su único hijo Charlie, en agosto de 1920. El pequeño mostró enseguida un elevado interés por la música, en especial por los instrumentos de viento, en el colegio comenzó a tocar la tuba, enseguida comenzó a destacar, sin embargo a Addie (en ese momento ya viuda) no le gustaba aquel aparatoso cacharro, así que tomó una afortunada decisión, que sin saberlo, cambiaría la historia del jazz, y de la música moderna en general. Decidió ahorrar algo de dinero para comprar un instrumento más adecuado para su pequeño Charlie, y se decidió por un saxo alto. Como en el colegio no había nadie que pudiera enseñarle a tocar aquel instrumento, Charlie aprendió sólo, aplicaba sus básicos conocimientos con la tuba y le exprimía las notas tratando de imitar a los grandes saxos de la ciudad, como Lester Young o Ben Webster. Aprendió muy rápido, pero tambien vivió deprisa, comenzó a tocar con algunos grupos semi-profesionales de Kansas, a los 15 años abandona los estudios, se saca el carné de músico profesional y comienza a dedicarse a la música a tiempo completo, bueno casi, en ese momento Charlie había probado ya todo tipo de estupefacientes, se había casado con una compañera de colegio dos años mayor que él e iba a ser padre...



Durante los siguientes años perfecciona su técnica, aconsejado por el clarinetista Buster Smith, aprende el adecuado uso de boquillas y cañas, pero Charlie no se sentía a gusto tocando aquellas armonías estereotipadas, en su mente fluían un montón de notas más que no cabían en las partituras. En busca de algo diferente, en 1938 decide viajar a Chicago, y de allí a Nueva York. Al principio no le van las cosas muy bien, sobrevive como fregaplatos en un restaurante donde Art Tatum tocaba el piano cada noche. Finalmente consigue entrar en la banda del pianista Jay McShann, donde destaca en la sección de saxos, comienza a grabar con la banda, y se relaciona con otros músicos. En 1941 en el Savoy Ballroom de Harlem, conoce al que sería su referente más directo, el trompetista, Dizzy Gillespie. Un año más tarde cuando McShann decide establecerse en Kansas, Charlie abandona la banda, se queda en Nueva York, para sobrevivir toca junto a la orquesta de Earl Hines, pero paralelamente, comienza a participar junto a distintos amigos en unas “Jam sessions” en el Minton's Playhouse, que se harían tremendamente populares durante esos años, y de las cuales, nacería el Bebop. Es en esa época cuando se le comienza a llamar "Bird" por su forma de tocar, libre como un pájaro dando aleteos en distintas direcciones.

Entre 1945 y 1948, Charlie (Bird) Parker, graba junto a su amigo Dizzy Gillespie una serie de discos que pasarán a la historia como el testimónio de esa nueva manera de hacer música, superando las limitaciones del Swing de los años treinta y las encorsetadas melodías del Jazz blanco de gente como Glenn Miller o Artie Shaw. Juntos rompen las convicciones artísticas del momento, rompiendo las severas reglas de las big bands, para poner el jazz en un nuevo camino, reivindicando su racialidad, liberándolo de sus ataduras y devolviéndolo a los clubes musicales. Las sesiones contenidas en los sellos Savoy (1944-1948) y Dial (1945-1947) son el inicio de un Jazz moderno y popular. Pero vayamos más despacio, en 1945, con un contrato bajo el brazo se marchan a California, para tocar en el "Billy Berg's", pero el público de los Angeles no es tan sofisticado como el de Nueva York, y el resultado es un fracaso económico, además Charlie está cada vez mas enganchado a la heroína, y muchas noches ni siquiera aparece por el local. Dizzy, decide romper su relación con Parker, (aunque nunca lo abandona), regresa a NY, mientras Charlie decide quedarse allí, donde la heroína era mas sencilla de conseguir. Rozando los infiernos de su adicción, su cuerpo no resiste y es ingresado en el Hospital Psiquiátrico de Camarillo, donde intentan desintoxicarle durante siete meses.



A partir de 1947, con renovadas energías comienza la que será su etapa mas creativa y brillante. Durante cuatro años Charlie Parker pasea su enérgico Bebop por los más prestigiosos clubes de Nueva York, incluso en 1949 inauguran uno en Broadway en su honor,el "Birdland", firma un contrato discográfico con el prestigioso sello Verve, y comienzan a reconocer su trabajo internacionalmente. Recibe diversos premios y realiza diversos viajes a Europa, invitado por distintos festivales de Jazz. Las cosas parecen ir bien, mantiene una relación sentimental con Chan Richardson, una chica blanca embrujada por el Bebop, con la que tiene dos hijos y que le mantiene más o menos cuerdo. Pero Parker recae de nuevo en las drogas y a principio de los 50 le retiran el carné para poder tocar en los locales de Nueva York. Sus depresiones comienzan a ser más constantes, y su final se precipita en 1954 con la prematura muerte de su hija menor, entra en un caos mental dominado por el alcohol y las drogas, llevándole en varias ocasiones al borde del suicidio. Sólo y maltrecho decide refugiarse en casa de una protectora de los Jazzers, la Baronesa Pannonica de Koenigwarter, y es en su casa donde fallece el 12 de marzo de 1955 mientras ve un Show cómico en la tv.

Charlie Parker tenía tan solo 35 años, y según el forense, su cuerpo parecía el de un hombre de 60, la muerte, que llevaba tiempo rondándole, encontró su oportunidad en un ataque de risa, que se transformó en espasmos agónicos. Una combinación de úlcera de estómago, cirrosis, neumonía y posterior infarto, fueron los causantes de su fallecimiento. Tuvo una corta existencia, (Clint Easwood llevó su vida al celuloide en "Bird", 1988, con un magnífico Forest Whitaker como Parker) pero tanto su legado como su influencia, son innegables e históricos. Un espíritu indomable, un genio único que sacó el Jazz de las grandes salas para ponerlo a servicio del ciudadano medio, un músico revolucionario cuyo nombre se escribe en letras de sangre y oro en el gran libro de la música popular moderna...Fly Bird, fly...

Professor Longhair "A New Orleans Tale"

"Si soy tan grande, me pregunto por qué no tengo un contrato fabuloso."
Professor Longhair (1976)

En la historia de la música moderna hay personajes cuya influencia y presencia a trascendido y perdurado a lo largo de décadas, siendo nombrados como referencia clara de otros artistas, y que, aunque no los recordemos del todo, al escuchar sus temas, siempre nos sale el típico "ah, claro!...ya me acuerdo!". Pero no siempre es así, de vez en cuando te encuentras con casos como el de nuestro personaje de hoy, un artista cuya influencia es patente, y ha sido reconocida por muchos y variados artistas (Little Richard, Allen Toussaint, Dr. John, Jerry Lee Lewis, James Booker, Huey "Piano" Smith...), sin embargo su notoriedad y (relativo) reconocimiento le llegaría demasiado tarde, casi en el ocaso de su existencia...

Hablar de "Fess" (ó Professor Longhair), es hablar de una de esas historias trágicas y difíciles que forjaron los sonidos de la música popular moderna, una vida dura, un talento enorme, una figura a reivindicar, padre del R&B de New Orleans cuya vida bien merecería un biopic cinematográfico. Henry Roeland Byrd fue a nacer en 1918 en Bogalusa, Luisiana, era una época difícil, más aún para un chico de color del sur, pobre y sin estudios. Sus primeros escarceos con el mundo del espectáculo vienen de la mano de un taimado charlatán, vendedor de un milagroso "aceite de serpiente", al que un Henry de 10 años acompañaba como parte del (humillante) show, como falso público. En un momento de la perorata del tahur, preguntaba al "niño negro" si quería probar una tarta, éste subía al escenario encantado, para recibir un tartazo en la cara para regocijo de un público mayoritariamente blanco. Así continúa cerca de tres años, hasta que un día, decide que las cuatro monedas que le daba el charlatán por el "numerito" se las puede ganar él sólo, así que como tiene estilo y algo de talento se pasa al "tap-dancing", con el claqué callejero se gana la vida, es bueno, pero bailando cerca de los clubes del barrio francés descubre, con cierta envidia, la vida de los músicos de Jazz que frecuentaban la zona, así que decide convertirse en guitarrista.

Pronto descubre que las cuerdas de la guitarra no estaban hechas para él, se hacía daño y no conseguía disfrutar con aquello, prueba con la batería, y con todos los instrumentos que le prestaban otros músicos callejeros, hasta que un día encuentra un viejo piano vertical que alguien había tirado de algún club, le faltaban unas cuantas teclas, varios martillos y alguna que otra cuerda, aun así consigue hacer que suene y comienza a aprender a tocarlo. Como no tiene quien le enseñe, se inventa su propia técnica, crea una base de percusión con la mano izquierda mientras improvisa un frenético Boogie con su derecha, aun no lo sabía, pero estaba creando las bases de un futuro ritmo muy popular, el Rock&Roll.

Aquel sonido nuevo y de difícil clasificación, llama la atención de otros músicos de New Orleans, en especial la de Champion Jack Dupree, Washington Tuts y Rock Sullivan, que lo toman bajo su tutela, completan su formación musical, e incluso le pintan un bigotillo para que el chaval pareciese mayor y así pudiera tocar con ellos. Con la entrada de los EEUU en la Segunda Guerra Mundial, Fess, abandona la música para incorporarse al ejercito, e incluso prueba suerte como boxeador, en 1947 decide regresar a las teclas, primero como "Little Lovin' Henry" y más tarde formando una banda propia, The Midriffs Byrd. Junto a su nuevo combo consigue un contrato estable en uno de los locales más prestigiosos de New Orleans, el "Caledonia Inn", allí el propietario del local define a Byrd como "un profesor de piano de largos pelos", así nac

e su apodo, y la banda pasa a llamarse "Professor Longhair and his Four Hairs". En 1950 graba su primer disco para Mercury "Baldhead", que alcanza el nº 5 en las listas R&B, pero en una América dividida por razas, este éxito no tenía demasiada importancia. Sin embargo las emisoras de música negra eran escuchadas por muchos músicos blancos en busca de nuevos sonidos, y aquel ritmo caló profundamente en un joven pianista de Louisiana con un sentido del ritmo parecido llamado Jerry Lee Lewis. Elvis también reconoce la influencia de Fess en sus primeras grabaciones para Sun Records, y por descontado otros músicos de color como Fats Domino o Little Richard.

Sin embargo, aunque el sonido de Fess arrasaba en manos de otros y sus discos se vendían bien, ni su popularidad ni su cuenta corriente aumentó lo más mínimo. Con la llegada de la "British Invasion" a mediados de los 60, simplemente desapareció del mercado. Con dos hijos y sin un centavo decide recuperar lo que aprendió con aquel charlatán y se convierte en tahur profesional, un jugador de cartas con un as en la manga. Dentro de una espiral de mala suerte, su hijo muere a balazos, su mujer le deja por sus escarceos con otras mujeres, pierde su nuevo empleo como conserje y su salud comienza a decaer...tanto que a principios de los 70 se le da practicamente por muerto. Pero tres amantes del estilo de la música de New Orleans, deciden en 1971 crear el primer festival de música de la ciudad, recuerdan haber escuchado de jóvenes al prodigioso pianista, y deciden buscarlo para su festival. Fue uno de ellos (Davis Quint) quien lo encontró, desdentado, enfermo y flaco, trabajando barriendo una tienda de discos en Rampart Street. Allí le confiesa no haber tocado el piano en años, a pesar de tener uno en casa, nunca consiguió dinero para poder arreglarlo. Aun así, se hacen cargo de su salud, de su piano y reaparece, en plena forma en el segundo New Orleans Jazz and Heritage Festival.



Aquel regreso fue una autentica revolución, todo el mundo quedó literalmente, alucinando, guardias de seguridad, vendedores de comida, personal de mantenimiento...todo el mundo que allí se encontraba dejó lo que estaba haciendo para acercarse a ver a aquel tipo tan extraordinario, por fin Fess, conseguía el reconocimiento a su talento. comienza de nuevo a tocar, graba algunos discos para sellos pequeños, gana dinero, y en 1977 decide abrir su propio local: el "Tipitina", llenando cada noche, la reputación del Professor Longhair va en aumento, recibiendo visitantes ilustres como Robert Plant o Paul McCartney. Sale de gira, primero por los USA y luego por Europa, cosechando gran éxito. Parece que la cosa funciona, y por fin consigue un contrato discográfico con Alligator Records, con 61 años prepara el lanzamiento del grandioso "Crawfish Fiesta", su salida al mercado estaba prevista para el 31 de Enero de 1980, pero cuando las cartas te vienen mal dadas... Henry Roeland Byrd falleció en su cama el 30 de Enero de 1980, sin poder ver su disco en las tiendas, años más tarde le concederían un Grammy honorífico por sus primeras grabaciones para Atlantis Records.

La triste historia de un pionero del Rhythm and Blues, y el Rock, una influencia esencial en la evolución de la música pop, un creador que combinando con especial maestría Jazz, Blues, Calipso, Zydeco, Ragtime...captó entre sus dedos la esencia de New Orleans, un imprescindible para cualquier amante de la buena música con raíces...

"Canciones Malditas "...segunda parte

Aquella mañana parecía augurar otra monótona semana en la Cleveland Elementary School, en San Diego (California), un lunes más, pero aquel 29 de Enero de 1979, un espíritu atormentado e incomprendido decidió que había llegado el momento de hacerse oír. Brenda Ann Spencer no tenía muchos amigos, a sus 16 años lo que le gustaba eran las armas, y tenía buena puntería, esas navidades su padre (un maltratador que le había destrozado la vida a base de abusos y vejaciones) le había regalado un rifle semiautomático, y Brenda pensó que era un buen día para probarlo. Sentada tras su ventana, comenzó a disparar a los alumnos que entraban en la escuela frente a su casa, aquello le divertía, reía mientras apretaba el gatillo una y otra vez. Alcanzó a 8 niños, el director de la escuela (Burton Wragg) y el guarda Mike Suchar intentaron proteger a los pequeños y lo pagaron con sus vidas. Al llegar la policía, los recibió a balazos, hiriendo a uno de los agentes. Atrincherada en su casa, la negociación duró más de seis horas, aquel acontecimiento mantuvo en vilo a la población estadounidense, que seguía el triste acontecimiento a través de la televisión. Cuando finalmente salió de su casa, esposada y escoltada por dos agentes, un periodista le preguntó por sus razones para tal acto, Brenda, serena y con una terrible frialdad, se detuvo y respondió: " Estaba probando mi rifle, eso es todo, sólo fue por diversión...además, no me gustan los lunes"...

Ese mismo día, el músico irlandés, Bob Geldof se encontraba en Atlanta, en una gira de promoción para dar a conocer a los americanos el trabajo de su banda The Boomtown Rats, un año antes habían llegado al número 1 en U.K. con "Rat Trap". El caso es que la noticia, y la falta de remordimiento de la joven impactó en el artista británico, que decidió volar hasta Los Angeles para reunirse con su banda y ponerse a trabajar en una canción, un tema crítico sobre el acomodado estilo de vida de la sociedad globalizada, que, en algunos casos, tienen consecuencias extemadamente trágicas. Con cierta influencia Jamaicana, un potente piano y un especial énfasis en la frase principal, nace uno de los temas mas conocidos de la década de los 80..."I Don't Like Mondays". El tema tuvo serios problemas para ser emitido en los USA, demasiados sensibles a que una banda británica cantara sobre un día tan terrible para ellos, aún así fue un rotundo hit, aunque muchos desconocieran el verdadero trasfondo del tema, y ¿quien no ha cantado este tema uno de esos espesos lunes?...



Era viernes, 22 de noviembre de 1963, cuando Lee Harvey Oswald, decidió (sólo o, según algunas teorías, con ayuda de alguien) acabar con la vida del trigésimo quinto Presidente de los Estados Unidos, John F. Kennedy, apostado tral la ventana de un almacen de Plaza Dealey, en Dallas, cumple su funesto propósito con un rifle con mira telescópica. Posiblemente, aquel acontecimiento fue el más impactante para la población estadounidense durante varias décadas, una herida difícil de cerrar, y que hizo correr ríos de tinta, y por supuesto, inspiró cientos de canciones, cada una con su propio mensaje. Pero aquellos días fueron especialmente trágicos para un músico de Nashville llamado Bobby Hebb. Hijo de dos músicos ciegos, Bobby pasó su infancia y juventud cantando y tocando junto a su hermano Harold, les iban bien las cosas, se codeaban con gente como Bo Didley o Chet Atkins. Pero un día después del asesinato del Presidente norteamericano, Harold fue asesinado en un night-club de su ciudad natal. Consternado por tanta violencia, cayó en una brutal depresión, aunque finalmente decidió buscar un sentido a tal locura, y lo hizo a su manera, con música. Así que Bobby Hebb decidió escribir un canto a la vida, una llamada a los nuevos (mejores) tiempos, una canción sensible y optimista, un canto a la esperanza y al amor. "Sunny" fue presentada en 1966 mientras acompañaba a Los Beatles en una de sus giras americanas, el tema llegó rápidamente a lo más alto de las listas, "robando" ligeramente el público a los cuatro de Liverpool. Sin embargo, y a pesar de que Hebb, compuso muchos y grandes temas, sólo se le recuerda por este precioso himno, una de las canciones más hermosas que se han escrito, a pesar de su triste trasfondo...



Peter Fechter tenía 18 años, trabajaba como obrero de la construcción en la República Democrática Alemana, y no era feliz, su sueño era escapar. Un año antes, el levantamiento del muro que dividía las "dos alemanias", había hecho que la situación fuese cada vez más tensa y difícil. Así que el 17 de agosto de 1962, Peter decide, junto a su amigo Helmut Kulbeik, esconderse en un taller de carpintería, ubicado cerca del muro, desde allí podían observar los movimientos de los guardias y así, aprovechando un descuido, saltan desde una de las ventanas, cruzando hasta "el corredor de la muerte" (la franja entre el muro y otro paralelo que se estaba empezando a construir), comienzan a trepar por el muro en busca de su libertad. Sin embargo, los guardias se percataron del movimiento y comenzaron a disparar, Kulbeik, con más suerte que pericia, consigue cruzar al otro lado, sin embargo, Fechter es alcanzado en la pelvis, cayendo en tierra de nadie, a la vista de cientos de testigos de ambos lados, incluidos algunos periodistas, a pesar de sus gritos, no recibió ayuda alguna. Peter murió desangrado ante la vista (y la vergüenza) de todos, tras una hora de agonía. Su muerte (la primera del muro de Berlín) se convirtió en un símbolo de la libertad, manifestaciones desde ambos lados utilizaron su nombre como estandarte, una cruz fue puesta en su honor en un punto cerca del lado occidental donde cayó...

A finales de los 60, en una España que también soñaba una libertad, Luis Armenteros y Pablo Herrero (Los Relámpagos) deciden componer un tema inspirándose en este trágico suceso, y trasmitir el ansia de libertad en forma de canción. (debo decir que estos datos son difíciles de corroborar, y que la letra está sujeta a miles de interpretaciones, pero comprobaréis que despes de leer esto, la letra cobra un gran sentido). El artista escogido para interpretar el tema fue una incipiente estrella de la música, una de las mejores voces que ha tenido nuestro país, el valenciano Luis Manuel Ferri Llopis, más conocido como Nino Bravo. En 1971, y tras una exitosa gira por Latinoamérica, regresa a España para grabar un nuevo disco, "Mi tierra" (1972), con el que se sitúa en el número uno de ventas gracias a "Libre", la optimista exaltación de la libertad que, rápidamente, también es adoptada como himno por algunos regímenes Latinoamericanos...

Y con este tema, acabamos este macabro repaso a las canciones malditas, hoy dedicado a las que fueron inspiradas por trágicos sucesos, espero no haber parecido macabro o frívolo, y que disfrutéis de estos temas por lo que son, grandes canciones, y dejad sus razones como anecdóticas y curiosas... Un saludo!

"Canciones Malditas"...primera parte

La historia de la música moderna también tiene sus "leyendas negras", canciones que arrastran siniestras historias tras de sí, unas por ser consideradas "malditas", otras por estar relacionadas con macabros sucesos y finalmente (las menos dañinas) las que se inspiran en acontecimientos funestos, días negros de nuestra historia, hoy haremos un primer breve repaso a estas canciones escritas con sangre en las extensas páginas de la enciclopedia de la música del pasado siglo XX, las melodías malditas del pop...

Posiblemente la canción con peor fama de la historia deba recaer en un tema húngaro que llegó a ser denominado como "la canción del suicidio", inspirando incluso un filme sobre el tema: "La caja Kovak" (2006, Daniel Monzón). La historia de esta canción se remonta a 1933, cuando el músico húngaro Rezsö Seress compuso junto al poeta Laszlo Javor, una triste, y casi deprimente, balada llamada “Szomorú Vasárnap“. Se dice que Laszlo se inspiró en una nota que dejó su novia antes de suicidarse para escribir el tema, (este dato, al igual que muchos de los que rodean a esta canción son de dudosa credibilidad). También se cuenta (aunque no he podido corroborarlo, debido a mi nula incapacidad de entender las páginas húngaras), que diecisiete personas se quitaron la vida tras escuchar esta canción, unas incluso dejaron referencias a esta en sus ultimas notas, otras fueron halladas con la letra del tema entre sus manos.

Posiblemente debido a su mala fama, la canción viajó hasta los E.E.U.U. donde se convirtió en todo un éxito en la voz de Billie Holiday. Como buena leyenda urbana, una vez cruzado el charco, sólo hizo que engordar, se contaba que los supuestos poderes hipnóticos de la canción hizo que cientos de personas saltasen por la ventana tras escuchar sus tristes notas, finalmente fue prohibida en los USA. Por supuesto, ni los suicidios, ni que la prohibieran está probado, pero su fama de "maldita" continúa hasta nuestros días. Lo curioso es que, Rezsö Seress, el compositor de la canción, se suicidó saltando de una ventana de su apartamento de Budapest en 1968. Yo os dejo el tema, vosotros vereis....



El (ó los) siguiente de nuestros temas lleva tras de sí un dificil estigma, haber inspirado a uno de los psicópatas más sanguinarios de la historia. La noche del sabado 9 de agosto de 1969 cuatro discípulos de el asesino confeso Charles Manson entraron en la residencia número 10050 de Cielo Drive en Beverly Hills, donde apuñalan salvajemente a la la actriz Sharon Tate (mujer de Roman Polanski) y tres de sus invitados, Sharon recibió dieciséis puñaladas, murió desangrada colgada del techo de su salón, estaba embarazada de ocho meses. Al abandonar la residencia una de las acólitas de Manson, empapó una toalla con la sangre de Sharon Tate que utilizó para escribir en el exterior de la puerta principal la palabra "pig".
La noche siguiente, Manson, entraba en la residencia del empresario Leno LaBianca y su mujer Rosemary en las afueras de Los Ángeles, donde los ató para que tres de sus seguidores los apuñalaran hasta morir. En las paredes, escritas con sangre aparecieron estas palabras:"Death to pigs" (Muerte a los cerdos) y... "Helter Skelter"...



Manson no se manchó las manos de sangre ni participó en ninguno de los dos crímenes, aún así en 1971 fue condenado a pena de muerte, pero fue más tarde conmutada por cadena perpetua. El criminal, que decía ser la reencarnación de Jesucristo, confesó que había sido inspirado por "El albúm blanco" de the Beatles, en especial por tres de sus temas "Blackbird", "Piggies" y "Helter Skelter", tomándolas como metáfora de las diferencias sociales y raciales, en su perturbada mente se convirtieron en un mensaje claro sobre la inminente guerra racial, que según él, se avecinaba. Manson era un fanático de los cuatro de Liverpool y siempre buscaba frases ocultas entre sus letras."Piggies" había sido escrita por Harrison, en 1966, aunque no quedaría acabada hasta 1968, gracias a los aportes del productor Chris Thomas, que introdujo un clavicordio en la canción (que el mismo tocó), que la dotó de un peculiar estilo barroco. El tema habla sobre el estancamiento financiero y la lucha de las clases sociales bajas por surgir y salir de la mediocridad, la frase "What they need is a damn good whacking" (algo así como "lo estos tipos necesitan es una buena paliza") fue un aporte de la madre de Harrison. Cuando el pobre de George se enteró de que aquel perturbado utilizaba su tema como referente para sus demoniacos y oscuros planes, casi le da algo.

Pero el tema que más quedó marcado fue "Helter Skelter", por que fue claramente escrito en el escenario de un crimen. La traducción es un tanto confusa, se llama así a algunos toboganes en espiral, aunque su mejor definición sería "descontrol" o "desorden", Paul McCartney dijo que utilizó el juego de palabras como un símbolo de la decadencia. El que había sido considerado un Beatle "blando" creó uno de los temas más agresivos y salvajes de la banda, su sonido es considerado precursor del heavy metal o el punk rock, pero su fama de "satánica" se la debe a Charles Manson, aunque, eso sí, para muchos heavy's, eso es sólo un valor añadido...



Vamos a terminar hoy este (primer) repaso sangriento-musical, con una tierna balada, una de las canciones más románticas de la historia, un tema que no puede faltar en cualquier velada intima que se precie: "Without you". Posiblemente todo el mundo recuerde la versión que Harry Nilson hiciera llegar al número uno en 1971, sin embargo el tema, y la mala suerte, se la llevarían los autores de su primera versión, los británicos Pete Ham y Tom Evans, líderes de Badfinger. El grupo, formado en Gales por el guitarrista Pete Ham, en sus inicios se llamó The Iveys, con la entrada en 1967 del también guitarra Tom Evans, firmaron con Apple Records (Sello fundado por los Beatles). En un principio pasaron desapercibidos, hasta que Paul McCartney se fijó en ellos, les prestó una de sus composiciones "Come and Get It", y la banda comenzó una carrera en alza. Su segundo álbum "No Dice", es considerado como lo mejor de la banda británica, arrinconado ente sus surcos se encontraba "I Can't Live (If Living Is Without You)", aunque el disco tuvo muy buena aceptación por público y crítica, "Without you" pasó desapercibido por la mayoría.

El grupo, considerado como uno de los precursores del Power Pop, funcionó bastante bien unos años, pero los problemas y discusiones con el representante de la banda, un hombre de negocios, oscuro y siniestro, llamado Stan Polley, junto a los continuos desencuentros entre los miembros del combo, acabaron minando la (fragil) estabilidad mental de Pete Ham, quien decidió acabar con su vida ahorcandose en su estudio en abril de 1975. Hasta aquí nada merece que tachemos de "maldita" a la canción, hasta 1983, cuando su colega Tom Evans tras una conversación telefónica con otro compañero del grupo (Joey Molland), donde discutieron sobre los derechos de autor de "Without you", éste decide seguir los pasos de su amigo y se cuelga del cuello en el despacho de su casa. Su mujer, Marianne Evans, declaró que días antes había comentado "Quiero estar donde está Pete. Es un lugar mejor que este". Un destino trágico que, posiblemente, no esté ligado a ninguna canción, pero estas curiosidades hacen de la música un mundo interesante, lleno de misterios y maldiciones, y (por que no decirlo) yo, por unos momentos, casi me he sentido Stephen King, jajaja, un saludo siniestro...