jueves, 27 de diciembre de 2012

Canciones de Segunda Mano (three)






 Bueno, ya estamos aquí de vuelta, es obvio que no se ha acabado el mundo tal y como predecían (supuestamente) los Mayas, y si hemos acabado un ciclo para empezar otro, yo al menos, no he notado la diferencia. Así que otra semana mas, e intentando huir de tan empalagosas festividades, me refugio en la música para traeros el ultimo post del año en Grafistantaneas, otro especial sobre algunos temas que la gran mayoría asocia a un artista en particular, dando por hecho, y debido al éxito, que se trata de una canción original, dejando en el olvido a su primer interprete. Hoy, y tras la decepción de otra profecía no cumplida, esperamos no decepcionar a ninguno al "desvelar" estas cuatro "primeras veces", que esta semana se mueven entre los 80 y los 90. Así que sin más demora, ya que seguro estaréis preparando el fin de año, vamos al grano...o a la semilla...

 En 1981, la cantante y compositora californiana Kim Carnes, ya arrastraba tras de sí una consistente y dilatada carrera en los USA, pero el mercado europeo se le resistía. Su estilo no era muy del estilo del moderno y sofisticado público del viejo mundo. Cuando le ofrecieron dejar un poco de lado los sonidos Country y folk-rock en los que se encontraba cómoda, para dar un paso hacia el pop y los sintetizadores, ciertamente decidió rechazarlo, sin embargo y tras escuchar el tema (y descubrir quien lo había escrito), decidió aceptar. Con los arreglos instrumentales de Bill Cuomo, la desgarrada voz de Kim Carnes (según ella, obtenida a base de muchas horas dedicadas a cantar en bares repletos de humo), la hipnótica melodía de "Bette Davis eyes", lograba acaparar, durante nueve semanas consecutivas, el número 1 de las listas estadounidenses, abriendo definitivamente a la rubia platino, las puertas del mercado europeo. Ese mismo año lograría el Grammy como mejor canción del año, e irremediablemente quedaría grabada a fuego en la memoria colectiva de los aficionados a la música, la propia Bette Davis se declaró fan de la canción, y el tema fue interpretado por Carnes en un homenaje hecho a la mítica actriz poco antes de su fallecimiento... Mientras tanto, la versión original desaparecía en la noche de los tiempos. La canción dedicada a los ojos mas famosos de Hollywood, fue escrita en 1974 por otra mítica artista de la música, fue gracias a una reposición en un canal de tv de un clásico film de cine negro, "La extraña pasajera" ("Now Voyager", Irving Rapper, 1942), en una determinada escena el personaje interpretado por Paul Henreid, cae herido por un disparo efectuado por Bette Davis, mientras en un dramático primer plano, los ojos de la actriz trasmiten gran intensidad tras la columna del humo de su cigarro. Aquella expresividad tan magnífica y enigmática inspiró a Jackie DeShannon para crear uno de los más míticos temas de la historia del pop, que le reportaría, siete años mas tarde, el Grammy como compositora (junto a Donna Weiss). Convertida en la tercera canción más vendida de toda la década 1980, nunca sabremos si a Jackie, aquel honor, le sacó la espina de que su primera versión, incluida en su disco de 1975 "New Arrangement", nunca lograra el éxito y reconocimiento de la de Carnes, llegando incluso a hacerla caer en el olvido. Por si acaso, hoy la recuperamos para vosotros...



  Para nuestro segundo tema intentaré ser más breve, no por que la canción no lo merezca, si no por que aún quiero contaros muchas más cosas. Muy pocas artistas, nacionales e internacionales, pueden presumir de una carrera tan sólida y llena de éxito y reconocimientos como nuestra Luz Casal. Durante muchos años fue la única rockera solista de nuestro país, aunque, a lo largo de los años ha sabido evolucionar, integrando a su sonido distintos matices, sin descartar ningún género musical, lo que le ha llevado a conseguir el éxito, (y el respeto profesional) internacionalmente. Parte de ese éxito se deben principalmente a tres discos "Luz V" (Hispavox, 1989), "A Contraluz" (Hispavox, El Deseo, 1991) y "Como la flor prometida" (Hispavox, 1995), álbum este último que contenía uno de los singles mas vendidos de la historia de la música nacional "Entre mis recuerdos". A estas alturas no creo que nadie desconozca que el autor del tema es el mítico cantante y compositor gibraltareño Albert Hammond, un verdadero todo terreno musical, autor de una interminable lista de hits a uno y otro lado del charco. Lo que sí ha quedado en el olvido (algo natural, debido a la diferencia de calidad entre ambas versiones), es la primera versión de la canción. Cuatro años antes de la versión de Luz, el tema fue ofrecido a un grupo vocal de Paterson (New Jersey), que habían conseguido una relativa popularidad entre los jóvenes universitarios. El grupo en cuestión se hacían llamar Riff, y tras un par de discos, alguna aparición televisiva y muy poca trascendencia, nada mas se supo de ellos, eso sí "My heart is failing me" (que así se llamó originalmente la canción, tuvo un discreto top 25 en las listas, y hoy la recuperamos para los mas curiosos, eso sí, sin mucho entusiasmo...



Para la mayoría aquí no hay duda "Girls just want to have fun"  fue lanzada al mercado por primera vez por Cindy Lauper, todo lo demás son versiones... bueno, pues no es así. Tiene cierta lógica, ya que "Girls just want to have fun" supuso una verdadera revolución pop entre 1983 y 1984, un éxito mundial, reforzado por un video-clip muy cinematográfico, altamente efectivo  (multi galardonado internacionalmente), el descubrimiento de una voz fresca y potente, con un personal look muy colorista y particular, que marcaría tendencia entre los adolescentes del momento, quedando como uno de los sellos distintivos de los 80, un sonido fresco, juvenil y vibrante, y una letra que sería considerada como un himno de liberación y definición de libertad y camaradería femeninas... lo curioso es que el tema en cuestión, fue, originalmente, interpretado por un hombre. El compositor y primer interprete del tema fue un músico electro-pop de Philadelphia llamado Robert Hazard (nacido Robert Rimato), relativamente popular localmente junto a su banda " Robert Hazard and the Heroes", que habían conseguido algo de popularidad a principios de los 80 con su sonido tecno-pop, e imagen New Wave. La primera grabación del tema (recuperada años después por nostálgicos de los sintetizadores) se realizó en 1979, cantada desde un punto de vista masculino, que apenas tuvo difusión mediática, por lo que casi queda en el cajón del fracaso comercial. Años después, el propio Hazard colaboraría con Lauper en la adaptación del tema para convertirlo en un himno femenino y juvenil de rebeldía. Poco mas quiero contaros, me hace mucha gracia la versión de Lauper, de buen rollito y tal, pero hoy os dejo esta como curiosidad...



 Y finalmente una artista, y un tema que no necesitan presentación alguna. Si os digo "Simply the Best", la gran mayoría tendrá en la cabeza la imponente y poderosa vos e imagen de la gran Dama del Rock y el Soul, Anna Mae Bullock, mas conocida por su nombre artístico (de casada) Tina Turner. La melena leonina, la minifalda de cuero, la impresionante voz de la artista nacida en Nutbush (Tennessee), y el solo de saxofón de Edgar Winter, es lo único en lo que uno puede pensar cuando intenta recordar este tema. Número uno mundial en 1989, "The Best" se convirtió en una reivindicación del renacer, de la positividad sin cursilerías, una autoafirmación a ritmo de Rock que, injustamente, hizo olvidar a su antecesora. Y es que posiblemente, la versión original de "The Best" nunca volviera a sonar en las emisoras de radio, tras la versión de la Turner, y eso que no le tenía mucho que envidiar, ni siquiera en tener al frente a otra gran Dama del Rock. Un año antes "The Best" formaba parte de "Hide Your Heart ", séptimo disco de estudio de la artista de Gales, Gaynor Hopkins, de nombre artístico Bonnie Tyler. Otra rubia de voz cascada y ronca, cuya carrera tampoco necesita presentación, grandes éxitos como "Holding Out for a Hero", "Total Eclipse of the Heart", "Lost In France" o "It's a Heartache" han grabado a fuego su nombre en el libro de las grandes del Rock, (por cierto "It's a Heartache" a estado a punto de ser protagonista hoy también, ya que fue grabado y lanzado por Tyler, a la vez que la versión de Juice Newton). Aunque la versión de Tyler tuvo cierto éxito en Europa, pronto se borraría de la memoria de todos por "culpa" de la Turner, cosas de la música y el éxito comercial.
No entro demasiado en si es justo ni injusto, tampoco en si son mejores o peores versione, tan sólo dedico estos especiales a recordar a los "primeros", y ahora me despido de vosotros deseándoos un buen final de año, que disfrutéis mucho y os vengan tiempos felices, ser buenos, disfrutar de la vida y que la música guíe vuestro destino...Hasta el año que viene amigos y amigas!

miércoles, 19 de diciembre de 2012

Canciones de Segunda Mano (two)











Quien no recuerda la primera vez... bueno pues al parecer muchos, al menos por la acogida y los comentarios de nuestro primer "Canciones de segunda mano". Bromas aparte, lo cierto es que muchas veces cuando un tema (en estos casos una versión) alcanza en muy poco tiempo un alto nivel de popularidad, acaba ensombreciendo hasta ocultar en el frío limbo de los olvidados, aquellas primeros artistas que se atrevieron a grabarlo en su primitiva forma. Aprovechando que en estos ajetreados días previos a la Navidad, estamos todos muy ocupados en excesivas compras y estresantes preparativos, vamos con un post ligerito y liviano, una segunda entrega a nuestro repaso a los artistas que no dejaron su huella muy profunda, pasando casi inadvertidos para la gran mayoría de aficionados... pero, tranquilos, aquí estoy yo para remediarlo (jeje)...

 Comenzamos con un tema muy conocido, un clásico imperecedero, que de alguna manera, también tiene un aire navideño, muy apropiado para escuchar en familia, junto al árbol de colorines y espumillón, y un bucólico fuego en la chimenea del fondo del salón. Creo que no desvelo nada nuevo si os digo que Elvis Presley no fue el primero en grabar "Crying in the Chapel", aunque a partir de 1965 quedará irremediablemente unido a la voz de "el Rey". Lo cierto es que Elvis llevaba mas de dos años sin tocar el primer puesto de las listas, y la canción andaba guardada en la recámara desde su grabación en octubre de 1960, frenada por RCA y el Coronel Tom Parker por desacuerdos en los derechos de publicación. Finalmente la inspirada interpretación de Presley y la siempre perfecta compañía de the Jordanaires elevarían la canción al nivel de mítica e imprescindible. No era la primera vez que se escuchaba el engolado tema, antes de 1965 diversos artistas ya lo habían registrado, los mas osados afirmarán que la versión original pertenece al grupo vocal the Orioles, que consiguieron un gran éxito con ella en 1953, pero es un dato incorrecto, fruto de la popularidad que obtuvo la maravillosa BSO de "American Gaffiti" (George Lucas, 1973), en a que aparecía esta versión, que muchos adjudicaron como primigenia. Pero la banda de Baltimore no fueron los primeros en grabarlo. Aquel mismo año, el músico de Texas  Charles "Artie" Glenn salía de rezar en una pequeña iglesia bautista en el lado norte de Fort Worth, un año antes, en la cama del hospital en el que se recuperaba de una compleja cirugía en la columna vertebral, había prometido dedicarle mas tiempo a Dios. Mientras rezaba, unas lágrimas de agradecimiento rodaban por sus mejillas, de camino a casa ya rondaba por su cabeza "Crying in the Chapel", decidió regalar el tema a su hijo de 17 años Darrell, quien lo grabó junto a la banda de Country de su padre los Rhythm Riders, consiguiendo un relativo éxito local y nacional, con y Darrell Glenn de gira junto al cómico Bob Hope por todos los Estados Unidos.



 Arquetipo de ídolo de adolescentes, el Neoyorquino Brian Hyland, ya había tocado la cima del éxito cuando, con 16 años, logró uno de los primeros "éxitos del verano", con el tema " Itsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polka Dot Bikini ", un pop refrescante y simplón, precursor del sonido bubblegum, que arrasó en 1960. Hyland tardaría un par de años más en lograr un éxito tan contundente, y fue con un tema, cuyo sonido, era diametralmente opuesto a su primer número uno, aunque en algo sí coincidían, ambos fueron éxitos de verano, aunque en este caso, un clásico del final de la época estival. "Sealed with a Kiss" conseguiría mantenerse durante 11 semanas consecutivas en el tercer puesto de top then USA, alcanzando la misma posición en el UK Singles Chart. Relanzada como sencillo en 1975, la versión de Hyland, se convertiría en un éxito sorpresa en el Reino Unido, donde de nuevo se colaría entre las 10 canciones del año... pero nosotros buscamos su primera vez..."Sealed with a Kiss" compuesta por Peter Udell y Gary Geld para el grupo vocal de New York the Four Voices, un cuarteto italoamericano que, a pesar de las buenas criticas y el respeto de sus compañeros de profesión, jamas conseguirían demasiada repercusión (excepto un fugaz top 20 en 1956, con "Lovely One"). El cuarteto registró por primera vez "Sealed with a Kiss" el mismo año en que Hyland conseguía su primer gran éxito (es decir 1960),  pero el tema pasó completamente desapercibido, y el grupo, tras otros tantos fracasos, acabaría separándose en 1962, año en que paradójicamente, su canción llegaba a la cima de las listas en la voz de un adolescente de su mismo barrio...



 Y ahora avanzamos unas décadas, un poco como avance de nuestro próximo especial de "primeras veces", en el que intentaré sorprenderos con algunos grandes éxitos de los 80 y 90, que damos por sentado que son creaciones originales, cuando en realidad se tratan de versiones. En 1984, la banda británica de  reggae-pop UB40 ya tenían decenas de éxitos en las listas británicas, desde su formación en 1978 habían ido ganándose el respeto del público, afianzando su personal visión de la música jamaicana. Pero fue  "Red Red Wine" el tema que les daría fama mundial, abriéndoles las puertas del mercado USA, y ampliando el europeo. La canción cuenta, en un tono agradable y feliz, lo bien que el vino te hace sentir, aunque tu chica te haya dejado. Para su interpretación los UB40 se apoyaban en una versión anterior del jamaicano Toni Tribe, con la que en 1969 había conseguido el top 6 en el Reino Unido, aunque anteriormente, en otro registro muy distinto, ya había sido grabada por el grupo de Soul James Jimmy and the Vagabonds. Posteriormente y antes de la de UB40, también el cantante Country Roy Drusky cosechó cierta popularidad con su versión en 1972, al igual que el neoyorquino Vic Dana justo dos años antes, aunque fue la del grupo británico de reggae, la que, en un principio, mas disgustó al autor y primer interprete del tema. Lo cierto es que el padre de "Red Red Wine" no es ningún advenedizo, creador de cientos de grandes éxitos, a Neil Diamond,  cantante, compositor, guitarrista, actor y productor, le sorprendió negativamente el carácter festivo que los británicos daban a su tema, una canción triste dedicada al desamor y al "beber para olvidar" que él mismo grabaría en 1968. Con el tiempo, aquel malentendido fue superado, y el propio Diamond suele tocar de vez en cuando el tema al estilo de UB40. Lo cierto es que Neil Diamond es un especialista en crear éxitos, que se han revalorizado años después en las voces de otros, os nombro por ejemplo "I’m a believer" de the Monkees, o “Girl, You'll be a woman soon” de Urge Overkill...y con él os dejo, emplazándoos una semana más, donde repasaremos cuatro sorprendentes canciones de segunda mano, os espero, y cuidadito con los excesos de estas fiestas, que pasaré lista!...


jueves, 13 de diciembre de 2012

James Hunter “An overnight success that's taken 20 years...”








Casi debo comenzar este post pidiendo perdón, y es que me siento avergonzado, hace algunas semanas, dejándome llevar por una contenida euforia, os contaba las excelencias de una emergente estrella retro-underground británica llamado Si Cranstoun, en aquel post, sin elevarle a los altares, le comparabamos con grandes estrellas como Jackie Wilson o Nappy Brown, mientras definíamos su presencia junto a otros nuevos y emergentes talentos musicales con pretensiones "revival". Pues bien, no es que me desdiga de nada de aquel post, el muchacho me gusta y tiene un punto refrescante y divertido muy de agradecer, pero entre tato palabrerío y comparativas, olvidé ni siquiera nombrar, a un tipo que lleva años haciendo esto mismo mucho mejor, y con mas estilo y personalidad que muchos de estos jóvenes voluntariosos. Sé mejor que nadie, que cuando escribes un post, siempre quedan cosas por contar, artistas por nombrar, referencias que citar, etc...pero en este caso en particular, es casi imperdonable no haber citado a nuestro invitado de hoy, mas que nada por que soy un fanático seguidor suyo, y llevo años escuchando y disfrutando de su música, y no pierdo la ocasión de compartirla con los demás. Por eso, hoy, con la escusa de la redención de este humilde transmisor, os traigo a Grafistantaneas, a un artista único, autentico, que huye de la etiqueta "retro", para constituirse en abanderado de la continuidad de un sonido que, simplemente, se había tomado un descanso...


 
Y es que el bueno de Hunter, a sus 50 años, lleva desde los 80 dedicándose profesionalmente a la música, tocando y cantando con artistas de la talla de Van Morrison, pero el "éxito", aunque minoritario, se le ha resistido hasta el nuevo siglo. Es por eso que se toma con cierta ironía que lo etiqueten de "artista revelación". Su historia parece extraída de la biografía de un bluesman del delta del Mississipi, nacido en 1962, James Hunter se crió en un remolque aparcado en medio de un campo de cebollas. Allí solía rebuscar entre los viejos discos que, junto a un gramófono, le regaló su abuela, las voces de Jackie Wilson o Sam Cooke, le parecían mucho más mágicas y atrayentes que la música pop que emitían las emisoras de radio, aunque él era un paliducho de ojos azules, la voz de aquellos tipos de color le sonaban tremendamente familiares y acogedoras. A principios de los 80, bajo el seudónimo de Howlin Wilf, comienza a tocar Blues y Soul por los locales del Condado de Essex, durante el día se deja la espalda trabajando como obrero del ferrocarril en su Colchester natal. En poco tiempo consigue un estable calendario de conciertos en Londres, por lo que decide abandonar su trabajo y mudarse a la gran ciudad. Una vez instalado comienza a mostrar su trabajo a las discográficas, una de sus maquetas causó muy buena impresión al productor de Ace Records, Ted Carroll. En poco tiempo le monta una nueva banda, "Howlin' Wilf and the Vee-Jays", y le produce su primer disco "Wilf Cry" (1986), un irregular, aunque prometedor, compendio de las influencias musicales de Hunter. Una prometedora opera prima que partiendo de una base principalmente Rythm and Blues, deja influenciar su sonido por el Reggae, el Blues mas ortodoxo, Rock and Roll mas divertido, o el "New Orleans Style", versioneando clásicos como el "Summertime" de  Gershwin, "Ya ya" de Lee Dorsey o el "Hello Stranger" de Barbara Lewis.



La banda se disuelve pronto, aunque Hunter continúa en solitario como Howlin' Wilf, hasta principios de los 90 graba otros tres discos mas, en ellos compone sus primeros temas, canta, toca la harmónica y la guitarra, siempre moviéndose entre el Blues y el Soul. Se mantiene tocando en pequeños clubs de Londres, como el Pub Weavers en Islington o el 100 Club de Oxford Street. Pero el destino jugó una carta inesperada a su favor, una mañana, cuando el mítico músico Van Morrison se encontraba comprando el periódico, un amigable fan le pide su opinión acerca de ese cantante blanco de  Soul, con voz negra, que andaba tocando por el norte de Londres. Intrigado, Morrison acude a verlo cantar a un concierto en Gales, su peculiar estilo y su voz tranquila, llama poderosamente la atención del irlandés. Impresionado por el talento de Hunter, decide convertirse en su padrino, definiéndole como "una de las mejores voces y el secreto mejor guardado del Rythm and Blues británico". Durante los próximos años, Hunter acompaña a Morrison durante sus giras y conciertos, toca la guitarra y canta junto al mítico artista, su nombre aparece entre los músicos de los álbumes "A Night in San Francisco" (1994) y "Days Like This" (1995). Incluso saca un disco en el que Morrison colabora haciendo algunosos coros, "Believe What I Say" (Ace 1996) con una repercusión muy baja, aunque aceptable. Pero en 2003 un bajón casi acaba con los sueños de nuestro protagonista, con 41, sin un contrato discográfico, sin apenas bolos concertados, tocando en la calle por unas monedas, la carrera de Hunter parecía llegar a su final.

Steve Erdman había sido un fan de James Hunter desde hacia casi 20 años, cuando lo vio tocando en una calle de Camden, de nuevo lo encuentra tocando en una entrada del metro londinense. Habla con él de los viejos tiempos, se preocupa por su trabajo, conversan sobre el futuro, y finalmente le pide su teléfono. Al llegar a casa, un eufórico Steve, le cuenta a su pareja, Kimberly Guise, su extraordinario encuentro, y en lo que ellos definen como una decisión espontánea, se ponen manos a la obra para crear Go Records, con el único propósito de volver a lanzar la carrera de Hunter. Al entrar al estudio de grabación, Hunter, emocionado y agradecido, decidió dar lo mejor de sí mismo, es en es momento cuando toda su experiencia, los años pasados con Morrison, todo lo vivido, sufrido y aprendido, surge magistralmente de sus composiciones.  Con la ayuda del productor Liam Watson (White Stripes) intentan capturar el auténtico espíritu del Rythm and blues, consiguen un viejo equipo analógico y graban "People Gonna Talk" (Go/Rounder Records, 2006), un impactante y desconcertante disco que podía haber sido grabado perfectamente en 1963. Un resultado con sabor a Sam Cooke, Allen Toussaint, Chuck Berry o Johnny Rivers, siendo todos los temas composiciones nuevas del propio Hunter. El revuelo y la sensación que causó su "nuevo debut" fue antológico, cientos de reseñas en prensa elogiando su trabajo, invitaciones a shows televisivos de medio mundo, alabanzas, grandes conciertos, nominaciones a diversos premios (incluídos los Grammy)... esta vez si, esta vez Hunter lo había conseguido.

En 2008, con el lanzamiento de "The Hard Way"  (Hear Music/Go Records) Hunter se consolida como una de las grandes voces del panteón Pop-Soul, no sólo actual, si no de todos los tiempos. Con su modesta y elegante pose sobre el escenario, su áspera y conmovedora voz, sus atractivas y convincentes melodías, preciosas baladas, pinceladas de ritmo latino, ortodoxos coros Soul, y los sencillos y efectivos arreglos de guitarra, confieren a su trabajo una redondez nada usual en un artista actual, más aún metido en dar continuidad (que no emular) al sonido que hicieron popular, a mediados de los 60, grandes y veneradas figuras de la música. Es por eso que James Hunter debe de partirse el pecho de risa cuando oye hablar de las nuevas luminarias como Si Cranstoun, él, que se ha pasado toda la vida en polvorientos escenarios, locales de diverso pelaje e incluso las calles de media Inglaterra... a ver dónde andan cuando alcancen su edad, se dirá a sí mismo Hunter. Lo cierto es que nos alegramos de un éxito tan merecido, y mientras tanto disfrutamos de su música, esperando que sólo sea el comienzo y nos quede Hunter para rato...


jueves, 6 de diciembre de 2012

Canciones de Segunda Mano (one)







Como sabéis, siempre ando indagando en busca del dato (musical) perdido, la curiosidad detrás de la canción, el origen de temas populares, y cosas por el estilo. El resultado de estas investigaciones casi siempre acaban en las secciones de "Versión Original" ó "Canciones con historia", pero en muchos casos me encuentro con que el resultado apenas da para unas líneas. Aún así he ido recopilando un buen puñado de canciones, que en su momento fueron muy populares, atribuidas por la gran mayoría a los artistas que la llevaron a la cima de la popularidad, dejando en el limbo de los olvidados a aquellos que la interpretaron por primera vez, sin la suerte de sus predecesores. Quizás no tengan historias tan jugosas como las de "Twist and Shout", "My Way", “Love is Strange” , "Hey Joe", o "Hooked on a Feeling", por ejemplo, tal vez no merecieran la gloria, tal vez no tuvieron la chispa necesaria, quizá no era el momento adecuado, o la difusión no fue la mas acertada, pero al menos, nosotros, nos acordamos que (como cantaban Morcillo el Bellaco y los Ritmicos) "ellos lo hicieron primero"...

No se puede decir que The Walker Brothers, pertenezcan al fenómeno "One hit wonder" (artistas que se recuerdan por un sólo y muy sonado éxito), sin embargo es innegable que si permanecen en la memoria colectiva de todos nosotros, es sin duda gracias a su interpretación de "The sun ain’t gonna shine anymore". Un precioso tema de ampulosos arreglos orquestales, con el que el trío de California (afincado en Londres) tocara el cielo del éxito en 1966. Realmente, the Walker Brothers, ni eran hermanos, ni se apellidaban Walker, pero en plena fiebre británica, con the Beatles y Stones como bandera, consiguieron, con su pulcra imagen y engolado estilo (a medio camino entre the Byrds y the Rigtheus Brothers), conquistar las listas británicas, manteniéndose número uno de ventas durante un mes consecutivo con este tema, extendiendo su popularidad a medio mundo, un tema que, como ya debéis imaginar, no era suyo. El tema fue compuesto un año antes por el productor de los Four Seasons, Bob Crewe y el teclista, compositor y vocalista de la banda, Bob Gaudio, "The sun ain’t gonna shine anymore" debía ser la perfecta rampa de despegue del líder vocal del grupo, el italo-americano Frankie Valli. Un tema (realmente grabado en una de las sesiones de grabación junto a los Four Seasons) que se alejaba un poco de la línea habitual del cuarteto de Jersey, y que Valli redondeó con su acostumbrada calidad vocal e interpretativa, sin embargo el sencillo no caló entre la audiencia, quedándose fuera del Top 100 americano y, por tanto, ni siquiera sonó en Europa, lo que abrió las puertas del mercado británico al expatriadfo trío Walker Brothers  un año mas tarde, ya que allí era un tema completamente nuevo...



Afortunadamente Valli, era un artista conocido y con una gran carrera a sus espaldas, por lo que continuó a lo suyo sin darle mayor importancia, otros artistas no tuvieron esa misma suerte... Una tarde de 1958, la hija del compositor norteamericano Julius Edward Dixson llegó a su casa con el resto de un caramelo pegado al pelo, la engorrosa faena de quitar el pegajoso dulce de los rizos de la pequeña, hizo que Julius llegara tarde al trabajo, pero también le sirvió de inspiración para (junto a Beberly Ross) crear un pegadizo tema, "Lollipop". Sentado al piano de su casa, con Beberly como vocalista, y con la ayuda de Ronald Gumm, un vecino de 13 años de Dixon, grabaron una demo bajo el seudónimo de Ronald y Ruby (foto de cabecera. La RCA se interesó rápidamente por el tema, y fue lanzado de inmediato, consiguiendo llegar hasta el puesto 20 de las listas. Pero había un problema, muchas emisoras rechazaron emitir "Lollipop", a pesar del seudónimo (idea de la madre de Gumm), enseguida trascendió que el muchacho era negro, mientras Beberly era blanca, un dúo interracial no estaba bien visto en ese momento. Pero los de RCA no quisieron dejar pasar la oportunidad, así que endosa la canción a un cuarteto de perfectas y virginales voces blancas de larga trayectoria profesional. The Chordettes eran una apuesta segura, impecable imagen de perfecta ama de casa, y un estilo vocal limpio y armónico con el que ya habían conquistado al público desde 1954 con "Mr. Sandman". Unas semanas mas tarde del lanzamiento de la versión original, las Chordettes conseguían llegar al top 2 de pop y 3 de Rythm and Blues. Como curiosidad, os diré que en el Reino unido no lo tuvieron tan fácil, ya que en el puesto número 2 otra versión de "Lollipop" impidió el paso de las americanas, la de un grupo familiar de Bedfordshire, llamados The Mudlarks.



Se trata de un tema mítico, lanzado como sencillo en diciembre de 1965, llegó a los primeros puestos de las listas, tanto en USA como en el Reino Unido. Fue un éxito inesperado, sobre todo para la banda, ya que los de Capitol Records decidieron lanzarlo sin la autorización de estos. Y es que los Beach Boys andaban inmersos en dar un paso evolutivo en su sonido, y no confiaban mucho en que "Barbara Ann" fuera a ayudarles en su cambio de rumbo. Curiosamente, el tema (recogido al final del disco "Beach Boys Party", un falso directo con aplausos y voces añadidas) está interpretado a la limón por Brian Wilson y Dean Torrence (mitad del dúo surfero Jan and Dean), aunque la colaboración de Dean no se reflejó en los créditos del disco, pero podemos escuchar al final de la canción la voz de Wilson diciendo "...thank's Dean!". Pero nos tenemos que remontar hasta 1958 para encontrar el origen de "Barbara Ann", y es que así se llamaba la chica a quien estaba dedicado el tema, la hermana del compositor Fred Fassert. Pero Fred tenía otro hermano, Chuck, miembro de un grupo vocal del Bronx, en el que había comenzado su carrera otro compositor imprescindible para el Doowop, Ernie Maresca, el grupo se hacían llamar los Regents (nombre que escogieron mientras grababan en los estudios Regent Sound, donde el vocalista Chico Villari fumaba unos cigarrillos "Regents"...aquello debió parecerles una señal). El caso es que la canción fue, evidentemente, a parar a la banda del hermano de Fred, grabaron el tema, pero por la falta de un contrato con una discográfica, la inquietud de Maresca por probar otros terrenos y otros diversos motivos, la banda se disuelve sin lanzar el sencillo. En 1962, Eddie Jacobucci, lider del grupo vocal the Consorts se presenta en Cousins Records para una audición, falto de ideas decide proponer "Barbara Ann", la idea gusta a los productores tanto, que se deshacen de the Consorts, y deciden revivir a the Regents y volver a grabar el tema, reúnen a la formación original y vuelven a grabar la canción, semanas mas tarde "Barbara Ann" consigue un número 1 en el distrito de Nueva York, aunque no tuvo una buena difusión a nivel nacional, por lo que no fue mas que un gran éxito local, hasta que la tocaran los Beach Boys, claro.

 ...Y hasta aquí una primera entrega de "canciones de segunda mano", espero que os haya gustado, poco a poco os iré trayendo pequeñas perlas de curiosidades musicales, no dejéis de escuchar música, ni de leer mis post (jaja) un saludo amigos!