sábado, 31 de diciembre de 2011

Canciones con Historia: "Rock Around the Clock"



Queda poco para que acabe el año, pronto el reloj marcará el final mientras anuncia que un nuevo año comienza, y con él renovamos sueños, esperanzas y quemamos viejos lastres. Como homenaje a ese reloj que marca nuestro tiempo de manera implacable, vamos a dedicarle el ultimo post del año, en una canción que, para muchos, significó el comienzo del Rock & Roll. Hoy nos adentramos en el (incierto) comienzo de la música que marcó nuestro pasado siglo XX, y aún hoy nos acompaña, más madura, pero igual de fresca y sorprendente. Finales, comienzos, rock,..tic, tac, tic, tac...

En las primeras páginas de la extensa historia del Rock &Roll está escrito en mayúsculas el nombre de Bill Haley &a his Comets, en 1955 rompieron las barreras que impedían, a una sociedad estadounidense llena de prejuicios, disfrutar de un ritmo que parecía ser exclusivo del público de color. No obstante "Rock Around the Clock" no fue la primera grabación de Rock, ni siquiera el primer éxito de Halley en esta línea, un par de años antes ya había experimentado con temas como "Crazy Man, Crazy" y sobre todo una versión enérgica del ""Shake, Rattle and Roll" de Joe Turner, sin embargo "Rock Around ..." se convirtió en todo un himno para la juventud rebelde de mediados de los 50, y con el tiempo, es considerada como el tema que impulsó y abrió el camino al Rock & Roll, elevándolo por encima de otros estilos musicales.



Hacia mediados de la década de los 50 la música popular estadounidense estaba destinada esencialmente hacía un público esencialmente adulto, melodías románticas, sentimentales, interpretadas mayoritariamente por hombres blancos maduros y seductores o mujeres elegantes y discretas que entornaban los ojos al cantar frente a una gran orquesta. Por otro lado estaba la música negra, demasiado underground, confusa y profunda, para el adolescente americano, por lo que aquella generación de teenagers no se sentían identificados con aquellos sonidos. Es por eso que con la entrada de músicos blancos en el aquel ritmo seminal y alegre, que combinaba Swing, Blues e incluso Country, la historia de la música cambiaría radicalmente, "Rock Around the Clock" fue de aquellos primigenios temas, erigido en estandarte de toda una generación.

La verdad es que las bases del Rock & Roll se pueden identificar desde mucho tiempo atrás, en grabaciones de Blues de incluso los años 20, o en los temas orquestales de gente como Louis Jordan, por ejemplo, algunos incluso dicen que el Rock & Roll no era más que Rithm & Blues interpretado por blancos, no vamos a entrar en esto (de momento) y vamos a la historia de este tema tan popular. "We're Gonna Rock Around the Clock Tonight!", que es como se llamó el tema en su origen, estaba compuesto por Jimmy Myers (ó "Jimmy DeKnight") y Max Freedman hacia finales de 1952, aunque la autoría exacta del tema es aún causa de disputa, ya que muchos expertos afirman que el único autor fue Freeman. En realidad esto no nos importa demasiado, según biografía de Bill Haley escrita por John Swenson, el tema se lo ofrecieron originalmente, a raíz de su exito con "Crazy Man, Crazy", incluso llegaron a ensayar un par de veces, pero su productor (Dave Miller) le prohibe grabarla para su sello discográfico Essex, probablemente por alguna disputa con Myers (se cuenta que un día "pilló" a Bill con la partitura en las manos y se la partió en mil pedazos). Finalmente la primera grabación de la canción corrió a cargo de la banda italoamericana Sonny Dae and his Knights, quien, dirigidos por Pascual Vennitti, en el sello Arcade, sólo consiguieron un tímido éxito regional. El sonido del tema es bastante diferente al registro con el que Halley había estado trabajando.



Meses más tarde Bill Halley firma con Decca Records y comienza a trabajar de nuevo en el tema. De nuevo decide darle un nuevo estilo, algo en lo que se siente cómodo, sus base musical es básicamente el Country, sin embargo había comprobado con su antigua formación The Saddlemen, que la fusión con el Rithm & Blues funcionaba de manera espectacular , por ejemplo con "Rocket 88" (1951). Muchas son las influencias que se le acreditan a "Rock Around the Clock": un tema instrumental de Leroy Anderson llamado "The Syncopated Clock", un swing de los años 30 con cierta cadencia similar "My Daddy Rocks Me (with one steady roll)" popular en la voz de Trixie Smith, en cuyo título ya podemos componer el nombre del futuro estilo musical, o el tema de 1940 "Around The Clock" de Big Joe Turner (Big Vernon)...pero aunque etimológicamente tienen similitudes, son canciones muy distintas. En mi opinión , y conociendo las raíces de Halley, su verdadera inspiración (tal y como apuntó Duanne Eddy años más tarde) se encuentra en el tema de Hank Williams "Move It On Over".



Bill Haley & his Comets grabaron el tema el 12 de Abril de 1954, en una accidentada grabación donde pasó casi de todo, casi no llegan por que el Ferry en el que viajaban quedó encallado en la arena, la voz de Halley quedaba ahogada por la banda en la grabación, fallos con el batería...Pero el tema funcionó, el espaldarazo definitivo lo recibe cuando es introducida en el Sountrack de "Blackboard Jungle" (Semilla de maldad, Richard Brooks 1955), llevándola al nº1 en todas las listas y desatando por primera vez la fiebre mundial del rock and roll. Aunque Halley nunca tuvo el aspecto de un joven rebelde, ni fue el arquetipo del rockero al uso, los datos hablan por sí mismos "Rock Around the Clock" fue una de, si no es la grabación más influyente de la segunda mitad del siglo 20. Punto de inflexión y referencia básica y reconocida para varias generaciones de músicos, estandarte de una generación, Rock clásico en estado puro. Tál vez no sea la mejor canción de la historia, pero, en muchos sentidos fue, la canción perfecta en el momento adecuado....Y el mundo cambió desde entonces.....Feliz año a todos!!!


martes, 20 de diciembre de 2011

"Killing Me Softly with His Song" de Buddy Holly a Roberta Flack...



La verdad es que el post que preparaba iba a ir dedicado a un tema super popular, pero la historia que le rodea es de sobra conocida, así que pasé a otro, y casualmente descubrí una delicada conexión entre ambas historias, finalmente decidí unirlas en un sólo artículo con una trama un tanto enrevesada, aunque curiosa al fin y al cabo...Espero que os guste y que lo disfrutéis al menos, lo mismo que yo cuando lo escribo...

La historia del accidente es de sobra conocida, tras un bolo en Clear Lake (Iowa), Buddy Holly decide alquilar una avioneta para evitar un regreso en un autobús con la calefacción averiada a un montón de grados bajo cero, y así poder descansar para el proximo evento de la gira: "Winter Dance Party" en Moorhead (Minnesota). El avión nunca llegó a su destino, estrellándose en medio de un campo de maíz, una gélida mañana del 3 de febrero de 1959, junto a él (y el piloto, Roger Peterson) fallecían otras dos estrellas del pop the Big Bopper y Ritchie Valens. Aquel día fue una conmoción total entre los amantes de la música, sin embargo apenas había durado un año y medio y sólo contaba con un número uno "That'll Be The Day", y algunos otros éxitos de diverso calado "Peggy Sue", "Everyday","Oh Boy!"... Los otros dos artistan son un caso parecido, the Big Bopper, aunque era un D.J muy popular estaba triunfando unicamente gracias a "Chantilly Lace", mientras que Valens era una incipiente estrella de tan solo 18 años que triunfaba con "La Bamba".



En principio tan trágico suceso no parece tener tantos ingredientes para ser convertido en una leyenda, en un principio, tan sólo Tommy Dee les dedicó un tema "Three stars", dos días después del accidente, Eddie Cochran también la hizo popular, iba a ser un single benéfico para la familia de sus compañeros, pero Liberty, no supo (ni quiso saber) cómo se hacía eso y se embolsó los beneficios (fue disco de oro), por su parte Cochran comenzó a tener pánico a volar, y voló...pero atravesando el parabrisas de un Ford Consul del 59 .
Habría que esperar más de 10 años para que otro artista evocara este fatídico momento, y lo hizo como metáfora del momento en el que Estados Unidos estaba perdiendo su última pizca de inocencia. Se incluía en su álbum homónimo de 1971, Don McLean, con el curioso título de "American Pie", presuntamente estaba dedicada a Holly, pero en su letra no se nombra a ninguno de los artistas fallecidos y todavía hoy se debate sobre el significado de la canción, habla sobre la muerte del Rock&roll, sobre vivir rápido y morir joven, sobre el fin del american way of life ...pero ni siquiera McLean explicó jamás su significado real. En cualquier caso, la frase "the day that music died" ha pasado a la historia como un referente hacia ese día de 1959.



"American Pie" fue un éxito inmediato, se mantuvo un par de semanas en lo alto de las listas, mientras McLean llenaba las salas de conciertos. Fue en uno de estos concierto donde la escritora y cantante de California (aunque se crió en Suiza) Lori Lieberman, quedó fascinada por el estilo y la música de McLean, según algunos fue escuchando "American Pie" cuando quedó fascinada y le vino la inspiración (bastante improbable), pero es mas lógico pensar que fue durante la interpretación de otro de los temas de Don: "Empty Chairs", el caso es que horas después Lori escribiría unos poemas dedicados a la experiencia de aquel concierto de McLean, en los que confesaba que la "estaba matando suavemente" con su canción. Norman Gimbel y Charles Fox escribieron "Killing Me Softly" sobre esa base y la primera versión fue grabada por la propia Lieberman.



Y llegamos al final, la versión que triunfó (y que todo el mundo recuerda) fue la grabada por la cantante de Carolina del Norte, Roberta Flack, manteniendose en el número uno más de cinco semanas consecutivas. Fue nominada a los Grammy como mejor canción ese mismo año, curiosamente ( y esta és la última de las casualidades) "American Pie" se enfrentaba a ella en la misma categoría, finalmente fue Roberta Flack quien se llevara el gato al agua, ganando tres galardones...Y esto es todo, sólo me queda desearos que disfrutéis de estas navidades y un buen fin de año a todos y todas...Mucha suerte y mucha música!!


jueves, 15 de diciembre de 2011

Mike Rios "El Rey del Twist"






Maximo exponente e impulsor del rock nacional, y junto a Bruno Lomas, el rockero por excelencia de la música española. Hablar de Miguel Rios es hablar de la historia de la música pop en España, con 50 años de carrera impecable, donde ha hecho de todo, su envidiable carrera es un ejemplo para cualquier artista, venga de donde venga, triunfar es fácil (a veces) mantenerse 50 años en todo lo alto, casi imposible. Pero hoy no voy a hablaros del Miguel Rios que conoce todo el mundo, el gran artista de "El río", "Vuelvo a Granada", "Santa Lucía", "En el parque", "Himno a la alegría", "Todo a pulmón" o "Que noche la de aquel año" (sólo por nombrar algunas).....hoy quiero reivindicar a aquel joven que comenzó su carrera con su nombre americanizado y que fue conocido como "El rey del Twist"...
La verdad es que a Miguel Rios no le hizo ninguna gracia ver en su primer disco "El Twist" ( Phillips, 1962), el nombre que la discográfica le había impuesto, Mike Rios. En sus propias palabras: "Cuando vi el nombre me llevé una sorpresa tremenda. Y en Granada la gente se reía de mí. Era una sociedad provinciana, que no admitía ningún signo de modernidad. Estábamos inmersos en el tercer mundo". En el inicio de su carrera, y por temas de las modas, Mike Rios no era un rockero, el ritmo de moda era el twist y él se convirtió en el Rey.

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Miguel Ríos nació un siete de junio de 1944 en el barrio de la Cartuja, Granada. Criado en el seno de una familia humilde, fue el menor de los nueve hijos que tuvieron Antonia Campaña y Miguel Ríos. Como eran tiempos duros, al acabar los estudios en los Salesianos (donde ya comenzó a destacar con su voz, haciendo muchas veces de "solista", e incluso representando Zarzuelas), Miguel se tuvo que poner a currar, con quince años comenzó a trabajar en los Almacenes Olmedo de Granada, como dependiente de telas. Miguel odiaba aquel trabajo, una rutina y un empleo que no le aportaba nada. Hasta que en los almacenes abrieron una sección de discos, allí comienza a descubrir un nuevo mundo, Miguel era un apasionado de los llamados "ritmos modernos" que emisoras como Radio Sevilla o Radio Morón emitían. Debido a su entusiasmo y conocimiento del tema, lo trasladan a la nueva sección. Allí disfruta un poco más, es donde conoce a Carlos Vallejo (representante de una tienda de música), con quien entabla amistad y le ayuda a grabar una primera "maqueta" para un concurso de Radio Granada. Gracias a ella, abandona los grandes almacenes y con tan sólo 17 años comienza a cantar junto a la Orquesta Nevada en la parrilla del Hotel Nevada. Canta los nuevos ritmos que llegan de EE.UU. en lo que él mismo definiría como “ingles de los montes”, mientras tenía continuas disputas con el dueño del hotel por ir con pantalones cortos.

Tras mucho insistir convence a los directivos de Radio Granada que le graben una maqueta más profesional para enviar a Madrid, a la casa Philips. Así lo hacen, pasa el tiempo, y la respuesta no llega, finalmente le responden: Si se paga el viaje y la estancia en Madrid, le ofrecen la posibilidad de grabar un sencillo. A finales de 1961 deja su Granada natal y comienza una nueva etapa de su vida. Sobrevive en una pensión mientras pasa el tiempo, finalmente la discográfica decide sacarle provecho al muchacho, se impone un nuevo ritmo de moda (el twist), así que envían al joven Miguel a sus estudios del Paseo de las Delicias 65 para grabar su primer Ep. El problema es que en aquel momento no existían grupos de pop para acompañamiento, por lo que la discográfica echa mano de unos de sus músicos de estudio, Filippo Carletti e il suo Complesso, una banda que no sabía que esa eso del twist, ni como había que tocarlo, fue un desastre, el batería no sabía como tocar aquello y hubo que llamar a otro de apoyo, uno tocaba la caja y el bombo, mientras el otro llevaba el "sixteen beat" del twist con el plato. En sus primeras portadas el característico lunar de Rios fue retocado, otro tema de desacuerdo con el artista, estaba orgulloso de su nombre, tanto como de su imagen.
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Era 1962, Mike tenía 17 años, 3.000 pesetas en el bolsillo y un disco en el mercado, eran días de versiones, de grabar en directo, sin casi ensayar. Miguel (por entonces Mike) solía comparar sus versiones con las originales, para comprobar el esfuerzo que habían tenido que hacer para que no sonase raro...Entonces pensaba que el español era un idioma hostil para el Rock&Roll, y que había que reinventar la fórmula. Lo primero que hizo fue prescindir de la orquestas, nuevos grupos estaban surgiendo en el panorama musical, había tocado con ellos en las matinales del Price (junto a grupos como los Tonys, Los Extraños, Les Chats Noires...), y eran capaces de seguir su ritmo, así que Mike los requirió para sus grabaciones, unos eran Los Relámpagos, y otros Los Sónor, echando mano de ellos según la canción a grabar. Así llegarían temas en clave rock como “Popotitos” (1962), “La pecosita” y “Da-do-ron-ron” (1963), mezcladas con ritmos del momento (Twist, Madison) "The Loco-Motion", baladas Doowop "El ritmo de la lluvia", versiones de temas franceses o italianos "Oh, mi señor" ("O mio signore" de Mogol, Vianello y Mapel), durante sus primeros años de carrera por su voz pasan todos los temas de moda ("Ruby Baby", "Quieres bailar" ("Do you wanna dance"), "Un diablo disfrazado" ("Devil in Disguise"),"Chica Ye Yé" y poco a poco se aleja del Twist (nunca le gustó demasiado) y va imponiendo un estilo propio a estos temas tan versionados, un sello que es propio de Rios: la versatilidad, la adaptacion..

Mike aparece en su primera participación cinematográfica "Dos chicas locas" (Pedro Lazaga 1964) junto a Pili y Mili, en ese momento decide "matar" a su alter-ego Mike, para renacer con su nombre real Miguel Rios. Decide fichar por la incipiente Sonoplay, intentando hacer incapié en el Rock &Roll, no trabaja mucho pero gana un buen sueldo, así que decide labrarse una nueva carrera, con la ayuda de su amigo Fernando Arbex . Poco a poco las versiones van dejando paso a temas originales, comienza a recurrir a compositores en alza como Pablo Herrero y Jose luis Armenteros, el propio Arbex o Waldo de los Rios. En 1968 sale el primer tema escrito completamente por él, aparece como cara B del single "El río", y es uno de sus grandes hits "Vuelvo a Granada". Había comenzado a reinventar el rock español, su estilo se impone y comienza a abrir fronteras ("Himno a la Alegría") siete millones de copias vendidas en todo el mundo, número 1 en Estados Unidos, Alemania, Francia, Italia y Reino Unido, además de tener gran éxito en otros países como Japón, Suecia, Austria, Holanda, Canadá....en los 70 y 80 se consolida como el gran jefe del Rock nacional, evoluciona hacia el Jazz, el rock sinfónico, se atreve con todo... pero esa es otra historia, que dejaremos para más adelante.

Miguel Rios es sinónimo de Rock español, hoy leyenda y referente de nuestra música, pero para muchos nostálgicos, entre los que me incluyo, también son importantes sus inicios, el de un Mike que llenaba sus discos de versiones y preciosas melodías "Oldies" que han quedado un tanto olvidadas y relegadas por el impresionante repertorio y currículum de su verdadero ser, otro mito...Miguel Rios...

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miércoles, 7 de diciembre de 2011

Versión Original: "The House of the Rising Sun"



Fue un 7 de Diciembre, en 1968, cuando Eric Burdon, líder de una de las más míticas bandas británicas de la historia, hacía pública su intención de disolver the Animals....Una triste efeméride que me da una excelente excusa para hablar de ellos y de uno de sus más míticos temas. Un tema popular que cobra intensidad en la potente (y a la vez ronca) voz de Burdon, bien arropado por el eficaz órgano (un piano eléctrico Wurlitzer, muy similar al Fender Rhodes que utilizara Ray Manzarek para the Doors) tocado por un inspirado Alan Price (antes de abandonar la banda por su miedo a volar).

"The House of the Rising Sun" ("La casa del sol naciente", como la cantaron nuestros Bruno Lomas, Els Dracs, Micky y Los Tonys, Los Diablos Negros, Los Ágaros, César y Sus Senadores, Los Junior’s, Los Catinos o Lone Star) fue grabada por The Animals en una sola toma el 18 de mayo de 1964, su comienzo, un arpegio en "La" menor, ejecutado por Hilton Valentine, es, simplemente, historia de la música. Habían interpretado el tema en diversas ocasiones durante una gira junto a Chuck Berry, lo utilizaban para acabar sus actuaciones y así diferenciarse de otras bandas británicas, que explotaban los temas Rock&Roll. Aunque el público en principio se sintio desconcertado, finalmente fue todo un acierto y, el productor Mickie Most, vio un posible éxito en esta interpretación. Y así fue, número uno en UK en Julio de 1964, para después (en septiembre) convertirse en el primer número uno de la "British Invasion" en Estados Unidos que no era de los Beatles...Era un sonido nuevo, pero que para los americanos era familiar, y propio, muy arraigado a sus raíces y su historia.....



Pero el sónido de aquel tema, aunque renovado, no era exclusivo de The Animals, de echo se dice que se basaron en las versiones de Joan Baez (1959), o Bob Dylan (1961) para hacerla, es evidente la huella de Dylan, innegable, más bien, pero no es un plagio, cuando hablamos de una versión de un tema popular, no existe el plagio, y Dylan dio unas pautas que gustaron a Burdon y sus colegas, pero no siguieron al pie de la letra, de echo las ignoraron relativamente para utilizarlas en un nuevo concepto...y así crearon el clásico...pero hay que reconocer a Dylan su visión a la hora de recuperar los temas tradicionales y acercarlos al público americano. Pero fue la de the Animals, la que alcanzaría el número uno, quizás por que fuesen ingleses y en medio de aquella "invasión", se convertía en éxito casi todo aquello que sonaba de los nuevos grupos venidos de la Pérfida Albión. Unos jovenes británicos que refrescaban los sonidos Blues y Folk americanos, reconvirtiendolos en nuevas y desafiantes melodías para todo el auditorio, en especial para el público Norteamericano.

Al parecer la grabación más antigua del tema se remonta a 1934, y está hecha por Clarence Ashley y Gwen Foster, que aprendieron el tema de su abuelo. El tema habla, evidentemente, de Nueva Orleans, una ciudad de pasado francés, español, y anglosajón, que se mezcla con la cultura afroamericana, un crisol especialmente óptimo para proliferar el vicio, la corrupción y la inmoralidad a principios del siglo XX. Esos son el origen del tema, la canción narra en primera persona como "alguien" (hombre o mujer) se ha arruinado (económica o moralmente) en "La casa del sol naciente". De aquí viene la polémica, si es una mujer, se trata de una prostituta que se ha vendido y no encuentra salida, pero si es un hombre, puede hablar de un prostíbulo o una casa de juegos en la que la única manera de salir es seguir jugando... (en mi opinión la primera es más acertada).



Una vez en que todos están de acuerdo de que se trata de un tema popular americano, se interpreta desde las dos perspectivas a lo largo de la historia, desde la perspectiva masculina y la femenina. Por otro lado está la "veracidad" de la história, las distintas hipótesis se basan en datos confusos, uno, un Hotel de mala reputación en la Conti street,en el French Quarter en los años 20, y otro, un lugar destinado para bailes y festejos llamado "Rising Sun Hall" de finales del XIX, frente al río Missouri en el vecindario de Carrollton. "The Rising Sun" desde los inicios del tema queda relegado como un eufemismo de prostíbulo o casa de juegos, una guia de Nueva Orleans asegura que se ubicaba en la calle St. Louis St. 826-830 entre 1862 y 1874. al parecer la regentaba una tal Marianne Le Soleil Levant..."Sol naciente" en francés...leyendas, histórias para atraer al turismo...? no sé, de momento que me quedo con la teoría de que fue escrita por por dos norteamericanos de Kentucky, Georgia Turner y Bert Martin, basándose en una melodía de origen vritánica, tal y como cuenta el folclorista Alan Lomax (autor del libro "Our Singing Country", 1941), pero dejo abierta la polémica...

Los origenes del temas son imprecisos, pero eso no nos impide disfrutar de una gran canción que ha hecho historia de la música...venga de donde venga!


jueves, 1 de diciembre de 2011

Canciones con Historia: "Johnny B. Goode"




Este tema en realidad no debía estar en "Canciones con historia", no es justo, por que más bien debía ser "Canciones que hicieron historia". Por que en realidad eso es lo que es, posiblemente una de las primeras canciones de Rock & Roll puro de la historia, palabras mayores, un ritmo endiablado, pegadizo, un estupendo riff de guitarra, sencillo pero efectivo...una formula sencilla directa y genial, puro Rock. En palabras de Marty McFly ("Regreso al futuro", Robert Zemeckis, 1985) : “Se trata de un riff blusero en Si, vigilad los cambios y no os perdáis”, con esas premisas clava el tema, cosas del cine, aunque en realidad su sencillez es lo que la hace tan grande...

Charles Edward Anderson: "Chuck" Berry (St. Louis, Missouri, 1926) se había forjado una carrera como guitarrista de blues en bandas como "Sir John's Trio", o "Chuck Berry Combo". En su ciudad natal sólo había otra banda de su estilo con la que competir, y estaba liderada por otro gran guitarrista, Ike Turner. Pronto comienza una carrera en solitario, aparece en algunas películas, pero es en mayo de 1955 cuando su carrera toma un nuevo rumbo. En un viaje a Chicago conoce a Muddy Waters quién le presenta a los hermanos Chess, en su estudio de la avenida South Michigan están impulsando un nuevo sonido, basado en un potente blues eléctrico, así entra a formar parte de Chess Records. En los siguientes años se convierte en la estrella mas rentable del sello, y su sonido, un referente y una influencia fundamental para la evolución del Rock & Roll.



"Johnny B. Goode" fue escrita e interpretada por Chuck Berry en 1958, publicada el mismo año en su disco "Chuck Berry is on Top". Veamos, la letra del tema es un reflejo del sueño americano, versión Rock & Roll, cuenta la historia de un joven campesino de Louisiana, pobre y sin estudios que se abre camino en la vida gracias a su talento con la guitarra y a su esfuerzo. Evidentemente se trata, en gran parte, de un tema autobiográfico de Chuck, parte de la inspiración del tema se atribuye a un colaborador habitual de la Chess, que había tocado con Berry, Muddy Waters o Little Walter, se trata del pianista Johnnie Johnson, con quien compuso algunos de sus mayores éxitos "School Days","Carol","Nadine"...De hecho el título del tema hace alusión al comportamiento de Johnnie cuando bebía (que lo hacía demasiado), a modo de broma interna entre los compañeros "Johnny sé bueno"...

Analizando el título vemos a "Johnny", evidentemente por Johnson, y luego dos de doble sentido, "B" , en inglés "be" (sér) y por Berry, y finalmente "Goode" (Good, en inglés: bueno) y la calle de St. Luis donde se crió Chuck Berry, Goode Street. En la primera versión Berry ponía como protagonista de su historia a un "coloured boy" (chico negro), pero Leonard Chess pensó que podía parecer reivindicativa o racial, así que decidieron cambiar la letra, y que simplemente hablara de un "country boy" (chico de campo). Lo curioso es que en la grabación de el tema no estuvo Johnnie Johnson, quien toca el piano es otro habitual de la Chess, Lafayette Leake.






Luego está el Riff de inicio del tema, posiblemente de los más famosos de la historia, junto al de "Smoke on the Water" de Deep Purple, "(I Cant’ Get No) Satisfaction" de los Stones o "Layla" de Derek and the Dominos, por poner algunos ejemplos. Un riff sencillo, reconocible en sus primeras notas, que triunfa entre el publico sólo con sus cuatros primeros acordes, bueno, pues básicamente está copiado nota por nota del inicio de un tema de Claude Demetrius y Fleecie Moore, que Louis Jordan and His Tympany Five, hicieron popular por el año 1946 "Ain't That Just Like a Woman", pero no podemos, ni mucho menos, de hablar de plagio, como en el caso de George Harrison ("My sweet lord") y las Chiffons ("He's So Fine"), es más una "apropiación inconsciente"... y una vuelta de tuerca más, añadiría yo.

Un tema eterno y mítico, imprescindible para comprender la historia de la música Pop y Rock, versionada hasta la saciedad y primer reto para cualquier aspirante a guitarrista. El éxito de la canción hizo que Berry escribiera dos canciones sobre el personaje Johnny, "Berry ha escrito dos canciones sobre su personaje Johnny, "Bye Bye Johnny" y "Go Go Go", hasta le hizo un álbum instrumental titulado como "Concerto in B. Goode"." y "Go Go Go", hasta le dedicó un álbum instrumental titulado como "Concerto in B. Goode". Un tema bueno si más que viaja por el espacio en el disco de oro de las sondas Voyager, como salutaciones para cualquier tipo de vida extraterrestre, quizás si escuchan a Berry, y no a Lady Gaga se decidan a venir...un saludo!

jueves, 24 de noviembre de 2011

Versión Original: "The crying game"



En el momento de su estreno fue una película envuelta en polémicas, recibida con entusiasmo y prejuicios a partes iguales, "Juego de lágrimas" (1992, Neil Jordan), la relación entre la pareja protagonista (Stephen Rea y Jaye Davidson) abría un debate sobre el deseo, el cariño y la unión entre dos personas más allá de los prejuicios y la condición sexual. Pero en su trama había mucho más profundidad argumental, abordaba temas espinosos como el terrorismo en Irlanda, el espionaje, el racismo, la traición... Fue premiada en diversos festivales, incluyendo seis nominaciones a los Oscar's, de las cuales sólo se llevó el de mejor guión original. La BSO, la firmaba Anne Dudley (Art of Noise) que posteriormente ganaría un Oscar por su composición para otro film británico "The Full Monty". Pero el tema principal de la película "The crying game" lo interpretaba magistralmente George Alan O'Dowd más conocido como Boy George (Culture Club), una interpretación pop, melancólica y triste, una oda al desamor que fue un éxito absoluto en casi todo el mundo. Sin embargo la carrera en solitario de George no terminó de despegar, se dedicó a la literatura, la fotografía, el diseño de modas y al consumo de diversos estupefacientes, tras una demanda de paternidad fue detenido en 2008 por mantener secuestrado y esposado en su casa a un gigoló noruego de 29 años...pero esa no es la historia que nos interesa hoy...



Lo que mucha gente no conocía en los 90 cuando escuchaba el tema, era que ya tenía unos cuantos años. Cantantes como Percy Sledge, Chris Spedding ya habían cantado tán sentidas notas, posteriormente (en 1993) el guitarrista líder de The Shadows, Hank Marvin, también haría su propia versión. Pero vayamos mucho más atrás, concretamente a 1965. Brenda Mae Tarpley (conocida artísticamente como Brenda Lee) había sido una "niña prodigio", sus primeros éxitos llegarían cuando apenas tenía 12 años, "Jambalaya" o "Dynamite" con el que se ganó el apodo de “Miss Little Dynamite”. Su poderosa voz la convirtieron en una verdadera princesa del pop, "Sweet Nothings" o "I’m Sorry" la colocan pronto en la cima del éxito, convertida en estrella internacional gira por todo el mundo Francia, Italia, Alemania, Gran Bretaña... En 1965 graba en Nashville "One Rainy Night in Tokyo", tema que conquista a los nipones y le abre las puertas a una gira por Japón. Es justo ese mismo año que graba para Decca una versión de "Crying Game" , un single que obtiene un tibio resultado, aunque la carrera de la de Atlanta continúa en ascenso, una trayectoria envidiable, de la que otro día os daré buena cuenta...



Y llegamos al final que, como siempre, es el principio. "The Crying Game" fue escrita en julio de 1964 por "Geoff" Geoffrey Stephens, un compositor británico de bastante calado en las décadas de los 60 y 70. Sus mejores trabajos los haría para gente como the Hollies ("Sorry Suzanne"), Cliff Richard ("Goodbye Sam, Hello Samantha"), The Drifters ("Like Sister And Brother"), Crystal Gayle ("It's Like We Never Said Goodbye"), Ken Dodd ("Tears Won’t Wash Away These Heartaches")... Pero la inquietante melodía de nuestro tema de hoy fue escrita para un nuevo ídolo británico en alza, David Holgate Grundy (más conocido como Dave Berry), y éste fue uno de sus primeros hits, llegando al top 5 de las listas de singles en el Reino Unido. La anécdota final es que, en la grabación original de el tema suenan las guitarras de unos (entonces) jóvenes músicos de sesión, Big Jim Sullivan (Wildcats, junto a Marty Wilde, y habitual colaborador de Tom Jones) y Jimmy Page (The Yardbirds, Led Zeppelin)...Poco más que contar, hoy ha sido corto, pero espero que os haya interesado, otro día más curiosidades, hasta pronto!!

viernes, 18 de noviembre de 2011

Versión Original: "Hooked on a Feeling"



Fue en 1992 cuando muchos descubrieron este tema, el joven e incontralable genio del cine Quentin Tarantino, con su enorme acierto a la hora de insertar temas populares en sus películas, (re)descubrió este y un buen puñado de buenas canciones más, en la banda sonora de "Reservoir Dogs", su excelente debut como director cinematográfico. "Hooked on a feeling", era uno de los temas principales de aquella banda sonora, la versión que sonaba en la película fue interpretada en 1973 por la banda sueca Blue Swede, esta versión alcanzaría el número 1 un año más tarde durante una semana en los EE.UU., logrando permanecer entre los 100 más populares del Billboard durante 18 semanas consecutivas. Un gran éxito que consiguió un disco de oro, y encabezó listas en sitios como Canadá , Australia y los Países Bajos.



Su característico comienzo, con ese cántico tribal “ooka shaka ooka" hizo que muchos artistas hicieran su versión de este tema, Vonda Shepard la volvería a poner de moda en la BSO de la serie de televisión "Ally McBeal", David Hasselhoff se convertiría en el hazmereír de toda la Red con su patético vídeo en 1999, pero yo prefiero quedarme con la versión que mi admirado Bruno Lomas, "Vente conmigo", cara B del single "Rogaré" del año 1975. Pero debo deciros que la idea de comenzar con este cántico indio tan característico no fue idea de los suecos Blue Swede...



Unos años antes, en 1971,el cantante, productor y figura de la televisión londinense Jonathan King, decidió producir su propia versión de este tema, introduciendo los tan populares sonidos tribales, en realidad, la idea se le había ocurrido tras escuchar un clásico tema escrito por JP Richardson (alias The Big Bopper ) e interpretado por Johnny Preston en 1959, el genial tema "Running Bear", marca su compás constantemente por un canto indio, este fondo gustó mucho a King, y decidió colarlo en su versión de "Hooked on a feeling". El tema tuvo un éxito bastante relativo, King consiguió mejores resultados como productor, llegando a ser nombrado como el Productor del Año, según la revista Music Week, entre 1971 y 1973, gracias a grupos como Bay City Rollers, 10cc, o producciones como The Rocky Horror Show, todos ellos bajo su propio sello discográfico UK Records. Su momento de gloria lo obtuvo en 1975, cuando consiguió un premio como mejor disco del año gracias a (vaya tela) "Una paloma blanca". Pero vamos al tema de hoy, en su comienzo no incluía ese cántico indio, su inicio era mucho más sugerente, y en mi opinión el tema se ha ido estropeando con las sucesivas versiones....



"Hooked on a Feeling" fue escrita en 1968 por el compositor y cantante tejano Mark James, acababa de ser contratado por Chips Moman para su filial en Memphis, ese mismo año también grabaría personalmente para Scepter Records la versión original de lo que sería, un año más tarde, un gran éxito en la voz de Elvis Presley "Suspicious Minds" (posteriormente también compondría para Willie Nelson, un gran hit: "Always On My Mind,"). Pero durante ese periodo de finales de los 60 se dedica más a escribir temas para Brenda Lee y, más especialmente, para un colega de Oklahoma, un chico al que conoce de hace años y con el que había trabajado antes, se trata de Billy Joe "j. B." Thomas, uno de los interpretes en alza en aquel momento.
Poseedor de una de las voces mas distintivas del panorama musical del momento, B.J. Thomas había conseguido algunos temas de relativo éxito para Scepter Records un par de años antes, hacía un pop cercano al Country, incluso alguna versión de temas de gente como Hank Williams. Cuando Thomas y James comenzaron a trabajar juntos la carrera del B.J. tomó un nuevo rumbo. En 1968 los sonidos de moda andaban cambiando continuamente, desde 1965 cuando los Beatles deciden introducir el Sitar en "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", los gustos cambian radicalmente y entre el público se busca una maduréz especial en las composiciones, y los sonidos pseudo psicodélicos, de influencia india inundan el mercado. Con esa idea nace la intro de "Hooked..", un maravilloso Sitar eléctrico que unido a la positividad de la melodía y la voz de Thomas alcanzaría un millón de ventas en los EE.UU. El siguiente éxito de B.J. Thomas vendría de manos de Hal David y Burt Bacharach "Raindrops Keep Fallin' on My Head", presente en nuestra memoria colectiva y unida a Newman y Redford... Pero hoy nos quedamos con la maravillosa versión original de este tema, una melodía optimista y vibrante que cada vez que la oigo, en mi mente, parece que nada puede salir mal...Comparad y disfrutarlo!

jueves, 10 de noviembre de 2011

Ricky Nelson "the Teen-Idol"


Etiquetado por algunos como el típico producto para Norteamerica bienpensante de principios de los 60, una opción de cambio contra los "peligrosos" rockeros tipo Jerry Lee Lewis o Gene Vincent. Nada más lejos de la realidad, Ricky Nelson, tenía un gran talento, entre 1957 y 1963 se convirtió en el segundo cantante que más discos vendió en USA, superado tán sólo por Elvis Presley. Su extensa discografía es un puntal fundamental para entender la evolución de la música pop y rock en general. Quizás su inicio como Teen-idol le marcara especialmente, una etiqueta que casi siempre se asocia a "productos" efímeros, blandos cantantes, impuestos al público por su físico, con temas facilones. Pero Rick fue muchísimo más que todo eso, su enorme talento, su visión y conocimiento de los gustos del momento y su evolución, en especial en los años 60 le harían entrar en el Olympo de las grandes estrellas de la música. Hoy, con mucho respeto y admiración, invitamos a nuestro blog al gran Rick Nelson.

Eric Hilliard Nelson nació en Teaneck, New Jersey, en mayo de 1940. Su padre Ozzie Nelson era un músico bastante bueno, un tipo divertido que se enamoró de una joven actriz, bailarina y cantante, Harriet Hilliard, con la que comenzó a hacer un Show musical-humorístico, cuyo éxito desembocó en un serial de radio, una película y más tarde en una exitosa comedia televisiva que duró cerca de 14 años en antena. "Las aventuras de Ozzie y Harriet" contaba también con los hijos de la pareja, Dave y Eric, el papel del pequeño "Ricky", fue un exito desde su primera aparición, chistoso, descarado, una monada de crio que hacía las delicias de las familias americanas. Rápidamente se convirtió en el personaje más popular de la serie. Toda norteamerica vio crecer al pequeño Rick, que poco a poco se fue convirtiendo en un adolescente guapo y simpático, en un especial de Halloween, Rick apareció disfrazado de Elvis e interpretó uno de sus temas, los índices de audiencia se dispararon y la cadena decidió que Nelson debía cantar en más episodios.





Durante los siguientes años compaginó la televisión con su otra afición, el tenis, con 15 años llegó a ser el número 5 del ranking de California, y el más joven en jugar un torneo nacional, en ese momento pensó que su futuro iba a ser el deporte. Pero en 1956 ocurrió algo que hará cambiar el rumbo profesional de Ricky. Recién estrenado su carnét de conducir y con un flamante coche nuevo (regalo de sus padres por su cumpleaños), a su lado una joven conquista con la que se prometía una tarde "emocionante", pero en medio de un momento romántico, suena en la radio un tema de Elvis, la chica corta de golpe a Nelson y queda extasiada escuchando. Ricky, humillado, le suelta que él también estaba preparando un disco y que pronto sonaría en las emisoras, aquello, por supuesto, no era cierto, y la chica se rió en su cara. Pero Nelson decidió que aquello no podía quedar así, se fue directo a un estudio de grabación donde hizo una versión de "I'm Walkin" de Fats Domino. La canción se emitió en el Show de sus padres y enseguida llegó al número cuatro de las listas, vendiendo un millón de copias en una semana. La carrera músical de Nelson había comenzado.

Cada semana Rick cerraba el Show con uno de sus temas, la difusión que le ofrecía la televisión fue una ventaja ante otros artistas de su generación. Sin embargo la familia Nelson no estaba preparada para tal éxito, la oficina de correos de Hollywood tuvo que asignar una habitación expresamente para los correos de las fans, los Nelson tuvieron que poner un cerco eléctrico alrededor de su casa para evitar que las adolescentes se encaramasen continuamente para ver al muchacho, Rick no pudo asistir a su graduación en la Hollywood High School, por miedo a una anglomeración, la revista life acuñó para él lo que sería una etiqueta para otros artistas menores: Teen-idol (ídolo de adolescentes).





Con un contrato con discos Imperial, decide rodearse de los mejores músico que pueda conseguir, ese interés en controlar la producción fue lo que le distanció de otros artistas de su mismo "corte", Pat Boone, Frankie Avalon...Durante siete años gira junto a gente como Everly Brothers, Eddie Cochran, Gene Vincent...entre los músicos que lo arropan se encuentran James Kirkland, Joe Osborn y el legendario guitarrista James Burton (pionero de la guitarra eléctrica, que tocó junto a los más grandes de todos los estilos), así consigue un sonido limpio y potente, "etiqueta Nelson". Durante ese tiempo compagina diversos estilos, continua con las versiones, pero comienza a probar con diversos compositores: Dorsey Burnette, Sharon Sheeley y Baker Knight, poco a poco consolida un estilo, de vez en cuando rebelde y rockero y (por sugerencia de su padre Ozzie) melódico y romántico. Su talento y presencia en escena le diferenció del resto, tocaba la batería, la guitarra, el clarinete y comenzaba a ser un compositor con talento.

Evidentemente, para una estrella del calibre y calado de Ricky, el cine era una opción necesaria. en 1959 Howard Hawks le elige para protagonizar, junto a John Wayne y Dean Martin, la película "Rio Bravo", todo un clásico del Western que contaba con la banda sonora de Dimitri Tiomkin, que pensó (o quizás fue Hawks) que el tema cantado del film ("My Rifle, My Pony and Me ") lo interpretara Dean Martin (para ellos un crooner de más talento y respeto) mientras Ricky le acompaña a la guitarra, en realidad Dean hace una interpretación magnífica y Ricky sólo fue un reclamo para atraer a las salas al público más juvenil.





En 1962 Rick, cosas de la vida, decide dejar a su novia de toda la vida Lorrie Collin, y casarse con Kristin Harmon, aquel acontecimiento fue recibido por la prensa sensacionalista como "la boda del año". El matrimonio fue un mar de peleas y desavenencias desde el comienzo, con la muerte de Ozzie en 1975 (fallecido por un cáncer de hígado que le castigó duramente su ultimo año de vida) la cosa llegó al límite, Rick se metió en un mar de problemas psicológicos (comenzó a consumir alcohol, y cocaína también), su mujer mientras, dilapidaba su fortuna en casas, coches y mobiliario de lujo. Los siguientes años llevaron a la pareja a un divorcio vengativo en el que Kris decide quedarse con todo (incluido sus cuatro hijos) y hacer de la vida de Rick un verdadero infierno, son sus peores años personales.

Musicalmente Ricky había vuelto a sus raíces, cosechaba un estupendo Country-Rock con su nueva formación, Rick Nelson and the Stone Canyon band, el cantante adolescente había madurado, y su música también. En 1971 había sido invitado a un Show revival, al que acudió a regañadientes, en el Madison Square Garden, junto a gente como Chuck Berry, Bo Diddley y Bobby Rydell entre otros. La imagen de Rick había cambiado radicalmente, llevaba el pelo largo, vestía pantalones de campana y una camisa de terciopelo morado. Comenzó a cantar su nuevo repertorio, pero el público buscaba al "Ricky" de los años 50 y no fue muy bien recibido, la policía desde atrás pensó que iba a montarse un motín y comenzó a apartar al público hacia atrás (eran los 70, los conflictos sociales estaban a la orden del día), comenzaron los abucheos, hacia la policía, evidentemente, pero Rick, conmovido y decepcionado, pensó que eran para él, y abandonó el escenario. Aquella experiencia le llevaría a componer uno de sus últimos grandes éxitos "Garden Party": Fui a una fiesta de jardín, para recordar el pasado con mis viejos amigos, la oportunidad de compartir algunos recuerdos, y tocar nuestras canciones de nuevo. Cuando llegué a la fiesta del jardín, todos ellos sabía mi nombre, pero escucharon una música que no parecía la misma. Pero ahora todo está bien. Aprendí mi lección. Se no se puede complacer a todos, por lo que te tienes a ti mismo ...".





El 31 de diciembre de 1985 Rick y parte de su banda volaba, entre Texas y Oklahoma, en su avión privado, un DC3, el piloto a los pocos minutos del despegue comenta por radio "Creo que me gustaría dar la vuelta. Tengo un pequeño problema...", minutos después comunica la presencia de humo en la cabina, lo siguiente que se conoce es que el avión cae envuelto en llamas, para estrellarse a 120 kilómetros de Dallas. Rick sigue siendo un enigma, incluso para aquellos que lo conocieron de cerca, privado y solitario, amable y modesto, con sentido del humor, pero inseguro y enigmático. Un músico honesto y único, cuya última interpretación en directo el día antes de su muerte fue, paradógicamente,"Rave On" de Buddy Holly....larga vida Ricky Nelson!



jueves, 3 de noviembre de 2011

Forever 27 Club



Pasamos el puente de todos los Santos, una "extraña" fiesta católica creada por un Papa en el siglo XIII para compensar a los fieles cuyos nombres no tenían un día concreto en el santoral. con el tiempo, y para los creyentes, se ha convertido en un día dedicado a honrar a los parientes fallecidos. Con este prólogo como excusa y justificación, y como no soy creyente, voy a aprovechar el momento para rendir homenaje a todos aquellos músicos que vivieron rápido y dejaron en el camino un legado de indiscutible trascendencia musical. Todos ellos tiene el dudoso honor de pertenecer a un selecto "club" en el que sólo se necesitan dos requisitos para entrar, ser una estrella de la música, y (el más importante) fallecer al cumplir los 27 años...

Julio de 2011, miles de fans de todo el mundo agotan de las tiendas los dos únicos discos de la cantante británica Amy Winehouse, tras su fallecimiento el 23 de ese mismo mes. Tenía 27 años, una edad, en apariencia, maldita para los músicos. Rápidamente y a través de las redes sociales se la incluye en el triste panteón de los mitos desaparecidos a los 27 años. Un "club" que más que una maldición, en muchos de los casos, define un estilo de vida, vivir rápido y sin medida.


Esta curiosa (y macabra) coincidencia podría ser materia de un estudio sociológico, psicológico, o de conducta juvenil en general. Lo cierto es que, como indicaba el cantautor británico Billy Bragg, esta sincronía casual se estaba confundiendo con una "maldición", ignorando que lo que tienen en común la mayoría de estos artistas, es el abuso sistemático de las drogas y el alcohol. Aun así en Internet, se fue creando la falsa leyenda de los "27", y poco a poco se fueron agrupando los nombres de las estrellas del Rock fallecidas a esta fatídica edad, posiblememete, en un vano intento de alargar el mito y la leyenda de las celebridades mas allá de su muerte (como si con su legado musical no fuera más que suficiente), es un claro ejemplo de frikismo fanático, pero como no hace mal a nadie y es curioso, vamos a darle nuestro pequeño hueco..

Posiblemente el primero de la lista deba ser el Bluesman Robert Johnson, "El Rey del Delta blues", su enigmática existencia (basada en muy pocos datos documentados), su trágica muerte, envenenandole el Whisky un marido celoso y su posible pacto con el diablo, le convierten en un personaje clave para la creación de mitos y leyendas, su muerte en 1938 le hace inaugurar la sala principal del club.




Las siguientes figuras en entrar en tal selecto club, fueron mitos de la década de los 60, su trascendencia, su calado entre el público y su influencia en la música pop y rock en general, fue lo que dio fuerza y fondo a la leyenda. El primero es el mítico fundador de los Rolling Stones, Brian Jones, multi-instrumentista y polémico primer "lider" de la banda, cuyo cuerpo fue encontrado muerto en Julio de 1969, flotando en su piscina, al parecer tras un ataque asma, aunque todavía se discute esta teoría.

El mito de los mitos sea, posiblemente, Jimi Hendrix, el gran pionero de la guitarra eléctrica, y figura fundamental en la evolución del rock, la psicodelia y el Blues. Las circunstancias de su muerte son muy confusas, la hipótesis mas compartida es que falleció en una ambulancia, camino del hospital, ahogado en su propio vómito, tras una ingesta excesiva de somníferos y alcohol. Su figura crece con los años y su manera de tocar y crear armónicos con su guitarra ha sido elogiada e imitada por muchos grandes artistas. Su entrada en el club de los 27 sólo hizo engrandecer al mito...



La contrapartida femenina la puso todo un símbolo de la contracultura de los 60, Janis Joplin. Poseedora de una prodigiosa voz y un talento inmenso, jamás supo acostumbrarse a la fama y al star system. Inmersa en una espiral de drogas y alcohol, decidió volver a su pueblo natal (Port Arthur, Texas), en busca de paz y descanso. Pero en octubre de 1970, tras una sesión de grabación, decidió darse un homenaje, el resultado, fallecimiento por sobredosis de heroína...




El invitado incomodo del club es el controvertido poeta, actor y cantante líder de the Doors, Jim Morrison. Todo un personaje, polémico, innovador, molesto, genial, desagradable...que tras diversas polémicas con los componentes de su banda y agobiado por la prohibición de sus conciertos, debido a su "actitud provocadora" en escena, perturbando el orden público, decide abandona los Estados Unidos. En 1971 se recluye en París donde a los pocos meses encontró su fatal destino, debido a un excesivo cocktail de barbitúricos y alcohol. Cumpliendo los deseos del artista, su cuerpo fue enterrado en la ciudad de las luces, siendo un lugar de peregrinación para miles de fans, en el cementerio de Père-Lachaise, debido a esta "devoción", las autoridades decidieron restringir el acceso a la tumba...



Para mantener al día el club, la directiva de éste decide, en 1994, incorporar un nuevo miembro, y así mantener la leyenda un poco más. Kurt Kobain, gurú del Grunge y lider de Nirvana, alejó los sonidos de los 80 e impulsó un nuevo estilo, y no sólo en el aspecto musical. Pero la fama le pudo y la presión del éxito le impulsaron a la "espiral maldita", heroína, cocaína y alcohol, que le hicieron distanciarse cada vez más de la realidad. Desorientado, aturdido, y posiblemente asustado, decidió acabar con su vida en abril del 94, descerrajandose un tiro de escopeta en la cabeza. Como en los casos anteriores, su fallecimiento está envuelto en dudas, sospechas y elucubraciones varias, incluso se dijo que fue su mujer (Courtney Love), quien le indujo al suicidio...


La lista es larga, y posiblemente se amplíe con los años, se puede consultar en numerosas páginas web creadas para tal efecto. Lo cierto es que la historia del Rock está plagada de tristes finales, algunos marcaron profundamente a generaciones, otros un poco menos. Una coincidencia curiosa que cotiza al alza en el mundo mitomaníaco, una desafortunada afinidad, que nos ha servido para rendir nuestro pequeño homenaje en este "día de difuntos". Un saludo y larga vida al Rock&Roll!!


miércoles, 26 de octubre de 2011

Canciones con historia "Jealous Guy"



Antes de empezar he de agradecer este post a Javi Serrano, que, desde Algeciras, y a pesar de el poco tiempo que nos conocemos (virtualmente), me ha descubierto y aclarado un buen montón de asuntos relacionados con la música en general, y más particularmente con los Beatles. Posiblemente sea uno de los aficionados a los cuatro de Liverpool, con más criterio y gusto, debido en parte a su profundo conocimiento de la banda, su historia, anécdotas, y sobre la personalidad y sensibilidad de cada uno de los FabFour. El caso es que esta semana tenía preparado un post sobre Rock&Roll, cuando Javi, cuelga en la Red Social donde coincidimos, un estupendo vídeo al que acompaña una singular historia, bien explicada, documentada y de tal interés, que no he tenido más remedio que, (con su permiso, claro) ponerme manos a la obra, investigar los (pocos) datos que quedaron en el aire, e intentar completar el puzle que compone la singular historia de esta canción...



Creo que fue en 1967 cuando los Beatles conocieron al Maharishi Mahesh Yogi, en Bangor (Gales), con este Gurú de la meditación trascendental comienzan una etapa de búsqueda de paz espiritual y estabilidad interior. Durante esta estancia de retiro, los Beatles sufren un duro golpe, el asistente de Brian Epstein, Peter Brown, les llama para comunicarles el fallecimiento de su mánager, debido a una intoxicación accidental de anfetaminas. Comienza entonces una sucesión de rumores, se dice que Brian había dejado una nota de suicidio, e incluso que una de las posibles razones de este era que los Beatles querian terminar su relación laboral con el mánager. Es entonces cuando Paul, George, John y Ringo, deciden viajar, junto al Gurú, a la India, en busca de paz espiritual y estabilidad interior. Durante el tiempo que duró este retiro, marcado por el hambre y la contemplación extrema, cada Beatle extrae sus vivencias y sensaciones, que posteriormente serían plasmadas en diversos vinílos. Posiblemente el más marcado por aquel viaje fuera George, que quedó imbuído por la cultura y los sonidos de la India de una manera más profunda, introduciendo el Sitar en sus composiciones...



Pero la parte que hoy nos interesa, comienza, en mi opinión, en Paul McCartney, durante su periplo Indio andaba leyendo un relato de "Hijo de la madre Naturaleza" (un libro de pequeñas fábulas inspiradas en una conferencia del Maharishi en la India). El contenido y las posteriores discursiones entre Paul y John sobre el tema, les lleva a componer cada uno de ellos una canción inspirada en el relato. Paul, más dado a contar historias, compone el tema "Mother Nature's Son" (un tema que McCartney grabó, tras 25 tomas, cantando y tocando la guitarra acústica al mismo tiempo). Por su parte John compone un poema lírico, en el que se abandona a sus reflexiones y pensamientos, describiendo el cielo del desierto, echando de menos su hogar y buscando su sitio en el universo. "Child of Nature", que así se llamó el tema, fue descartado para el White Album de los Beatles, mientras que la composición de Paul sí fue incluida. Sin embargo, este pequeño tema sólo había comenzado su historia, en él se aprecia el futuro de Lennon, su filosofía, y abre un camino nuevo, propio, para su autor.


En 1969 las relaciones entre los miembros de the Beatles estaban en su peor momento. Durante las sesiones de grabación de "Let It Be" las relaciones entre McCartney y Lennon eran cada vez más tensas, incluso Harrison abandona los ensayos durante una semana. Sin embargo John sigue trabajando sobre "Child of Nature", en paralelo nace "Across the Universe", quintaesencia de la "filosofía Lennon". Dos años más tarde, con la banda ya disuelta, John Lennon saca al mercado su segundo álbum en solitario, un trabajo menos vanguardista y complaciente que el realizado con John Lennon/Plastic Ono Band (1970), y posiblemente su trabajo más popular: "Imagine". Tras la separación de los Beatles, John había pasado por un periodo autodestructivo, marcado por el alcohol y el distanciamiento de su mujer, con "Imagine" (1971) parece que todo vuelve a equilibrase para Lennon. El tercer corte del disco era un tema llamado "Jealous Guy", toda una declaración en la que John, abiertamente, pide perdón a Yoko por sus celos, pero además añade "Es como soy". En realidad se trata de la evolución de "Child of Nature" en la no había dejado de trabajar, el tema incluía frases como "soy un chico celoso, ten cuidado". Los celos ya habían sido un problema para John, de hecho fueron la causa de su separación con Cynthia Powell, su primera mujer, por lo que este tema es una especie de justificación personal. La propia Yoko Ono contaba tiempo despues que el tema describía "todo" sobre los celos de John, decía que, al principio de su relación, le hizo escribir una lista con los nombres de sus anteriores amantes, que ella empezó medio en broma, pero pronto descubrió lo serio que era el tema para Lennon.

"Jealous Guy", es junto con "Imagine", la canción mas recordada del álbum, además de ser una de las mas versionadas del mítico artista británico. Un precioso tema que merece un pequeño recuerdo en un día otoñal como el de hoy. Gracias a Javi por sus geniales frases y sus (siempre inteligentes) reflexiones, gracias a la buena música y gracias a vosotros por estar ahí...


miércoles, 19 de octubre de 2011

Canciones con historia "Lola"



Existen infinidad de canciones cuyos títulos son nombres propios y que, de alguna manera, han llegado a dotar de cierta clase y personalidad a los casuales portadores de éstos nombres. De echo en muchos de los casos tu propio nombre viene determinado por que tus progenitores eran fan de un determinado artista o por que una canción marcó un momento de sus vidas, cuantas "Noelia" estarán inspiradas por Nino Bravo, "Eva María" por Formula V o "Gloria" por Umberto Tozzi... Entre los más populares se encuentra nuestra canción de hoy, un bonito nombre de mujer, muy hispano y sonoro, que da título a uno de los grandes hits de todos los tiempos, un tema mítico de una banda compleja y magnífica, the Kinks.

"Lola" es un tema atribuido a Ray Davis, fue lanzado en Junio de 1970 como parte de su álbum "Lola Versus Powerman and the Moneyground" llegando rápidamente al numero 2 de las listas UK y al 9 en USA, posiblemente fue el disco británico con más éxito en este país desde mediados de los 60, e incluida en la lista de las 500 mejores canciones de la historia, de la revista Rolling Stones. Hasta aquí los datos contrastables, ahora vamos con la leyenda: En la biografía oficial de la banda, Ray Davies cuenta que la inspiración del tema, comienza una noche de farra, cuando el manager del grupo, Robert Wave, se pasara la noche bailando con un travesti de color, en un club del Soho londinense. Wave, dirigiendose a los hermanos Davies, dijo algo así como "Chicos, realmentre creo hoy voy a hacer algo...". Sobre las seis de la mañana, de camino a casa, Ray le preguntó entre risas ¿has visto su barba?..., le contestó Wave. En ese momento Ray dudó si estaba demasiado borracho, o realmente no le había importado el asunto. También se cuenta que un suceso parecido ocurrió en esa época, durante la gira que the Kinks hacían por Europa. Estos "equívocos" debidos (o no) al noche y sus consecuencias, quedaron almacenados en la (privilegiada) mente de Ray Davies en espera del momento adecuado.




Aunque no habían dejado de entrar en las listas de éxitos, a finales de los 60, the Kinks pasaba un pequeño bache artístico, se embarcan en una gira por USA, que acaba siendo un fracaso, muchos conciertos deben ser cancelados por falta de aforo y cada vez les es más difícil encontrar promotores. De regreso a casa, el padre de Ray le anima a enfocar de nuevo su energía creativa en algo diferente. Con ideas nuevas en la cabeza acude al estudio, donde su hermano Dave Davies (según su propia biografía) le muestra el riff inicial y las notas primarias de un nuevo tema. Sobre esta base, y con la anécdota del travesti, nace "Lola" un tema, que cuenta la historia de un joven seducido en un club del Soho, por un mujer de profunda y sensual voz, capaz de estrujarle con más fuerza de lo normal y sentarlo en sus rodillas. El muchacho des cubre quizás que el objeto de su deseo es un hombre, el mundo es confuso, todo es complicado, excepto Lola. Toda una declaración de principios del poeta y filosofo del pop Ray Davies.

Esta fue sólo la primera anécdota sobre el tema, la siguiente es todavía más surrealista. Cuando el tema comenzó a promocionarse por los distintos medios de difusión, ocurrió un pequeño desastre, la BBC, con una estricta política sobre marcas publicitárias, se negó a emitir el tema, por que en su letra se incluía "Coca Cola". Ray Davies se vió obligado, en mitad de una gira americana, coger un avión de ida y vuelta desde Nueva York a Londres, para grabar una nueva versión donde se sustituye la famosa marca por la menos comprometida "Cherry Cola". Afortunadamente en el disco se mantuvo la letra original, aunque en las actuaciones en la BBC se puede ver el "especial" énfasis que Ray pone cada vez que dice "Cherry Cola".

Por otra parte en los créditos del disco se atribuye la autoría a Ray únicamente, este hecho llevó a una más, de las continuas disputas entre los hermanos Davies, con juicio por derechos de autor incluido. Por mi parte, pienso que la progresión de acordes puede ser de Dave, sin embargo el sentido del humor, el cinismo y la ironía del tema es indiscutiblemente de Ray.

Anecdotas aparte, ¿quien no conoce este tema?, ¿quien no ha tarareado su letra?, ¿Quien no ha repetido lo de lo ló lo lo Loola...?...Y si todavía no lo has hecho, o eres muy joven o no eres de este planeta...Un saludo!




Version es español por los murcianos M-Clan

martes, 11 de octubre de 2011

La Guardia " Mil calles...mil recuerdos"


Hoy me adelanto, ligeramente, en mi publicación semanal por un buen motivo, tal día como hoy hace unos poquitos años nació mi hermana pequeña, Teba, aprovechando esta ocasión, y dedicándole todo este post, voy a hablar de uno de los grupos españoles más relevantes y recordados de la historia del pop-rock español. Uno de los favoritos de mi hermana, y que además siguen dando caña encima de los escenarios, demostrando que fueron, y son uno de los grupos españoles con más calidad, mejor sonido y las ideas más claras de todos aquellos surgidos en los efervescentes años 80.

Creo que rondaban los 90, (y perdón por la batallita) aún se hacía la mili y yo había vuelto de hacer el CIM en San Fernando (Cadiz), era un presunto roquerillo con ciertos prejuicios musicales, (pronto se me pasaron, gracias a gente como mi primo y mi cuñado que me ayudaron a expandir mi gusto y mi criterio musical). Ese año murió Bruno Lomas, era vecino nuestro allá en la Playa de Puebla de Farnals y fue una especie de shock. Mientras yo andaba rodeado de Doowop y Rockabilly, mi hermana andaba entonces en pleno rollo gótico-rock de alto voltaje, novelas como Entrevista con el vampiro, juegos de Rol tipo fantasía heroica, grupos como Los Romeos...pero entre sus discos más disfrutados se encontraban un par, algo distintos e interesantes: "Vámonos" y "Cuando brille el sol" de los granadinos La Guardia. Para mi, entonces el rock español eran Gatos Locos, Dinamita pa los pollos, los Rebeldes, Loquillo... y me daba cierto pudor reconocer la grandeza de los temas de estos rockeros sin tupé, pero en cuanto mi hermana se iba de casa ponía estos discos para disfrutarlos a todo volumen ( ydesde entonces nunca dejaron de acompañarme), por lo tanto, he de confesar, que también mi hermanita influyó en mi, y en mi actual falta de prejuicios y barreras musicales, gracias por ello...



La Guardia comienza su andadura musical en 1983, cuando Manuel España (voz y guitarra), Juan Enrique Moreno “Conejo” (bajo) y Carlos Gilabert (teclado) forman el muy novelesco grupo "La Guardia del Cardenal Richelieu" ( Los padres de Manuel tuvieron que firmar los contratos ya que apenas rozaban los 15 años). Con este nombre graban su primer disco, un Ep llamado “Las mil y una noches", hoy en día toda una pieza de coleccionista del que apenas se conocen 500 copias. El disco era un compendio pop, tecno y mod, muy del estilo de "la movida", pero el álbum no funcionó, quizás por su falta de definición, no sé, pero les dio a conocer como uno de los grupos jóvenes más prometedores de aquellos años.

Para 1985, la banda se amplia con las incorporaciones de Joaquín Almendros (guitarra) y Emilio Muñoz (batería), aún era un grupo "mod" pero que apuntaba directamente al Rock. Con esta formación, y con el recortado nombre de "La Guardia", ganan el certamen de Pop Rock de Fuengirola, lo que les sirve de trampolín para firmar un contrato con “Tuboescape Records”. En estos años, se cuidaba mucho a los grupos, la pasión por la música estaba, y empezaba, en los directivos de las compañías, hoy no siempre es así, (es odioso oír palabras como "mercado" y "producto" cuando nos referimos a talento y pasión...yo también las utilizo a veces con cierto pudor). Bueno, el caso es que los muchachos viajan a Londres para grabar su primer Lp de estudio “Noches como esta”, un disco que está catalogado como "mod", aunque en realidad (y a mi parecer) era el paso necesario entre el techno imperante y el Rock que la banda quería imponer, temas como "Rock & Roll para olvidarte", creo que daban las pistas del futuro del grupo. El caso es que el álbum recibe buenas criticas dentro del círculo de música independiente, y recibe varios premios, entre ellos, el de "grupo revelación de Radio 3".

El espaldarazo definitivo les llega en 1988, fichan por Zafiro y sacan al mercado el disco que les abre las puertas al gran público, "Vámonos", un disco que cambió definitivamente el rumbo del grupo gracias al éxito de uno de sus temas talisman, una canción que Manuel concibió de camino a casa de su abuela, por el Albayzín granadino: “Mil calles llevan hacia ti”, con este disco se decantan definitivamente por el pop-rock, sin complejos ni concesiones a las modernidades. Tras este punto de inflexión, publican “Cuando brille el sol” (1990), reflejaban influencias tan dispares como Burning, Tequila o los Brincos, en mi opinión y sin desmerecer nada de su discografía, sus dos mejores trabajos , aunque Acento del Sur, me parece también excepcional. Pero no me hagáis mucho caso, ya que un año más tarde dán rienda suelta a su vena más rockera en “Al otro lado”, un disco donde desgranan su pasión por el rock y demuestran su madurez como grupo, consiguiendo el disco de oro tras 50.000 copias vendidas.




En el 93 ya son una banda consagrada y respetada por público y crítica, viajan a Los Ángeles para hacer las mezclas de su siguiente trabajo "Contra reloj". Lo hacen en California junto a Dusty Wakeman, en Mad Dog studios, un tipo que en 1987 ganará un Grammy por el "Crying" de Roy Orbison y K.D. Lang, y que nunca había producido una banda española (y que yo sepa no lo ha vuelto a hacer), sí había trabajado con otros grupos latinos como Los Lobos, pero nunca Rock Español. El siguiente año es muy productivo, artísticamente hablando, en los Angeles, graban "Acento Del Sur", trabajan con gente como Flaco Jimenez, Alvaro Urquijo (Los Secretos) o Joaquin Sabina. En su sonido siempre había estado presente el Country y el folk americano, pero en esta época se intensifica un poco más. En 1994, Juan Enrique Moreno, el bajo miembro fundador de la banda fallece por problemas cardiacos, un gran golpe que, junto a los cambios en el mercado discográfico, desemboca en la disolución de la banda en 1997.

En el paréntesis del 2000, Manuel España intentó un interesante proyecto, "Chamaco", un grupo muy distinto a La Guardia con el que sacó dos excelentes álbumes, "Chamaco" y " Desayuno para Chihuahuas", experimentación y mestizaje, que no terminó de cuajar en el embarullado y manipulado panorama músical del momento. Lo curioso es que La Guardia han sido (y son) parte de nuestra banda sonora, sus temas son iconos del pop, imprescindibles e históricos, hoy continúan en activo, casi por petición popular, volvieron a juntarse en 2003 (sin Joaquín Almendros), para grabar un acústico:"Ahora!" producido por Carlos Goñi (Revolver). Desde entonces, y con una formación completamente renovada, ( se unen a Manuel, Paco Villamayor, Jean Louis Barragán y Javi Cano) se mantienen como pueden en el ingrato panorama musical español, pero lo que si es cierto es que con La Guardia se creó un antes y un después en el Pop-Rock español, como dice el propio Manuel, la Guardia son una pieza más del puzle que contribuyó al cambio y a la evolución de la musica pop española... claro que sí, y fundamental añado yo!.

La verdad, es que no se concibe un viaje en coche o una buena fiesta sin los temas de La Guardia, son un grupo esencial en la historia del pop español, comparables a los Secretos, Nacha Pop, Radio Futura, Los Rebeldes o Gabinete Caligari, por nombrar algunos. Continuan sobre el escenario y en los estudios de grabación (su último disco "Buena gente" acaba de salir a la venta éste mismo año (y ya es de mis favoritos, genial!). Así hoy, La Guardia continúa, sin perder un ápice de su fuerza, calidad y eficacia...Felicidades por tanto, a La Guardia por ser igual de buenos, potentes, auténticos, y mantener el listón del rock español bien alto...y por supuesto a mi hermanita...Felicidades Teba, que taitantos años no es nada!