jueves, 31 de enero de 2013

Canciones de Segunda Mano (by Janis Joplin)










Es muy difícil hacer un post como el de la semana pasada, con un personaje tan complejo y mítico como la gran Janis Joplin, sin pensar que te has dejado cientos de cosas en el tintero, es así. En mi caso, me conformo con haber dado una visión amena, un acercamiento al personaje, a su vida, sus motivaciones... y dejo para otros los sesudos análisis de sus discos, si alcanzaba tres o veinte octavas, los matices vocales, técnicos o instrumentales de sus temas... me interesa el personaje en sí, que en cada tema se rompía la garganta, y que con su impresionante voz, rasposa, apasionada, y su entrega a cada uno de sus temas hizo como nadie, que cayeran en el olvido las versiones originales de cada una de las canciones que interpretaba. Consiguió hacer que aquellos temas sonaran tan a Joplin, que pasaron, inmediatamente y por mérito propio, a ser popularmente suyos, sin embargo, y como es costumbre en esta casa, hoy vamos a dedicarnos exclusivamente a recuperar esos artistas que, en el pasado, grabaron "un tema de Joplin"...

Es, tras el "(Sittin’ on) The dock of the bay", de Otis Redding, el segundo tema póstumo más popular de la historia, compuesta por Kris Kristofferson y Fred Foster, "Me and Bobby McGee" se concibió como una interpretación Country del espíritu de Jack Kerouac y su libro "En el camino", aunque según Kris, también tuvo en él mucha influencia un clásico cinematográfico del neorrealismo italiano, "La Strada" (Federico Fellini, 1954), en la que Anthony Quinn retrata a la perfección la espada de doble filo que es la libertad, era libre cuando pierde a Giulietta Masina, pero a la vez se siente destruido, aullándole a la luna, borracho, en la playa, es justo lo que quería trasmitir en "Me and Bobby McGee". El elegido para interpretar el tema fue la estrella CountryRoger Miller, pero el resultado fue un efímero y tibio puesto 12 en las listas, luego lo intentó Gordon Lightfoot que llegó al 13, pero consiguió el primer puesto en su Canadá natal, también Johnny Cash, Chet Atkins, Waylon Jennings, Jerry Lee Lewis y el propio Kris Kristofferson consiguieron mantenerla siempre en las emisoras de radio. Pero nada comparable a la profunda y personal interpretación de la Joplin, Janis convierte a la nómada y salvaje "Bobby McGee" en un verdadero álter ego, y su historia, en toda una declaración de principios. A pesar de haber sido amantes, Kris Kristofferson, no supo de la versión de Janis hasta justo después de su muerte, Paul Rothchild, su productor, le pidió que pasara por su despacho, donde le mostró la poderosa versión de la artista, Kris salió de allí, y caminó durante horas por la ciudad de Los Angeles, envuelto en un mar de lágrimas, desde aquel momento, cada vez que interpreta "Me and Bobby McGee", no puede dejar de pensar en Janis...



 Aunque Janis Joplin se entregaba a fondo en cada una de sus grabaciones (no tanto en el escenario, donde sus adicciones solían estropear su talento), es posiblemente en "Cry Baby" donde nos encontremos ante su lado más aullante, desgarrado, áspero y sufrido. La reina blanca del blues, dejó para su álbum póstumo "Pearl" (Columbia, 1970), esta joya, en la que demuestra saber imprimir el tono melancólico intimo, para pasar después a una autenticidad rock salvaje. Pero este tema de amor no correspondido, de soledad y resignación, que bien podía haber sido un retrato de la vida amorosa de Janis, ya había sido un relativo éxito unos años antes, concretamente en 1963. Los prolíficos  compositores Jerry Ragovoy ("Time Is on My Side") y Bert Berns ("Hang on Sloopy", "Twist and Shout") unieron sus talentos a principios de los 60 para crear un buen puñado de temas, que con el tiempo, y gracias a el gusto de las bandas británicas por el Rhythm and Blues americano, se convirtieron en clásicos imprescindibles la música popular del pasado siglo XX. Entre los temas que crearon juntos, se encontraba este "Cry Baby", una canción concebida para un emergente grupo vocal de Filadelfia, que los de United Artists habían contratado y trasladado a Nueva York, Garnet Mimms and the Enchanters. Con "Cry Baby" como single de lanzamiento, el grupo logró colarse hasta el puesto número 4 del Billboard Hot 100 en octubre de 1963, consiguiendo un disco de oro, por vender más de un millón de copias. Un gran tema que, a pesar de haber quedado relegado por la versión de la Joplin, no tiene nada que envidiarle...(salvando las distancias, claro).



Lo cierto es que Janis ya había tenido un éxito cuyo origen era el dúo de compositores Jerry Ragovoy y Bert Berns, fue en 1968, en el segundo álbum de Big Brother and the Holding Company, "Cheap Thrills". Entre los temas que componían aquel estupendo disco, se encontraban tres versiones, una estupenda revistación del "Summertime" (George Gershwin, Ira Gershwin, DuBose Heyward), el popular "Ball and Chain" de Big Mama Thornton (que no incluimos en este especial, por que aunque la versión de Joplin es muy buena, Big Mama, es mucha Big Mama!), y finalmente una genial versión de un tema de los compositores de "Cry Baby", os hablo de "Piece of my Heart", donde la artista de Texas convierte su interpretación, en una dolorosa experiencia blues, un grito al fondo del alma, muy personal e intimo, que obtuvo un gran efecto entre el público, y colocó el tema en los primeros puestos de venta de ese mismo año. Pero nos tenemos que ir un año atrás para recuperar la versión original del tema, la primera artista en grabar "Piece of my Heart" fue una artista curtida en míticos estudios como Chess, Motown y Shout Records, Erma Franklin, hermana mayor de la Reina del Soul, Aretha. Fue el propio Berns quien le ofreció el tema, y el resultado fue bastante satisfactorio en las listas de Rhythm and Blues, logrando llegar al primer puesto, y colándose en la de Pop, donde logró un top 62. En los años 90 fue reeditado en el Reino unido, donde logró una nueva e inesperada popularidad, debido a ser la sintonía de un spot televisivo de unos pantalones marca Levi's, a pesar de todo, la de Janis sigue siendo la que se recuerda mas, aunque hoy no...



Janis Joplin dejaba su huella marcada a gritos y lágrimas en cada versión que hacía, ya fuera en estudio, como en sus (irregulares) actuaciones en directo. Se atrevió incluso con una balada Soul, al estilo Sam and Dave de los australianos de melena Pantene mas famosos en las discotecas de los los 60, "To Love Somebody", un single que los hermanos Gibb, lanzaron en 1967, un poco antes de que los Bee Gees se pasaran definitivamente a la fiebre discotequera. Pero para despedida he decidido dejar el suave y profundo sonido de una de mis artistas femeninas de Soul preferidas, la reina de Filadelfia, Lorraine Ellison, a quien ya le dedicamos un post especial sobre la mágica grabación de su mayor éxito, "Stay with me". Pero en 1967, Lorraine también grabó un tema de Jerry Ragovoy para un sello subsidiario de Warner: Loma, se trataba de una preciosa y profunda balada Soul llamada "Try (Just a Little Bit Harder)", que aunque no tuvo demasiada repercusión y, como el resto de los temas escogidos hoy, se difuminaron en el olvido por culpa de (o gracias a...según se mire) la gran artista que fue la polémica, y siempre genial, Reina Blanca del Blues,  Janis Joplin...Hasta la próxima compañeros.


jueves, 24 de enero de 2013

Janis Joplin "Pearl"












 Cuando Janis Joplin se enteró del fallecimiento de su colega Jimi Hendrix, en septiembre de 1970, comenzó a replantearse su propia existencia. Su colega y ex-amante Kris Kristofferson, trató de animarla intentando mostrarle el lado positivo de aquel momento de la artista: "Vamos nena, ¿pero de que hablas?. Tienes una pareja estupenda que te quiere, un público que te adora y vuelve a creer en ti, y una carrera envidiable de la que puedes estar muy orgullosa. Mucha gente en este negocio, no tiene ni una cosa ni la otra. ¿Por que mandarlo todo al carajo?". La respuesta de Janis fue tajante: "Kris...¿Cuánto vale realmente todo eso?". En una conversación posterior con su publicista y amiga Myra Friedman (posiblemente la persona mas cercana a la artista, paciente con sus excesos, y mas esforzada en ayudarla), bromeaba sobre el asunto: "Me pregunto....y si yo muero, ¿Que pasaría?, ¿Se hablaría tanto de mi como de Jimi?, (risas), ¡ Después de todo no es un mal sistema para hacerse publicidad!". "No te preocupes Myra, querida, no puedo morir el mismo año que Jimi Hendrix, ¡Soy mucho más famosa que él!". Diecisiete días después de la muerte del genial guitarrista zurdo de Seattle, Janis Joplin decidía acompañarle, entrando así, como miembro femenino honorífico del fatídico "Forever 27 Club".

Janis Joplin nació en la localidad industrial de Port Arthur (Texas) en 1943. A Seth, su padre, le había gustado que su pequeña fuese profesora, pero la niña había heredado el talento vocal de Dorothy, su madre. Ya desde muy temprana edad se embelesaba escuchando e imitando los temas de Bessie Smith, Big Mama Thornton, o Leadbelly. Pronto comenzó a dar muestras de su carácter rebelde y libre, en los primeros años del instituto, se une a una pandilla de jóvenes creativos, intelectuales modernos (ya sabéis beatniks, Jack Kerouac, Allen Ginsberg...), lo que la relega al ostracismo de los inadaptados, tachándola de "amiga de los negros" por rechazar abiertamente el racismo. Se refugia en la pintura, en la poesía, comienza a desarrollar un estilo extravagante de vestir, pero también de conducta, con 16 años ya frecuenta los locales de Louisiana, donde escuchaba a músicos negros de Jazz y Blues, un año más tarde comienza a subirse a esos mismos escenarios. Pero es en su etapa en la Universidad de Texas, cuando comienza a cantar de forma semi profesional, deja de lado sus estudios de Bellas Artes, para unirse a un grupo de Folk, The Waller Creek Boys.

En 1963 Janis ha abandonado los estudios y, junto a su amigo Chet Helms, se traslada a San Francisco, donde comenzaba a emerger una revolución musical. Allí se gana una reputación como intérprete de Blues, aunque también como gran bebedora. Conoce a otros músicos como Jorma Kaukonen (Jefferson Airplane) y su esposa Margareta, o Ron "Pigpen" McKernan (The Grateful Dead), con quien mantiene una relación sentimental. Juntos graban un disco casero, hacen algunos conciertos, suenan bien, sin embargo su carrera no termina de despegar. Decide probar suerte en Nueva York, una mala decisión, sólo consigue enredarse más en el alcohol y las drogas, en un estado lamentable de abandono, pesando 35 kilos, enganchada a las anfetaminas, necesitada de ayuda y con mucho miedo, decide volver a Texas, donde los tanques de petróleo de las refinerías le parecían menos peligrosos y mas acogedores que la gran manzana. Regresa a la Universidad, donde se matricula en sociología, abandona la música, viste de forma tradicional, y hace todo lo posible para parecer una buena chica, incluso se promete con Peter LeBlan, un chico que conoció en San Francisco, quien incluso va a Texas a pedir su mano a su padre, sin embargo, la abandona antes de la boda, lo que marcará una inseguridad afectiva y comenzará a germinar un fuerte sentimiento de soledad...Lo de la buena chica se había acabado, y la música volvía a llamarla con fuerza.



 Se traslada de nuevo a San Francisco, donde su viejo colega Chet Helms, se ha convertido en productor musical, quien además era mánager de una potente banda que precisaba de una voz, potente y creativa, capaz de encajar en el estilo libre imperante en aquel momento, tras una corta audición, el 4 de julio de 1966, Janis Joplin se une a Big Brother and the Holding Company. Pero tuvo que ganarse su puesto, durante los primeros conciertos, Janis sólo cantaba un par de temas, el resto del bolo, acompañaba desde el fondo tocando la pandereta. Pero la poderosa y personal voz de la artista fue poco a poco convirtiéndose en el alma de la banda. Solían tocar con otros grupos psicodélicos de la escena musical de San Francisco, como the Grateful Dead, Country Joe and The Fish, Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service o The Charlatans. En 1967, la banda firma con la compañía Chicago Mainstream, y graban su primer álbum "Big Brother and The Holding Company", pero deciden dejarlo en espera de la respuesta del público en el Festival Pop de Monterey de agosto de ese mismo año. La antológica interpretación de la banda del tema que hizo popular la gran Big Mama Thornton "Ball and Chain", se llevó los mayores elogios, haciendo especial hincapié en las tremendas dotes vocales de la Joplin, que con su "sufrimiento" y pasión, consiguió transmitir al publico una experiencia teatral, casi mística. Casualidades de la vida, ese mítico festival, marcaría el triunfo personal de tres artistas por aquel entonces poco conocidos, y cuya prematura muerte convertiría en mitos Jimi Hendrix, Otis Redding, y la propia Joplin.

 El primer álbum de la banda, algo irregular, no consiguió el éxito esperado, sin conseguir trasmitir la intensidad del grupo en directo, el producto final resultaba algo tibio, aunque con momentos muy destacables como "Bye bye baby". Aún así consiguió llamar la atención de Albert Grossman, mánager de Bob Dylan, quien consiguió convencer a los de Columbia para que compraran el contrato de la banda a los de Chicago Mainstream. En Septiembre de 1968 sale a la venta el segundo trabajo discográfico de "Big Brother", un magnífico trabajo que se convierte en la consagración definitiva de la artista: "Cheap thrills", con una excepcional portada del ilustrador underground Robert Crump, el disco (que la banda quería titular "Sex, Dope and Cheap Thrills", con la evidente negativa de los de Columbia), se convirtió rápidamente en la sensación del año, pieza clave del acid-rock, con momentos blues y dramáticos de verdadera intensidad, con joyas como "Ball and Chain", la reinventada "Summertime" de los Gershwin, y sobre todo "Piece of My Heart", que se colocó rápidamente en el número uno de las listas, con mas de un millón de copias vendidas en un sólo mes. Con los de Columbia frotándose las manos y la prensa centrada en ella más que en la banda, la salida de Joplin de la banda para su lanzamiento en solitario, era inevitable.



Con la idea de hacer un estilo mas Blues y Soul, como las artistas que la habían hecho amar la música, Bessie Smith, Billie Holiday, Aretha Franklin... y la ayuda de su productor, Albert Grossman, juntan a los mejores músicos que pueden conseguir para una nueva banda (de "Big Brother" sólo se llevan al guitarrista Sam Andrew), en 1969 se forma la "Kozmic Blues Band", una banda de acompañamiento cuya formación variaría constantemente. En septiembre de ese mismo año sale al mercado el primer disco como solista de Janis, “I got dem ol’ Kozmic Blues again Mama!”, consiguiendo un disco de oro a los dos meses de su lanzamiento. Comienza una exitosa gira por Europa, donde los problemas con el alcohol y las drogas se acentúan, y en diversas ocasiones aparece en el escenario en un lamentable estado, sólo igualado por la Winehouse. A pesar de todo, Janis Joplin, se había convertido en todo un símbolo de fortaleza y rebeldía para mujeres de todo el mundo, así que alentada por el efecto que causaba en la sociedad, y con algo de presión de sus compañeros, en 1970, la artista se traslada a Brasil, donde se somete a una cura de desintoxicación, abandonando así (de nuevo)las drogas y el alcohol.

De Brasil regresa "limpia" y con nueva pareja, un profesor llamado David Niehaus con quien había estado recorriendo la selva brasileña durante todo un mes en una furgoneta, pero una vez en la urbe su relación es tensa, y acaban rompiendo, en ese momento Janis, se refugia de nuevo en el alcohol. Pero las cosas no le van del todo mal, tiene una nueva banda, “Full Tilt Boogie Band”, en la que se implica muchísimo en mantener unida. Las críticas son excelentes y el público responde muy bien. Ese mismo año participan en Festival Express, junto otros artistas cómo The Grateful Dead, Buddy Guy y The Band. Ese verano conoce a Seth Morgan, se enamoraron, todo iba de maravilla, estaba en plena grabación de su siguiente álbum, "Pearl", la banda era genial, estaba contenta con ellos y ellos congeniaban muy bien con la artista. El 4 de octubre de 1970, tras una animada sesión de grabación, decide irse de copas con sus compañeros, estaba entusiasmada con grabar "Buried Alive In the Blues", Janis estaba sola en los Angeles, su pareja no volaría allí hasta el domingo, y habían discutido. Se tomó unos vodkas en el Barney’s Beanery, y sobre las doce, se retira a su habitación en el Hotel Landmark. Un día antes su camello particular, le había proporcionado una heroína más pura de lo habitual (un 40%, cuando lo normal es que no pase del 2%), descubrieron su cuerpo sin vida 19 horas después.



Su álbum póstumo "Pearl" salió a la venta en 1971, siendo número 1 de ventas con el tema "Me And Bobby McGee" compuesto por Kris Kristofferson (con quien la cantante tuvo un romance), se mantuvo "Mercedes Benz" a capella, y el tema que debía de grabar al día siguiente de su fallecimiento, "Buried Alive In the Blues, se conservó sin la parte vocal. Sus conocidos pensaban que había abandonado las drogas, aunque no todos, su amiga y amante Peggy Caserta admitió que, había prometido visitar a Joplin aquella fatídica noche, pero se encontraba "colocada" y de fiesta en otro hotel de Los Angeles. Y eso nos lleva a otro tema, la controvertida vida privada de la artista, objeto de polémicas y controversias. Se sabe que desde siempre tuvo problemas de autoestima, relacionados con su físico, acné, gafas, poco pecho... La mayor parte de biografías apuntan a una tendencia bisexual, aunque recopilando documentación (y aunque haya nombrado sus parejas masculinas como referencia de sus fracasos sentimentales), se le conocen más amantes femeninas que masculinas. Joplin nunca se definió como lesbiana, ni bisexual, prefería el término "sexual", así de simple.

Reina blanca del Blues y el Rock, afirmó con autoridad un nuevo estatus propio, sin miedo, visceral, dramático, procedente de su tortuosa existencia. A pesar de sus complejos, su extravagancia y conducta, la convirtieron en una mujer de extraño magnetismo sexual. Janis era diferente a cualquier otra artista femenina del momento, una artista única, de breve pero intensa trayectoria, un legado eterno, que aún sigue siendo alabado por muchos, e inigualado por nadie, posiblemente encontreis miles de datos más sobre ella, aquí sólo quería daros unos apuntes, para intertar acercaros al personaje, grande y complejo, pero imprescindible, Solía decir, que en el escenario le hacía el amor a 25.000 personas distintas, y luego dormía sola, triste e incomprendida, grande y genial, creativa y polémica, grande entre grandes....Janis Joplin.

jueves, 17 de enero de 2013

Canciones con historia: "Still Got the Blues (For You)"







Virtuoso de las seis cuerdas y estrella del Hard Rock, el norirlandés Gary Moore, tras curtirse en bandas como Thin Lizzy o Skid Row, llevaba años intentando encontrar una identidad musical propia, le gustaba el Rock potente, si embargo, desde el inicio de su carrera como solista había pasado (con bastante aceptación) por el Rock melódico, para volver al Heavy, con la ayuda del mítico cantante de Black Sabbath, Ozzy Osbourne. Es justo en esa época, durante una gira por el Reino Unido, en plena promoción de su último disco, (creo que el doce en solitario), "After the War" (Virgin, 1989), cuando el músico se da cuenta de una curiosa situación. No importaba el tipo de música que fuese a tocar, al entrar en el camerino, antes de subir a un escenario, para calentar los dedos, siempre tocaba Blues, y lo hacía desde hace años. Aquello fue toda una revelación para el músico de Belfast, quien, a mediados de ese mismo año decidió dar un giro a su carrera, para seguir la estela de los músicos que venden su alma al diablo en un cruce de caminos.

Aunque consagrado como músico de Rock, Gary Moore, que había grabado muchos y muy buenos discos, siempre pensó que a sus anteriores trabajos les sobraban adornos, y les faltaba alma. Fue un curioso capricho del destino el que impondría el particular sonido del nuevo trabajo de Moore. Uno de los mayores referentes de Gary, fue sin duda, el guitarrista Peter Green (Fleetwood Mac) quien fue mentor suyo, durante sus inicios en Dublín. Años antes le había prestado una guitarra "Les Paul Standard 1959" que al limpiarla, se habían montado mal unos cables y tenía un peculiar sonido. A mediados de los 80, Gary se hizo con una en Londres, y le hizo unos cambios similares, pero nunca la gastó por que su sonido no era muy apropiado para el Hard Rock. Decidido a crear un sonido mas intimista y personal, sin renunciar a su esencia rockera, desempolva su "Les Paul", y la magia surge sóla, compone una preciosa melodía, con un penetrante y visceral riff, que pone los pelos de punta, y te lleva, literalmente, al cielo y al infierno por igual. Tras una primera "presentación en sociedad", en su casa, junto a un grupo de amigos totalmente impactados por el impresionante tema, Moore se lanzó al estudio de grabación donde, en una sola toma, se graba "Still Got the Blues (For You)", una sesión que, en palabras del artista, fue mágica e inolvidable, y de alguna manera marcó el resurgir de un género musical imprescindible, el Blues.



 El lanzamiento de "Still Got the Blues" (Virgin, 1990) convulsionó el anquilosado mercado musical, reavivando el Blues eléctrico, mientras convergía con las tan apreciadas baladas Heavy. Lo cierto es que era un regreso al Blues, Gary Moore siempre había dado muestras de aprecio por este género en particular, aunque nunca se había atrevido a decantarse por él de manera tan definitoria. Con un disco tan claramente hecho desde el corazón y el talento, Gary Moore se colocó rápidamente en lo más alto de las listas de ventas, sorprendiendo a muchos de sus admiradores, que descubrieron una nueva faceta del artista irlandés, que no hizo mas que aumentar por mucho su legión de seguidores. El lanzamiento del nuevo disco de Moore fue toda una sensación, el viejo Blues volvía a estar vivo, y renovado, grandes artistas como Albert King, Albert Collins, George Harrison o B.B. King se unirían al guitarrista norirlandés en sus próximos proyectos. En mi opinión, el Blues, que siempre estuvo ahí, gracias a "Still Got the Blues" volvió a la primera plana musical, es un hecho innegable, guste o no, no hay mas que revisar la cantidad de recopilaciones de Blues eléctrico que se editaron aprovechando el tirón del disco.

Un vez acabado el pasado siglo XX, a un desconocido (al menos para mi) músico alemán llamado Jürgen Winter, le pareció reconocer en el exitoso tema de Moore, el solo de guitarra que él mismo había compuesto para su grupo de entonces, Jud's Gallery (un grupo de Rock progresivo), en particular para su tema "Nordrach", en 1974. Un tema y un grupo cuya repercusión y fama es mas bien nula, sin embargo la demanda siguió su curso. El Juicio duró cerca de ocho años, durante ese tiempo Gary Moore negó tajantemente haber copiado ni una sola nota, sin embargo, y a pesar de las diferencias entre ambos temas, el tribunal estableció que Moore podía haber escuchado "Nordrach" durante una de sus múltiples visitas a Alemania en los años 70, antes incluso de la grabación de este, explicando que la memoria musical de un profesional puede permitirle recordar, años después de haber escuchado un tema, un fragmento oído por casualidad. El tribunal consideró que la similitudes eran demasiado evidentes (esto me lo tiene que explicar alguien), y por tanto condenó, en 2008, a pagar una cantidad no relevada por daños y perjuicios al artista alemán.

Casos como este los hemos visto a montones, músicos que acusan de plagio por una pequeña sucesión de acordes, con el único propósito de que se reconozca que esas seis u ocho notas les merecen los royalties de un tema que, en la mayor parte de los casos, en muy poco se parece al suyo. No digo que no sea justo, ni tengan todo el derecho del mundo, en eso no voy a entrar, pero hay que reconocer que estos temas "originales" no se comieron un torrao, y con estos asuntos consiguen una repercusión que nunca antes habían tenido, pues bien, pero posiblemente sea lo único que consigan. Es más, en 2007, la banda de Jürgen, crearon una nueva versión del tema, en el que se aprecia un nuevo enfoque, descaradamente mas cercano a "Still Got the Blues", intentando aprovecharse de su "éxito" judicial. En cualquier caso, no importa, ahí tenemos un clásico moderno del Blues, que nadie cuestiona, un músico impecable como Moore (fallecido en Estepona, Málaga, en 2011), y un músico alemán, que cobra los royalties de un tema que en la vida habría compuesto, esto es así, unas veces los plagios son tales, otras, sanguijuelas sin talento...disfrutar del gran Moore ...

jueves, 10 de enero de 2013

Canciones con historia: "La Grange"






 Cuando la semana pasada, al final del anterior post, os contaba como Dolly Parton había sido la compositora, y primera interprete, del famoso tema central de la película "El guardaespaldas", "I will always love you" con  Whitney Houston como protagonista, os avanzaba que esta popular melodía ya había sido parte importante de una banda sonora de cierto éxito. Como recordareis, se trataba de la comedia musical, basada en la obra de Broadway del mismo nombre "The best little whorehouse in Texas" ("La casa más divertida de Texas") con la Parton como principal interprete. En ese momento me venía a la memoria otro tema, de corte muy distinto al anterior, cuya letra se inspira y relata parcialmente la historia real de aquel burdel de Texas en el que se basa esta película. Hoy os narraré la trayectoria del "Chicken Ranch", que tanta música parece haber inspirado, y otro día (esto me acaba de venir a la mente), tal vez dedique algo de tiempo a recopilar un puñado, de los muchos temas, que a lo largo de la historia de la música, se han dedicado a narrar las penas y alegrías del oficio mas antiguo del mundo...puede estar interesante, pero hoy seguiremos en Texas....

 Lo cierto es que casi todo el mundo en Texas lo sabía, el "Chicken Ranch" era un burdel muy popular desde que abrió sus puertas en 1844, a unos 2 kilómetros al este de la ciudad de La Grange, sede del Condado de Fayette. En sus inicios, la viuda "Mrs. Swine" contaba con tres jóvenes muchachas para satisfacer a la clientela, pero el local tuvo que ser cerrado durante la Guerra de Secesión americana. No os voy a aburrir con toda la larga, aunque por otra parte interesante, historia del burdel mas longevo y popular de Texas, un estado en el que la prostitución ni siquiera es legal. Pero voy a intentar dar algunas pinceladas, para hacer mas comprensible la importancia de este peculiar lupanar. Durante los (intermitentes) 129 años de existencia, el "Chicken Ranch", "La pensión de Edna" o "La Grange", recibía tras sus puertas (y bajo sus sábanas) a lo mas granado de todo el estado, el sheriff solía acudir cada noche para informarse de los últimos chismes y averiguar si algún cliente andaba jactándose de su ultima fechoría, a partir de 1946, el nuevo sheriff decidió poner una línea telefónica directa con el burdel, y así evitar tener que trasladarse allí cada noche. Alcaldes y concejales fueron los principales clientes en la década de los 50, poco después de que dejase de cobrarse un pollo por cada "trabajo" sexual (el exceso de aves en el patio trasero hizo que fuese conocido como "El Rancho de pollos").



En la década de los 50 llegó a tener hasta dieciséis señoritas, y se empleaban a fondo, con la cercanía de una base militar y un centro universitario, los fines de semana se formaba una enorme cola en la puerta del rancho (esta frase no va con segundas intenciones jeje). La base militar proporcionaba un helicóptero para facilitar el transporte a los soldados hasta el rancho, mientras que en la Universidad se convirtió en tradición enviar a los estudiantes de primer año, como prueba de iniciación. La popularidad creció por que se creía que muchas de las prostitutas no eran estrictamente profesionales, si no jóvenes universitarias que precisaban de dinero extra. Las chicas entregaban el un alto porcentaje de sus ingresos a Edna Milton (la nueva "Madame"), con el que contribuía a diversas causas cívicas locales, lo que la convirtió en uno de los mayores filántropos de La Grange, así mismo guardaba una parte para los gastos médicos o problemas, que sus chicas pudieran tener, incluso un fondo para la jubilación de estas. A principios de los años 70, el Departamento de Seguridad Pública comenzó a vigilar las actividades del rancho, paralelamente, un reportero de televisión ávido de fama (Marvin Zindler) comenzó una campaña de moralidad en contra del famoso burdel. Todo esto acabó obligando al gobernador del estado de Texas a cerrar (muy a su pesar) definitivamente "La Grange" en 1973.

 Muchos cuentan que el cierre del burdel fue propiciado por el tremendo éxito de nuestro tema de hoy, pero no es del todo cierto, aunque "La Grange" salíera al mercado en julio de 1973, como parte del tercer álbum de los ZZ Top "Tres hombres" (London Records), coincidiendo con la campaña televisiva emprendida por el ultra católico Marvin Zindler, el local ya había sido cerrado temporalmente un año antes por el Departamento de Seguridad Pública, por lo que aquello era sólo cuestión de tiempo. Lo que si es cierto es que, este tema, que narra la historia del mas longevo y famoso burdel de Texas, se convirtió rápidamente en un "clásico del Blues" y, posiblemente, uno de los temas mas conocidos de la banda de luengas barbas de Texas, los ZZ Top. El éxito del disco los mantuvo durante año y medio de gira por todo el Estado, siendo "La Grange", el tema estrella en todos los conciertos. El guitarrista y vocalista de la banda, Billy Gibbons, relató a la revista Guitar World, que se compuso de manera simple, basándose en variaciones de un sólo acorde, intentando crear un ambiente sucio, sexual, con un pegajoso riff central interpretado con una Stratocaster del 55. Lo que no cuenta el bueno de Gibbons, es que este riff ya lo había escuchado anteriormente. Posiblemente nos encontremos ante un caso de "apropiación inconsciente", algo parecido a lo que le ocurrió a George Harrison con "My Sweet Lord" y el "He's So Fine" de las Chiffons, pero el caso es que "La grange" recuerda sospechosamente a "Shake your hips" (1966) de Slim Harpo, y sobre todo al boogie blues eléctrico del maestro de Clarksdale (Misisipi) John Lee Hooker, "Boogie Chillen" (1948). Tanto es así, que en 1992, el propietario de los derechos de autor del tema de Hooker, Bernard Besman, demandó a los ZZ Top por plagio, tras varios años de litigio, el Juez dictaminó que "Boogie Chillen" era un tema popular, de dominio público, y por tanto los barbudos del Rock no habían incurrido en ningún delito. En cualquier caso, una historia curiosa, un burdel que hizo felices a muchos e inspiró un tema impresionante, un clásico moderno, que hoy sigue haciendo felices a muchos otros...


jueves, 3 de enero de 2013

Canciones de Segunda Mano (four)








Cuando comencé esta sub-sección sobre versiones originales, la concebí como un tríptico, que acabaría a final del año, sin embargo, e inmersos todavía en periodo festivo (para algunos), no me parecía conveniente meternos de lleno de nuevo en post algo más densos y, en cierta manera, importantes. Así que, como tengo material de sobra para continuar con el tema, extiendo una semana más este "canciones de segunda mano", para no robaros demasiado tiempo y así podáis disfrutar de lo que resta de este periodo festivo (al menos para los niños). Con esta premisa os traigo un pequeño divertimento, que no os ocupará mucho tiempo en leer y escuchar, y de paso, completará la serie que comenzamos antes de las navidades, con tres temas que, aunque no creo que sorprendan a la mayoría, debían por justicia, ser nombrados en este micro espacio.... vamos al lío...

"Unchained Melody" es (por obra y gracia del cine), una canción que, indiscutiblemente, pertenece a The Righteous Brothers. Pero a nadie se le escapa ya, que ni la versión original es suya, y que ni siquiera fue uno de sus mayores éxitos cuando, el dúo musical compuesto por Bill Medley y Bobby Hatfield, la grabaron en 1965. Habrá que esperar hasta 1990, cuando en fenómeno que supuso la película Ghost (Jerry Zucker), en especial una sensual escena entre los dos principales protagonistas y un torno de alfarería, volvería a colocar el famoso tema luchando por los primeros puestos en las listas de éxitos. Y lo haría de manera doble, ya que se relanzó su primitiva versión en single, y una nueva regrabada ese mismo año por la pareja de "brothers". Sin embargo, ya había sido un tema tremendamente popular casi cuarenta años antes, concretamente en 1955. Ese mismo año, el compositor Alex North y el letrista Hy Zaret, fueron contratados para escribir el tema central de un proyecto cinematográfico, un drama de corte carcelario, "Unchained" (Hall Bartlett, 1955, Warner Bros.), en un momento de la película, uno de los presos, interpretado por el barítono y actor de color Todd Duncan, interpreta, acompañado tan sólo por una guitarra, apenas un minuto del tema. Ese minuto fue bastante para lograr una enorme popularidad (incluyendo una nominación al Oscar como mejor canción), ese mismo año se grabaron otras cuatro versiones, interpretadas por diversos artistas. En los siguientes años gente como Gene Vincent, Perry Como o Harry Belafonte, también la hicieron suya, aunque yo me quedaría con la versión Doowop uptempo, que en 1963 hicieran el grupo vocal italo-americano de New York, Vito and the Salutations...pero hoy recuperamos su primera vez...



 Enmarcados en su contexto inicial, Los Secretos fueron, junto a gente como Nacha Pop, Alaska, Paraíso o Los Pistones, parte del engranaje que pondría en marcha un movimiento de renovación cultural de amplio espectro, que se denominó "la movida" o "la  nueva ola madrileña". A pesar de que los hermanos Urquijo fueron unos grandes compositores durante su larga trayectoria profesional, a su primer gran éxito  "Déjame", le precedió una composición que ya había sido popular, al otro lado del charco, unos once años antes. Lo cierto es que cuando los Secretos saltan a la popularidad en 1980, ya llevaban tiempo interpretando "Sobre un vidrio mojado", un año antes, incluso la había grabado a modo de maqueta, bajo su antigua formación Tos (nombre que cambian tras la muerte en accidente de tráfico del batería del grupo, José Enrique Cano "Canito"). En su álbum de debút "Los Secretos" (Polygram, 1981), el único tema no original de la banda era "Sobre un vidrio mojado", y, a pesar de lo que muchos dicen en diversos foros, viene perfectamente acreditado a sus originales autores (Kano / Pierpaolio). Kano y los Buldogs fueron un grupo uruguayo de Rock (principalmente de covers en inglés, entre las que se encuentra el "Black is Black" de los Bravos), afincados en Buenos Aires, cosecharon una gran popularidad entre 1966 y 1969, año en el que el enorme éxito de ventas de "Sobre un vidrio mojado" (Kano y los Buldogs, 1969, RCA Argentina), deciden regresar a su Uruguay natal. A pesar de la popularidad obtenida en el Río de la Plata y el resto de hispano-américa, la carrera de la banda sólo logra extenderse un par de años más, finiquitándose en 1972 con su último LP "Carita con Carita" (1972, Sondor), para la historia queda esta versión original de un clásico de nuestra "movida"...



Y finalmente vamos con el tema estrella en los Karaokes y en los programas televisivos de aspirantes a estrellas del pop. Elevado (al igual que "Unchained Melody") a superventas, por obra y gracia de la película "El guardaespaldas" (1992, Mick Jackson), en la que un aguerrido Kevin Costner, libraba de un terrible acosador a la estrella del pop Rachel Marron, personaje interpretado por la malograda Whitney Houston, quien declaraba su agradecimiento y amor al guardaespaldas, interpretando esta intensa balada. Lo curioso del tema, es que en realidad se trata de una canción dedicada al desamor, a la ruptura en una pareja, en la que ella se despide de su pareja, mientras le desea que encuentre alguien mas acorde al muchacho...al menos así lo concibió su compositora. 48 millones de copias vendidas le dan el derecho a la Houston, de quedarse con el éxito, al fin y al cabo Dolly Parton sigue cobrando los royalties generados por la canción. Y es que fue la rubia de Tennessee, la autora de "I will always love you", Dolly Parton, una de las mas grandes e influyentes artistas americanas de todos los tiempos, y nó solamente en el Country, si no también en sus incursiones en otros estilos como el Pop, el Gospel, sus interpretaciones cinematográficas o sus diversos esfuerzos filantrópicos. La neumática rubia de botas camperas, compuso este tema para abrir la cara B de su decimotercer trabajo discográfico, el exitoso "Jolene" (1974, RCA Records), un trabajo con el que rompía siete años de compromiso televisivo con la serie "The Porter Wagoner Show", y en especial "I will always love you" intentaba expresar la tristeza por abandonar el programa, y en especial a su amigo Wagoner. El tema pasó casi desapercibido hasta 1982, cuando, otra vez gracias al cine, logró llegar al numero 1 en las listas de música Country. Se trataba de la adaptación cinematográfica del musical de Broadway "La casa más divertida de Texas " (1982, Colin Higgins), una comedia interpretada por la propia  Parton junto a  Burt Reynolds, en el que, además de las canciones originales del libreto, se añadieron dos composiciones de la artista, una de ellas fue "I will always love you". A pesar del relativo éxito, y de aparecer en una película, una reciente encuesta hecha para el programa "American Idol", descubrió que el 90%  los jóvenes estadounidenses desconocen que esta canción no es de Whitney Houston...preocupante ¿no?. Bueno, y hasta aquí todo por hoy, portaos bien, y que los reyes magos del Rock os traigan muchos buenos discos!!