The Byrds “If you can't fly, you can't be a Byrd"

 Algunos post son un autentico reto para mi, cuando me pongo a escribir sobre alguna curiosidad musical es relativamente fácil, buscar el origen de un tema, desvelar algún detalle desconocido sobre una canción...suelen ser post muy agradecidos, sorprenden a algún lector, descubre una nueva perspectiva...pero la cosa se complica cuando decido hacer un especial sobre un artista o grupo, con la única intención de reivindicar y hacer un homenaje a su trabajo  o su persona, tanto más cuando nos encontramos ante artistas de la talla de nuestros invitados de hoy. Condensar en unos pocos párrafos lo que supone la trayectoria e influencia de algún mito es complicado, e injusto, sobre todo si pretendes (como es mi caso), trascender tu mirada más allá de lo que cualquiera pueda encontrar en la Wikipedia o en otras biografías similares. Sin embargo, y como me gustan los retos, me apasiona investigar, buscar el dato perdido, la anécdota, contrastar, descartar lo incorrecto...mientras, me sumerjo en la música del personaje, así voy conociendo mejor su trabajo, sus motivaciones, para descubrir finalmente, que lo hago por mi, por mi mitomanía y mi afán melómano, si lo disfrutan los demás, pues mucho mejor...espero estar a la altura.

Hablar de los Byrds, es hablar de la historia de la música, es hablar de uno de los mejores y mas grandes grupos del pasado siglo XX, pero también es hablar de Bob Dylan, de Pete Seeger, de the Beatles, de the Searchers, de Rock, de Folk, de Jazz, de Country, de la Rickenbacker de 12 cuerdas, de armonías vocales y de mucho, mucho talento. La aparición de los Byrds llega en el momento en que el Rock americano, semi-inconsciente por el vapuleo de las bandas británicas, precisaba de una inyección de renovación connatural. Y ellos lo hicieron sin las pretensiones propias del aspirante a estrella de la música, huyendo de los clichés y las imposiciones derivadas de la industria...pero no quiero adelantarme, vamos al comienzo...

 Todo comenzó en Los Angeles, en 1964, tres jóvenes músicos (Jim McGuinn, Gene Clark y David Crosby), admiradores confesos de la nueva corriente británica, deciden formar un grupo (the Jet Set), con el que dar rienda suelta a su creatividad, intentando mantener la esencia del folk americano. La influencia del sonido de grupos como the Searchers o the Beatles, hizo que el trío decidiera "electrificar" su sonido, este cambio llamó la atención de un viejo amigo de Crosby, el productor Jim Dickson, quien les proporcionó la posibilidad de grabar en el World Pacific Studios, cambiaron su nombre por el de The Beefeaters y grabaron un par de sencillos sin mucha repercusión, "The only i girl adore" (un tema acústico claramente Beatle) y "Please let me love you". Viendo el potencial de los chicos, Dickson les recomendó aumentar su instrumentación, les presentó al bajista de una banda que había producido con anterioridad, The Hillmen, Chris Hillman, mientras Crosby incorporaría al batería Michael Clarke, habían nacido the Byrds...



En 1964 el quinteto decide acudir a una sala de cine para ver "A hard days night" (Richard Lester), aparte de disfrutar de la película y de la música de the Beatles, la banda tiene la intención de averiguar como consiguen aquel característico sonido, y se dedican a identificar los instrumentos y amplificadores que utilizaban los cuatro de Liverpool. Durante la proyección, McGuinn reconoce la Rickenbacker 360/12 de George Harrison y decide que es justo el instrumento que confiere el peculiar aporte sonoro que necesitan. Dickson decide aportar fuerte y consigue que el banco le preste 5.000$, con ese dinero, aparte de la Rickenbacker, compran una Gretsch Country Gentleman, una Fender y piezas Ludwig para la batería, confiado en su nueva banda, les lleva a conocer al empresario musical Ben Shapiro. Mientras tocan frente a la casa del (no muy convencido) empresario, en el cuarto de arriba, a su hija le parece que los Beatles estaban tocando en su casa, inmediatamente bajó como una loca para escuchar a la banda, aquello convenció a Saphiro. Decidido a mover algunos hilos, Saphiro llamó al trompetista Miles Davis, y este, a un ejecutivo de Columbia Records (Irving Townshend), al que le contaron que habían descubierto a unos Beatles californianos, y que todavía nadie les había ofrecido un contrato. El 10 de noviembre habían fichado por Columbia (CBS).


 Bajo la producción de Terry Melcher, the Byrds graban su primer sencillo, en él intentan conjugar el estilo Beatle con el sonido de otro peso pesado al que la banda admira (Bob Dylan), en mi opinión, nada de esto habría sido posible sin el talento creativo de Gene Clark. En enero de 1965 sale al mercado "Mr.Tambourine Man", que rápidamente llega al número 1 de las listas, con tal éxito, los de Columbia deciden presentar a the Byrds a la opinión publica como la respuesta norteamericana a the Beatles, una "rivalidad" no compartida por el quinteto, que creía que las espectativas que creaba aquella comparación iban a ser un lastre para su carrera. Sin embargo la historia caló en el público y Roger McGuinn (cambió su nombre de Jim a Roger por motivos religiosos), y sus gafas a lo Benjamin Franklin, se convierte en un ídolo juvenil (el propio Lennon utilizó en "Revolver" las gafas rectangulares patentadas por Roger). El éxito les acompaña el resto del año con otros temas de Dylan como "Spanish Harlem incident" o "All i really want to do", otros de Pete Seeger, "Turn, Turn, Turn" o "The Bells Of Rhymney", mientras comienzan a brillar las perfectas composiciones de corte mas pop creadas por Gene Clark como "Here without you" y sobre todo "I'll feel a whole lot better".

A principios de 1966, consagrados como una de las grandes bandas norteamericanas del momento, llega un crucial punto de inflexión para la banda. El éxito les obligaba a viajar de aquí para allá muy a menudo, esto era un problema para Gene Clark, le tenía un absoluto terror a volar, en febrero de ese mismo año, preso de un ataque de pánico, abandona un avión que debía trasladar a la banda a New York. La frase que Roger McGuinn le espetó a Clark es contundente: “If you can't fly, you can't be a Bird" (Si no puedes volar, no puedes ser un "pájaro"). Gene Clark abandona la banda, curiosamente días después del lanzamiento de “Eight Miles High”, uno de los primeros temas en que the Byrds incidían en la psicodelia, compuesto por el propio Clark, e inspirada en las incidencias de un vuelo que la banda había realizado a Londres un año antes, este estupendo tema, influenciado por los arreglos de John Coltrane  (en especial su tema "India") y la música Hindú,  fue el fantástico y genial legado de Gene Clark a la banda (no habían dejado de escuchar “Impressions” y “Africa/Brass” de Coltrane y un casette de Crosby con grabaciones de Ravi Shankar durante la anterior gira), como curiosidad os diré que fue vetado por muchas emisoras de radio al sospecharse que podía hablar sobre el consumo de drogas. The Byrds que estaban suficientemente preparados (y colocados), para dar el siguiente paso .


Tras la salida del principal compositor (que muchos sugieren en realidad a conflictos internos de liderazgo), la banda podría haber perdido su identidad, McGuinn, Hillman y Crosby habían crecido como compositores, y había llegado el momento de dar la talla. El resultado fue "Fifth Dimension" (1966), el trabajo mas experimental de la banda hasta el momento, sin abandonar su esencia folk y pop, el disco se sumerge en la psicodelia gracias a la guitarra de Roger McGuinn. Alejados de las versiones de temas de Dylan, y a pesar de contener estupendos temas como " Mr. Spaceman " o el propio “Eight Miles High”, el resultado comercial no fue demasiado bueno, posiblemente, con la salida de Clark, el resultado fue un tanto desigual. Pero sólo era cuestión de tiempo, la banda encontró de nuevo su nivel sonoro con su cuarto disco, "Younger Than Yesterday" (1967) nos descubre a un Chris Hillman en plena madurez compositiva, además desde la salida de Clark, el bajista se había convertido en la tercera voz de los Byrds, lo que había hecho avanzar un poco más en la evolución de la banda. Inmersos un poco mas en el Country, el disco es un trabajo muy ecléctico con grandes temas como "So you want to be a rock'n'roll star", "Have you seen her face" o "Thoughts and Words".

 Pero las tensiones internas del grupo vuelven a causar bajas en sus filas, los desacuerdos sobre el camino lírico y sonoro que la banda debe tomar, desencadenan la marcha de David Crosby en plena grabación de su quinto álbum, "The Notorious Byrds Brothers" (1968), un excelente trabajo, con barrocas composiciones, cuidadas armonías vocales y grandes arreglos en la sección de viento, violines y algún teclado sideral, para muchos, este disco, es la respuesta a la cuidadosa producción del "Sgt Pepper's" de los Beatles. Durante esta época se produce el regreso de Clark a la banda, pero no aguanta demasiado y decide marcharse de nuevo, y esta vez, Michael Clarke, el batería decide hacer lo mismo. Tantas idas y venidas parecían vaticinar el final de la banda, pero no fue así en absoluto, the Byrds tuvo la fortuna de contar entre sus filas con músicos de inmenso talento, con la entrada o salida de cada uno de ellos, su sonido se reinventaba, aunque, por otra parte, dividía a los seguidores del grupo.

Hacia 1968, Chris Hillman presenta a su colega Gram Parsons a McGuin, junto con el nuevo batería Kevin Kelly (primo de Hillman) culminan el sexto trabajo de la banda, "Sweetheart Of The Rodeo" (1968), es en realidad una declaración de Country-Rock, un recital dominado absolutamente por el nuevo concepto sonoro aportado por Parsons. Pronto decide abandonar the Byrds, (alegando que no quiere tocar en un Sudáfica, debido al apartheid) y se lleva consigo a Hillman para formar The Flying Burrito Brothers. Con McGuinn como único miembro fundador, la legendaria banda continúa con el sonido impuesto por Parsons, se incorporan algunos músicos venidos de la escena Country (John York, Gene Parsons, Skip Battin,Clarence White) y continúan grabando con resultados muy dispares, aunque siempre bien recibidos por la crítica, "Dr. Byrds and Mr. Hyde" (1969), "Balad of Easy Rider" (1969), "Untitled" (1970), "Byrdmaniax" (1971) y "False Start" (1972). Pero el público había perdido el interés, siguiendo las andanzas de sus miembros originales en sus proyectos personales Gene Clark en solitario; Crosby con los Flying Burrito Brothers ó Crosby, Stills and Nash (y Young).

En 1973, en un vano intento de recuperar la esencia original de la banda, los cinco miembros fundadores, se reunen para grabar un nuevo álbum "The Byrds" (1973), pero la cosa no funciona, el disco es un fracaso, y McGuinn, Hillman, Clark, Crosby y Clarke acuerdan que el nombre Byrds solo podrá ser utilizado cuando los cinco miembros originales se reunan de nuevo, cerrando así el ciclo de la banda. Con los fallecimientos de Clark en 1991, y del batería Michael Clarke en 1993, desaparece toda posibilidad de una nueva reunión de los Byrds. Una de las mejores bandas de todos los tiempos, cuando se lo proponían no tenían rival, consiguiendo una trascendencia musical muy difícil de cuantificar, su influencia se ramifica por infinitos caminos, estando presente en la evolución de muy diversos estilos musicales (desde REM a Smiths, pasando por Tom Petty and the Heartbreakers o Eagles, por poner unos ejemplos). Una trayectoria seria y coherente, capaz de conectar con muy diverso publico, el grupo americano de referencia de mediados de los 60, un valor seguro que no puede faltar en cualquier colección de discos. Un sonido que sigue volando alto...the Byrds

Canciones con historia: " Louie. Louie"

Creo que nos tendríamos que trasladar a las praderas de Mongolia o a un desierto en Oriente medio para encontrar a una persona que no haya escuchado alguna vez nuestro tema de hoy. Hoy en día es un clásico del Rock, ligado a decenas de películas americanas, en especial las de juergas universitarias, pero nos encontramos ante el segundo tema más versionado de la historia de la música pop, tras "Yesterday" de the Beatles. Mucho menos conocida es la controversia y el escandalo que acompañó a esta canción, llegando a ser prohibida en, al menos, un estado de EE.UU, e investigada implacablemente por el FBI. Todo este embrollo sólo hizo que "Louie, Louie" se convirtiera en un símbolo de libertad y rebeldía, poniendo de manifiesto hasta donde puede llegar el poder establecido, para intentar controlar los movimientos socioculturales. Si tenéis curiosidad, seguidme un rato más...

El "siniestro" tema vio la luz por primera vez en 1957, se lanzó como cara B de un disco de Richard Berry and The Pharaohs para el sello Flip Records, "Louie, Louie" se convirtió rápidamente en un gran éxito en toda la costa oeste estadounidense. Fue compuesta por el propio Berry ("Roll with Me, Henry", "Riot in Cell Block 9"...) durante la primavera de 1955, tras un bolo en el salón de baile Parque Armonía en Anaheim, California. Allí la multicultural  banda de los hermanos Bobby y Barry Rillera (Rick Rillera and The Rhythm Rockers) ofrecían su repertorio de calypso, pop y Jazz latino, el primer tema en sonar fue un alegre cha cha cha de Rene Touzet, llamado "Loco Cha cha cha", sin darse cuenta, Berry comenzó a tarararear su repetitiva introducción, duh duh duh .. duh duh... Sobresaltado por el hallazgo, corrió a por un pedazo de papel (una bolsa de comida arrugada) y garabateó un par de lineas, en aquel momento estaba naciendo nuestro tema de hoy. Lo cierto es que otro Berry (Chuck) también se apropiaría de parte de esta melodía para su "Havana Moon" (1956), aunque, la verdad, no le fue tan bien como a su tocayo.



Con el riff y ritmo básico de "El Loco Cha Cha" como inspiración, Richard Berry se puso a componer su nuevo tema, influenciado también por un tema popularizado por Frank Sinatra, "One for My Baby (And More One for the Road)", interpretado desde la perspectiva de un cliente que le cuenta su vida al camarero de turno, Berry concibe un semi calypso, en el que un marinero, enfermo de amor, le cuenta sus penurias sentimentales a su camarero "Louie". Como veréis un asunto bastante inocente, como la mayoría de las composiciones de la época, un ritmo pegadizo, que tuvo una repercusión moderada, aunque se convirtió en un tema esencial en el repertorio de las bandas en el noroeste del Pacífico. entonces...¿a que viene tanto embrollo?, ¿donde encaja el FBI en todo esto?....para responder a estas respuestas debemos avanzar un poco más en el tiempo, mas concretamente a 1963...



Fue en abril de 1963, dos incipientes bandas de Rock del noroeste entraron en los estudios de Northwest 10th Avenue, en Portland, Oregon, a grabar sendas versiones del tema, Paul Revere and The Raiders  (podéis ver el vídeo pinchando sobre el nombre) y The Kingsmen, hay cierta controversia sobre quien fue primero, lo cierto es que la banda Paul Revere ya había hecho una grabación para el sello Sande, propiedad del gerente del grupo, el DJ, Roger Hart. Pasando por alto esta polémica inocua, lo cierto es que la versión de The Kingsmen se convirtió en un éxito sorpresa, el sencillo fue puesto en el mercado en octubre de ese mismo año, para diciembre ya estaba en el numero 2 del Billboard Hot 100, manteniéndose en la lista durante 16 semanas consecutivas. Algo realmente asombroso para una grabación sucia, y no lo digo por que se pueda calificar como "sonido garaje", si no por que fue una sesión descuidada (había costado 36$, con un tiempo muy limitado), grabada en una sola toma, con un sólo micrófono colgado en alto sobre toda la banda y con los arreglos justos de Robert Lindahl (dueño del estudio de grabación Northwestern Inc.). Tan apresurada grabación, (aunque ciertamente impecable) tuvo como consecuencia que la voz de Jack Ely tuviese una vocalización, digamos "confusa" y según se escuche, parecían aparecer frases como por arte de magia, por ejemplo (y esto se amplía a toda la letra) donde Berry decía:

Louie Louie, oh baby, me gotta go.
Louie Louie, oh baby, me gotta go.
...(Louie Louie, oh nena, me tengo que ir.)

The Kingsmen parecen decir (y dijeron en más de una ocasión):
Oh, Louie Louie, oh no
Get her way down low
Oh, Louie Louie, oh baby
Get her down low

(Algo así como:
Oh, Louie Louie, oh no,
La tengo por ahí abajo
Oh Louie, Louie, oh nena,
Llévala hacia abajo...)

Si sumamos esta (rebuscada) confusión de dicción, al hecho de que la banda solía cambiar la letra continuamente en sus actuaciones en directo, incidiendo en aquel primer equívoco, e incluyendo variaciones de relativo contenido sexual, que, como es normal, hacían las delicias de los jóvenes fans de la banda de Portland. Cada versión tenía un pequeño matiz picante nuevo, (en realidad frases absurdas, que sólo cobraban algún sentido gracias a la entonación y gestualidad que Jack Ely les imprimía) lo que aumentó la popularidad del tema, y por supuesto, las ventas del single. Por cierto (una curiosidad al margen) la versión de The Kingsmen se inspira más en la que hizo en 1960 Rockin' Robin Roberts, que en la de Berry....aqui os la dejo.



Al parecer, en febrero de 1964 un padre escandalizado, con la intención de proteger la moral de la juventud norteamericana, escribió una carta al Fiscal General de los Estados Unidos, Robert Kennedy, alertando sobre las obscenidades que contenía aquel tema, la Oficina Federal de Investigaciones investigó la denuncia, que amparándose en una curiosa ley denominada ITOM (Interstate Transportation of Obscene Material) inició una investigación sobre el asunto. En Junio de 1965, el laboratorio del FBI consiguió una copia de la grabación de The Kingsmen (parece ser que las tiendas de discos estaban cerradas durante algunos meses ¿?), se encerraron durante 30 meses intentando determinar si la letra contenía o no mensajes que pudiesen desestabilizar la moral de la juventud. Recopilaron 50 letras distintas, pero escritas les parecían un galimatías sin sentido, incluso citaron al propio Berry para que explicara el "significado oculto" de su letra (el pobre debió quedarse alucinando). Sin ningún dato fiable, finalmente concluyeron que la grabación "era incomprensible a cualquier velocidad" y por tanto no podían concluir si incurría o no en un delito contra la moral pública, quedando así el caso cerrado y archivado...Realmente una historia muy absurda...


Según la revista Rolling Stone, "Louie, Louie", en la versión de The Kingsmen, está colocada en el puesto 55 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, se estima que podrían existir unas 1600 versiones grabadas en todo el mundo. En 1983, Richard Berry y Jack Ely se reunieron en la emisora KFJC de Los Altos Hills, California para emitir y comentar durante 63 horas, más de 800 versiones del famoso y controvertido tema. Los componentes de The Kingmen no duraron juntos ni el tiempo que la canción mantenía su popularidad, así que el batería Lynn Easton (cuya madre tenía registrado el nombre del grupo) se agenció el papel de vocalista, como Ely no quería ponerse a las baquetas, también abandonó para formar  "Jack Ely and the Kingsmen". Evidentemente, Easton le denunció y Ely tuvo que dejar de utilizar el nombre de la banda, por otra parte, el juez dictaminó que Easton no podía hacer playback con la voz de Ely, así que la banda se fue al garete poco a poco. En definitiva mucha miga para un bocado de tan solo 2 minutos y medio, que costó al FBI 1'3 millones de dolares en investigaciones, pleitos y personal....posiblemente el tema mas caro de la historia!

Remo Four "A short history of Merseysound"

Fue una noche de 1961, Harry Prytherch era el batería del grupo, impecablemente vestidos de traje y corbata, the Remo Four, eran considerados como el mejor grupo instrumental del Merseyside. Aquella noche tocaban en Blair Hall, un conocido salón de baile de Liverpool, habían actuado allí en otras ocasiones, sin embargo era la primera vez para el otro grupo de la noche. Su música sonó durante 40 minutos, fue una buena actuación, al abandonar el escenario, Harry decidió quedarse en un lado de la sala para ver a la siguiente banda, se abrieron las cortinas y vió a cinco chicos con chaquetas de cuero negro, su música era muy rápida, algo sucia, pero era impactante el efecto que ejercía en el público, John Lennon, George Harrison, Pete Best, Paul McCartney y Stuart Suttclife, se hacían llamar the Silver Beatles, su estilo no era nuevo, pero sí peculiarmente distinto, y las chicas se volvían locas... Le pareció que que Pete Best era demasiado rudo con su batería, de echo la rompió y Harry le prestó su bombo, aquel chico era un buen batería, pero no encajaba en aquel grupo, o al menos así le pareció a él....
Más o menos así es como cuenta Harry Prytherch, como vivió el inicio de la era Beatles, un tiempo en el que muchos grupos británicos se auparon a la grupa de la ola de los Fab-four, mientras otros fueron eclipsados por su brillante resplandor. Hoy, Harry se dedica a rememorar y recomponer, a base de anécdotas y canciones, los años dorados del Merseysound, y sabe de que habla, ya que the Remo Four contribuyeron de manera decisiva en la carrera de muchas de las estrellas de aquellos años. Desconocidos por muchos, hoy recuperamos su música y su historia...


Con Johnny Sandon como vocalista

Remo four fueron muy populares en Liverpool a principios de los 60, aunque su trayectoria profesional abarca toda una década, su legado queda relativamente oculto entre las páginas de la historia del Merseybeat. No son un caso único, muchas otras bandas han corrido una suerte similar, Gerry & the Pacemakers, Rory Storm & the Hurricanes... y no fue por falta de calidad, en mi opinión se los comió un mercado muy nuevo y agresivo, en el que el éxito debía ser transoceánico, arrinconando a los grupos con menos expectativas. Pero dejémonos de elucubraciones y vayamos al tema... La abuela de Prytherch tenía un salón de baile en Liverpool, cada viernes y sábado tenían una orquesta, el pequeño Harry se solía sentar en el escenario contemplando la batería, siempre supo que quería ser. Trabajando repartiendo periódicos logró ahorrar lo suficiente para comprarse una, tenía 14 años y adoraba la música de Tommy Steele, Little Richard, Bill Haley o Elvis. Una noche un par de amigos (Colin Manley y Keith Stokes) se presentaron con sus guitarras para tocar con el, comenzaron a ensayar y, a la semana siguiente, con la incorporación de un chico que tocaba el bajo (Don Andrés), había nacido the  Remo Quartet, era 1958. Su rodaje fue a base de tocar en clubs sociales, bodas, comuniones... transportando el equipo en el autobús, o incluso andando por las calles de Liverpool.


En la etapa de Tommy Quickly

En 1960, gracias al interés del (pionero) promotor Charlie McBain, habían conseguido una furgoneta, una nueva Fender y reluciente kit de percusión Ajax, para celebrarlo decidieron rebautizarse como the Remo Four. Su sonido era muy bueno, en 1961, una encuesta sobre los grupos del Mersey, los colocaba en puesto numero 3. Tenían un buen número de seguidores, el propio Paul McCartney ha citado en alguna ocasión que solía escaparse para disfrutar de su música en el Cavern Club. Y es que compartieron habitualmente cartel y escenario entre 1961 y 1962, durante este periodo, the Beatles  decidirían ir a Hamburgo, mientras que the Remo Four viajará a Francia para tocar en las bases de la Fuerza Aérea Americana. La popularidad del grupo aumenta, así que cuando Johnny Sandon, vocalista de the Searchers, decide probar suerte en otro contexto, elige a Remo four como sus nuevos aliados, una unión que durará cerca de dos años. Las cosas parecían marchar bien, tocaban seis días a la semana, y se convirtieron en una de las bandas fijas del Cavern Club. Compartieron cartel y escenario con los Beatles en mas de 40 ocasiones, el propio Brian Epstein decidió convertirse en su mánager, pero la banda era un continuo ir y venir de miembros, Don Andres había sido remplazado por Tony Ashton, Prytherch se casó y fue sustituido por Roy Dyke y finalmente Johnny Sandon, harto de no ver despegar su carrera decidió tirar por su cuenta.

Con un nuevo contrato con NEMS Enterprises, Epstein decidió buscarles un nuevo cantante, el elegido fue Tommy Quickly, un joven artista cuyo estilo hasta el momento se acercaba al rhythm and blues, pero Brian decidió cambiar su repertorio, llevándolo directamente al pop puro, su sencillo de lanzamiento fue un tema compuesto por Lennon y McCartney,  "Tip of My Tongue", pero fue su quinto sencillo el que lo pondría en la cima del exito, "Wild Side of Life" se mantuvo durante ocho semanas seguidas en lo alto del top 40. En este momento the Remo Four ya se habían convertido en una banda de acompañamiento, de prestigio si, pero nada más, aun así lograron colar en solitario algún tema instrumental en las listas, como la versión del tema de Henry Mancini "Peter Gunn".



Hacia 1966, la banda pasaba la mayor parte de su tiempo en Hamburgo, en el Star Club, sin Tommy Quickly su sonido fue evolucionando hacia nuevos terrenos, el órgano de Tony Ashton daba a la banda un toque Jazz, con cierto toque Soul, hicieron algunos singles y un álbum "Smile" (Star Club, 1967) un gran trabajo que demuestra su madurez artística y su crecimiento profesional. A finales de ese mismo año, George Harrison decide contratar a Remo Four como banda de apoyo en su primer proyecto en solitario, la banda sonora de la película "Wonderwall" (Joe Massot, 1968), un compendio de temas instrumentales en los que Harrison daba rienda suelta a su creatividad junto a sus amigos Eric Clapton y Ringo Starr, tambien se grabó un tema lírico "In the first place" que quedaría inédito hasta los años 90. Remo four continuaron como banda de estudio con gente como Billy Fury, finalmente y tras haber perdido su identidad como grupo, decidieron separarse para seguir haciendo lo mismo, pero cada uno con su propio nombre.

Vivieron desde dentro toda la evolución del Merseybeat, compartiendo escenario y experiencias con todas las estrellas de la época, the Shadows, Swinging Blue Jeans, Cilla Black, Billy J. Kramer (al que acompañaron un tiempo bajo el nombre de the new Dakotas), The Beatles, the Searchers... Aunque no son especialmente recordados, su trabajo es positivamente reconocido, escribieron poco material original, pero sus arreglos e interpretaciones fueron vivaces, imaginativas y contundentes, y por ello hoy tienen su pequeño reconocimiento en este humilde espacio...hasta muy pronto amigos!


De su disco "Smile" (toda una declaración de principios)

Led Zeppelin "Rozando el plagio"

En diversas ocasiones me he puesto a trabajar sobre este post, he investigado por la red, he leído decenas de artículos, contrastado diversas teorías, he escuchado y vuelto a escuchar sus discos...y nunca me había atrevido a acusar de plagiadores a uno de los grupos de Rock mas importantes de la historia, principalmente por que considero que el Rock and Roll, a lo largo de su extensa existencia, se ha constituido en un auto plagio masivo y continuado. Cuando una fórmula nueva funciona, inmediatamente la ves reflejada en muchos otros artistas. En algunos casos muy puntuales ese plagio es demasiado evidente, y en otros, los temas "deudores" consiguen más popularidad que el original, ése es el caso de Led Zeppelin. No querría ser yo el inquisidor que condene toda una larga y reconocida trayectoria profesional, por eso nunca me animé a publicar este post, el tema del plagio es muy subjetivo y los Zeppelin son lo que son, y ahí está su trabajo. Pero un comentario casual de un defensor a ultranza de la banda creada por Jimmy Page en 1968, me hace retomar el tema, en su disertación, este amigo sentencia que los Zeppelin son intocables, nuca plagiaron por que talento tenían a raudales y que los que acusan a la banda de ello es por envidia y odio a su música, que nada tienen que ver sus potentes temas con el blues, etc...¿?. Pasando por alto que este jovenzuelo posiblemente sólo conociera la vertiente Hard Rock de la banda, y su poca cultura musical, es imposible negar las (demasiadas) "coincidencias" que encontramos en su trayectoria, eso no niega el talento de sus componentes, una vez aceptado esto también puedes seguir siendo fan de los Zeppelin...basta de explicaciones, vamos al lío.

Desde su mismo inicio la sombra del plagio planea sobre la banda, y es que, al parecer, hasta el nombre fue "robado", John Entwistle, bajista de the Who, afirma que en 1968, harto de su banda, durante una noche de copas en un local de New York, le contó a un productor amigo suyo su intención de formar una nueva banda (ya tenía nombre pensado),  los Led Zeppelin e incluso barajaba una idea para la portada del disco: una impactante imagen del Hindenburg estallando. Entwistle nunca formó su banda, pero meses después vio su idea en las tiendas de discos, en una foto pudo ver al amigo al que le contó su idea, Richard Cole, road manager de la banda. Posiblemente se trate de una anécdota que gusta contar, más leyenda que verdad, así que vayamos a los hechos y comprobemos con nuestros propios oídos si los Led eran tan caraduras como se les acusa. Durante su carrera tuvieron que lidiar con infinidad de juicios por plagio, pero comenzamos por el que más dinero les costó, ya que perdieron la demanda y Robert Plant tuvo que reconocer la "influencia". "Whole Lotta love" fue el tema estrella del segundo albúm de la banda británica (Led Zeppelin II, 1969), uno de los discos mas influyentes de la historia, considerado como la antesala del Heavy Metal, lleno de potentes riffs y excelentes fragmentos instrumentales. Pero el orgásmico "Whole Lotta love", fue rápidamente asociado con un tema de 1966 de los Small Faces, "You need loving", que a su vez era un tema inspirado (pero reconociendo la autoría) de "You need love", que el Bluesman Willie Dixon escribiera para Muddy Waters en 1962, aunque las diferencias conceptuales y estéticas son notorias, el nombre de Dixon tuvo que ser añadido (por imperativo legal) a los créditos como co-autor!. Robert Plant en un alarde de sinceridad afirmaba: "Eso era, un pequeño 'robo'. Y ya está arreglado. Por aquel entonces, discutíamos mucho sobre qué hacer y se decidió que aquel tema ya no lo recordaría nadie, 7 años, ya sabes... bueno, sólo te pillan cuando tienes éxito. Así es el juego."

Pero "Whole Lotta love", no fue su primer tropiezo legal, en su primer disco ya tuvieron que lidiar en los tribunales por plagio. Al parecer durante el periodo que precedió a su primer Lp, Robert Pant y Jimmy Page, solían tocar en plan acústico un tema de 1962, que solía interpretar Joan Baez "Baby I'm gonna leave you". Lo hacían en plan colegas, para impresionar a las chicas, pero finalmente, cuando el disco empieza a tomar forma, deciden colar una canción con el mismo título (para que currarse otro), se erigen autores de la canción, y no se esfuerzan en disimular demasiado el asunto. Tras varios años de litigios, en 1999 tuvieron que incluir a la verdadera autora del tema (Anne Brendon) en los créditos del disco, e indemnizarle con una cuantiosa cantidad por los royalties generados por el tema.

Hasta el momento, y a pesar de las sentencias judiciales, para los mas fanáticos, todo esto puede ser considerado como "apropiación inconsciente", "inspiración no reconocida" o un simple homenaje a los temas plagiados, pero los Zeppelin copiaban a conciencia, y lo hacían bien. En 1967 Jimmy Page quedó impactado por un tema del músico de folk británico Jake Holmes,"Dazed and Confused", tanto es así que durante su último año, The Yardbirds, incorporaría esta canción durante sus actuaciones en directo. Lo sorprendente es que Page se acredita como único autor del tema en el primer disco de los Zeppelin, a pesar de que se formó un pequeño escandalo mediático, Holmes nunca acudió a los tribunales, ni reclamó un centavo por el asunto.

(Podeis escuchar algunos temas haciendo click sobre los títulos))

En 1975 tocan el cielo de lo irónico, en su disco  “Physical Graffiti”, incorporan un Rock & Roll titulado “Boogie with Stu”, el tema en cuestión es una copia descarada y sin complejos de “Ooh My Head” de Ritchie Valens, como la cosa es demasiado evidente, adjudican parte de la autoría a una tal "mrs. Valens" (en vez de reconocer al verdadero autor, y pagar por ello), justificando el hecho como un "regalo" para la madre del músico de origen mexicano...A estas alturas yo ya no sé que pensar de estos tíos, creo que son unos cachondos....

Con estos antecedentes, muchos han comenzado a ver plagios incluso donde no los hay, muchos afirman que "Rock and Roll" es un plagio de "Keep a Knocking" de Little Richard, yo lo dudo mucho. Si bien el comienzo es idéntico, no encuentro más razones para tal acusación, es mas ¿que se puede esperar de un tema llamado "Rock and Roll"?, en mi opinión es un homenaje clarísimo, sin  tapujos ni vergüenza a los primeros años del Rock, por lo tanto las coincidencias son necesarias y casi diría obligadas. Mas evidente puede ser el caso de uno de sus mayores exitos "Black Dog" (Led Zeppelin IV,1971) en el que se puede reconocer muy claramente la deuda con el tema de Procol Harum, "Long Gone Geek” de su disco "A Salty Dog” (1969). La lista de temas "plagiados" es interminable, en unos se puede adivinar cierta conexión, en otros ni de coña, en cualquier caso que cada cual saque sus propias conclusiones, os nombro unos pocos: "Black Mountain Side" (1969)..."Blackwater Side" (Bert Jansch,1966) / "Communication Brakedown" (1969)..."Nervous breakdown" (Eddie Cochran, 1959) / "Hey, Hey, What Can I Do" (1970)..."Boogie Chillum" (John Lee Hooker, 1945) / "Moby Dick" (1969)..."Watch Your Step" (Bobby Parker, 1964) / "Trampled Under Foot" (1975)..."Terraplane Blues" (Robert Johnson, 1933) / "Gallows Pole" (1970)..."Gallis Pole (Gallows Pole)" (Huddie Ledbetter “Leadbelly”, 1949)...etc, etc

Para concluir he de constatar que la música de los Zepp sigue vendiéndose después de treinta años de su disolución, consiguieron ser una de las bandas Rock mas influyentes de la historia, con mas de 300 millones de albumes vendidos en todo el mundo, es la segunda banda con mas discos de diamante de la historia (otorgados cada diez millones de ventas en EE. UU.), tan sólo superados por los Beatles. Tuvieron talento para pulir y tranformar una melodía hasta convertirla en una nueva joya musical, caraduras o no, yo los considero inocentes de plagio, como he dicho son lo que son, copiaban, sí pero conscientemente, y con alevosía, y el resultado siempre era un nuevo concepto. Como ejemplo, su mayor éxito, un temazo inmortal e imprescindible, "Stairway to heaven" (1974). Desde su misma publicación (como no), se le buscaron diversos "padres", unos apuntan a que se inspiraron en "And She's Lonely" (1969) de Chocolate Watchband (me encanta esta teoría), y otros (la mayoría) a "Taurus" (1968) del grupo americano Spirit (conocidos gracias al tema de los Zeppelin, sin duda), ambos temas tienen momentos coincidentes, pero en cualquier caso no tiene importancia, el tema de Led Zeppelin les da (salvando las distancias) cuarenta vueltas, creando un clásico imperecedero. Termino confesando no ser un gran apasionado de este grupo, pero tampoco los odio ni condeno, admiro su trayectoria y reconozco su trascendencia, así que, les perdono sus pecadillos, y con mi bendición espero calmar a los fans de la banda, para que no me apedreen cuando me vean... ;)