Jimi Hendrix "Guitar legend"

"Quisiera hacer una música tan perfecta que pudiera penetrar el cuerpo y curar enfermedades"
(Johnny Allen Hendrix, 1942-1970)






El joven músico americano llegó al apartamento en el que se hospedaban en el Samarkand Hotel, era un sitio bonito, allí podía trabajar en sus nuevos temas mientras se dedicaba a la promoción británica de su ultimo disco. Aquella noche la había pasado en un garito de Londres, donde el músico acompañaba en una Jam session a su viejo amigo Eric Burdon, había ido a recogerlo su nueva "novia", una patinadora alemana llamada Monika Dannemann, ella no había sido invitada (tal vez por que en la fiesta se encontraba, Devon Wilson, una de las amantes del joven). Una vez en la habitación (y según la declaración de la chica), le preparó un bocadillo de atún (aunque varios testigos aseguraron que allí no había comida) y se tomaron una botella de vino. El músico garabateó unas letras para un tema que componía (“The Story of Life"), el joven había tomado anfetaminas y necesitaba algo para poder descansar, así que decidió tomarse unos cuantos somníferos (al parecer un tranquilizante muy potente llamado Vesparax). Finalmente, cerca de las siete de la mañana la pareja descansa por fin, sobre las diez y media, Monika se desvela, así que decide levantarse para ir a comprar cigarrillos a una tienda de Portobello, deja al muchacho durmiendo con aparente normalidad. Al regresar intenta despertar al joven, no reacciona, y por la boca parece caerle un hilo de espuma. Aterrorizada busca en la agenda del músico, y encuentra el número de Eric Burdon, éste le ordena que pida una ambulancia y corre a ayudarles. Burdon llega antes que los médicos, así que decide "limpiar" la habitación, esconde toda la droga que encuentra y se guarda la letra de la canción (fue un error del cantante de los Animals, que pensó que aquello podría ser una nota de despedida y que su amigo había intentado suicidarse, de echo, en una emisora de radio dijo que su amigo se había ido cuando quiso). Cuando la ambulancia llega, los médicos encuentran al joven en su cama con su rostro cubierto de vómito, nadie más en la habitación, lo trasladan al St. Mary Abbots Hospital, pero el músico había fallecido un par de horas antes. En palabras del médico forense de Londres, el óbito se produjo por "una inhalación de vómito debido a intoxicación por barbitúricos en forma de quinalbarbitone",lo que hizo que se ahogara ocasionándole una parada respiratoria. El 18 de septiembre de 1970, fallece Jimi Hendrix, uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, ese mismo día nace una leyenda...

 Johnny Allen Hendrix nació una mañana de noviembre de 1942 en el King County Hospital de Seattle, pero poco tiempo después su nombre fue cambiado por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre. De origen humilde, pasó una infancia marcada por el divorcio de sus padres, con nueve años el joven Jimmy (así le llamaban entonces) pasó a vivir con su abuela paterna Nora Rose Moore, con quien encontró un mínimo de tranquilidad y estabilidad. El pequeño se refugiaba en su cuarto escuchando a Robert Johnson, Leadbelly, Muddy Waters, Howlin 'Wolf, Buddy Holly, Elmore James...sentado al borde de su cama y utilizando una escoba a modo de guitarra. Jimmy tocaba la armónica desde los cuatro años, pero un día su padre le trajo un viejo ukelele que había encontrado limpiando el garaje, y aquello lo cambió todo. Con 14 años consigue comprar por cinco dólares una vieja guitarra acústica a un vecino. Aprendió rápido, mirando y sobre todo escuchando con atención a otros músicos, en especial a B.B King, practicaba constantemente, de manera autodidacta "inventó" una nueva forma de tocar. Al igual que Django Reinhart tuvo que adaptarse a su mano tullida, Hendrix, que era zurdo tuvo que adaptarse a una guitarra diseñada para diestros, siempre tocó en posición de zurdo pero sin adaptar las cuerdas a su condición (aquellos que hayan tocado, aunque sea un poco, la guitarra, comprenderán la dificultad del tema). En 1958 fallece la madre de Jimmy, el joven está desolado, así que para paliar un poco el dolor, decide comprarle su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark 1560 blanca, que el muchacho toca sin parar, a pesar de no tener amplificador.



Pronto comienza a tocar con diversas bandas locales como The Velvetones o The Rocking Kings, abandona la escuela, a pesar de ser un buen estudiante (su único suspenso lo obtuvo en clase de... música!). Pero a principios de los 60, debido a ciertos tropiezos con la justicia, Hendrix, tiene que elegir entre pasar un periodo entre rejas o servir a la patria, con el ejercito como elección, Hendrix es alistado en 101st Airborne Division, y enviado a Fort Campbell, en Kentucky. Allí consigue sus galones como paracaidista, pero también conoce al bajista Billy Cox, con quien forma The Casuals King. Con una lesión de espalda producida durante un salto en paracaídas, y el tiempo obligatorio de permanencia cumplido, Hendrix comienza a estar incómodo en el ejercito, visita varias veces al psicólogo para conseguir la baja, intenta alegar homosexualidad, pero finalmente es su lesión de espalda la que le libera de la rigidez militar. Decide quedarse en Clarksville (Tennessee), donde continúa tocando con la banda creada junto a su amigo Cox, poco a poco se ganan un nombre en el circuito local, así que deciden ampliar fronteras y marchan a  Nashville, con la intención de tocar en la zona de Jefferson Street, el barrio afroamericano y corazón del rhythm and blues local. Esta época en particular influenció particularmente a Hendrix para sus improvisaciones en directo.

Paralelamente, y bajo el nombre de Jimmy James, entra a formar parte del Chitlin' Circuit ( una gira por locales para la comunidad cool afroamericana, dispersos por diversos estados, como el Cotton Club o el Victory Grill) , toca junto a su banda, pero también sirve como guitarra de acompañamiento a músicos de renombre como Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke, Jackie Wilson,...durante tres años Hendrix va definiendo su estilo, su actitud y su visión de la música. En 1964 se une a los Isley Brothers en una gira a través de los EEUU, luego con Little Richard, Ike y Tina Turner, Joey Dee and the Starliters... Hasta llegar a 1966, momento en el que decide montar su primer grupo como guitarra solista de Jimmy James and the Blue Flames, también es en esa época cuando comienza a consumir marihuana y LSD (muy de moda entonces). Durante una velada en el Cheetah Club, el guitarrista conoce a una joven morena y sofisticada llamada Linda Keith, la chica era novia de Keith Richards, se hicieron amigos y decidió presentarle a algunos amigos importantes, varios productores (incluido Andrew Loog Oldham, mánager de The Rolling Stones) declinaron apoyar al joven Hendrix, hasta que conoció al bajista de the Animals, Chas Chandler. Impresionado por el talento del joven guitarrista, y a punto de abandonar the Animals para convertirse en productor musical, Chas convocó a Hendrix en Londres, cambió el nombre de Jimmy por Jimi, y formó un trio (usando como modelo otro trio sensacional que pegaba muy fuerte entonces, los míticos Cream) junto al batería Mitch Mitchell y el bajista Noel Redding, nacía así "The Jimi Hendrix Experience".



 Aquel mismo año fueron la sensación de los locales de Londres, el estilo de Hendrix, tan personal y visceral, su utilización del wah-wah, un efecto que le había enseñado un año antes Frank Zappa, y seminal manera de tocar, gustaba (y mucho) al publico londinense, sólo faltaba publicar un single de lanzamiento. El tema escogido por Chas para el trío fue un blues (cuyo lío sobre su verdadero autor ya os conté en otro post), llamado "Hey Joe". Hendrix puso mucho empeño en conseguir un resultado personal, distinto a las anteriores versiones del tema, el resultado fue un sonido descarnado, de lenta e hipnótica cadencia, mezcla de blues y psicodelia, que entusiasmó tanto al productor como al público londinense. La irrupción de the Jimi Hendrix Experience en el panorama musical del momento fue una absoluta revolución, pronto fueron conocidos en todo el mundo, "Hey Joe" paso 10 semanas seguidas en lo alto de las listas UK, las estratosfericas escalas sonoras de Hendrix y su actitud descarada y salvaje en directo elevaron al trío al Olympo del Rock. Con sus siguientes singles, "Purple Haze" y "The Wind Cries Mary" se consagraron en Europa como un valor seguro, en directo arrasaban, combinando la composiciones seminales de Hendrix junto a versiones de clásicos como "Killing floor" de Howlin' Wolf, "Rock Me Baby" de B.B. King o "Wild Thing" de The Troggs. En 1967 llega la consagración definitiva y mundial, Paul McCartney intercede para que el trio sea invitado al Monterey International Pop Festival, tres días de música que sería considerado el preludio del "Verano del amor", inmortalizado en un documental que daría a conocer al mundo el universo hippie. La banda no desaprovechó la ocasión y Hendrix dio un espectáculo superior al esperado, dejando al publico boquiabierto mientras simulaba fornicar con su Stratocaster, tocando con los dientes, por la espalda, provocando acoples con su ampli, para finalmente pegarle fuego en un éxtasis colectivo.

Lo cierto es que aquel 1967 fue un año escrito en dorado y fuego en la historia de la música, fue el año del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Cream sorprendía con "Sunshine of Your Love" (dedicado a Hendrix, por cierto), Pink Floyd comenzaba su andadura musical, the Doors arrasaban con su álbum homónimo, Van Morrison triunfaba en solitario con "Brown Eyed Girl", y por supuesto Hendrix, adorado por el público, pero más por sus compañeros de profesión, hasta Mick Jagger, con quien existían ciertos roces, dijo en una ocasión "Él era nuestro". Pero Hendrix era un genio difícil de clasificar, su inusual forma de tocar, estridente aunque ordenada, los desafines provocados, los sorprendentes agudos provocados por los "retornos" con el ampli, su manera hacer vibrar su guitarra como en un discurso verborréico acelerado...en definitiva, aquello era único, y nunca antes se había escuchado de esa manera. Pero el éxito de Hendrix iba más allá de la innovación o de cómo revolucionó la música, en octubre de 1968, los tres discos de la banda competían entre sí en las listas, en el número 5 "Are You Experienced?", "Axis: Bold As Love" (disco grabado íntegramente con la afinación de la guitarra disminuida medio tono) se encontraba en el 3er puesto, mientras que "Electric Ladyland" conseguía el número 1, gracias en parte a la descarada versión del "All along the watchtower" de Bob Dylan, quien por cierto, a partir de ese momento comenzó a tocar el tema con los arreglos de Herdrix.



Pero la problemática vida privada del artista comenzaba a trascender a la profesional, tras ser arrestado en Toronto por posesión de heroína, comienzan las diferencias con sus compañeros, el excesivo perfeccionismo de Hendrix obligaba a grabar una cantidad impensable de variaciones de los temas, además pedía a los técnicos y músicos cientos de tomas distintas de algunas partes, en busca de la "magia" adecuada. En medio de una espiral creativa, Hendrix se dejaba llevar por infinitas sesiones de afinación, jam sessions, reinventando y variando su idea inicial, introduciendo decenas de músicos adicionales, que iban i venían al estudio sin un criterio aparente. Lo habitual era que Noel Redding, abandonara el estudio, y volviera sólo para grabar su parte con el bajo, sin la presión de Jimi. Finalmente, y tras dos exitosos conciertos en el  Royal Albert Hall de Londres, la banda se disuelve. Hendrix regresa con su viejo colega Billy Cox y funda Band of Gypsies, junto al batería Buddy Miles, un error que pasaría factura, Miles tenía un estilo funky, que sacaba de quicio al guitarrista, tanto era así que en pleno concierto en el Madison Square Garden, Herdrix deja de tocar y abandona el escenario. Durante los siguientes años continuó con su amigo Cox, incluso estuvo con el en el mítico festival de Woodstock, convirtiendo su actuación en un verdadero símbolo del festival (otro día dedicare un tiempo a explicar las miles de anécdotas de Woodstock). Tras este controvertido festival (con el "The Star-Spangled Banner", himno de los Estados Unidos interpretado de manera salvaje por Hendrix), luego viaja a Londres, y ya sabemos el resto...

Suele ocurrir que los artistas que mueren pronto, suelen estar sobrevalorados, aunque su aportación al mundo sea breve, se mitifican y elevan en demasía. Pero eso es injusto, ciertas grandes figuras de la música, con largas trayectorias a sus espaldas, también son recordados por un momento puntual de la misma, un sólo éxito, un disco rompeventas o, como mucho, unos pocos años de creatividad afortunada. Pero Hendrix fue uno de los artistas mas creativos y personales del pasado siglo XX, su manera de "vivir" la guitarra, es comparable a muy pocos artistas, sobrepasó las posibilidades de su instrumento, llevándolo a explosivos y emocionantes límites. No se puede discutir que tenía un extraño hechizo, uno de esos "mojos" que sólo los músico reconocen y que hizo de él lo que es. Una leyenda de la guitarra..

Canciones con historia: "Love me Tender"

Fue en una tarde de octubre de 1945, la profesora del niño de seis años era quien le había animado para presentarse a aquel "concurso de talentos", semanas antes la había impresionado con un tema Country, "Old Shep" de Red Foley. Y ahí estaba ahora el pequeño, vestido de vaquero, a punto de subir al escenario del Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show, tuvo que subirse a una silla para llegar al micrófono para volver a interpretar el tema, no debió hacerlo del todo mal, pues quedó en el quinto puesto, pero el terror que sintió al verse ante tanta gente mirando le hizo jurarse que aquella había sido su primera y última vez. Por su cumpleaños, como regalo, recibió su primera guitarra, aunque realmente esperaba otra cosa, una bicicleta o quizás un rifle, pero aquella guitarra le hizo tomar confianza, la llevaba a diario al colegio, y tocaba para sus compañeros en los descansos, con el tiempo el pequeño y tímido muchacho llamado Elvis Aaron Presley se convertiría en uno de los mayores iconos musicales de nuestros tiempos, llegando incluso a ser llamado "El Rey"...

En agosto de 1953 un joven Elvis, con patillas y tupé peinado con aceite de rosas y vaselina se presenta en las oficinas de Sun Records con la intención de pagar unos minutos de estudio, para grabar un par de temas en un disco de acetato de doble cara para regalarselos a su madre, bueno, eso es lo que comentó después, aunque podía haber ido a un servicio de grabación de discos no profesional que estaba dos calles más atrás. El caso es que los de Sun se interesaron por el muchacho, ¡Un chico blanco que sonaba como un negro!!, y como dijo el mismo Presley, no sonaba como nadie!. Mas o menos así, cuenta la leyenda, que comenzó la fulgurante carrera del mayor mito de la música pop y rock de todos los tiempos.



En 1956, Elvis ya había sido vendido por 40.000 dólares a RCA, gracias a sus apariciones televisivas en los Shows rivales de Steve Allen y Ed Sullivan, la fama de Presley estaba tocando el cielo. Fue sólo cuestión de tiempo que la gran industria del entretenimiento, el Cine, se interesara por aquella gran estrella mediática. Ese mismo año le ofrecen un pequeño papel en un Western "The Reno Brothers", los papeles protagonistas serían para Richard Ebran y Debra Paget, Presley se limitaría a decir unas pocas frases y cantar. Pero éxito de Elvis hizo que los publicistas de la 20th Century Fox cambiasen el título de la película, sustituyéndolo por el de uno de los éxitos de Elvis. De esta manera "The Reno Brothers" paso a ser "Love me tender".

"Love me tender" fue interpretada por Elvis por primera vez en el Show de Ed Sullivan el 9 de septiembre de 1956, fue todo un fenómeno social, al día siguiente la RCA tenia un millón de peticiones por adelantado de aquel single, por lo que se convirtió en disco de oro antes incluso de salir a la venta. De echo, fue ese 10 de septiembre cuando Elvis entró al estudio de grabación para registrar el tema. La canción había escrita por Ken Darby, aunque por asuntos de royalties es la esposa de éste Vera Matson, quien aparece en los créditos junto a Presley. En realidad Elvis no compuso ni escribió ni una nota de "Love me tender" pero su involucración en el proceso creativo, la producción y los arreglos fue tal, que no tuvieron más remedio que darle parte del mérito. Durante toda su carrera Elvis se dedicó a cambiar los arreglos y las letras de los temas que le ofrecían hasta convertirlos en suyos, con el consiguiente desespero de algún que otro compositor. Pero el caso es que "Love me tender" fue un verdadero hit, que llegó al número 1 en noviembre de ese mismo año, donde se mantuvo durante cinco semanas consecutivas, hasta que fue sustituido por otro single suyo "Hound Dog / Dont be Cruel" consiguiendo así un record que tardaría más de cuarenta años en batirse: la más larga permanencia consecutivas en el número uno por un artista solista.

Pero "Love me tender" ya era una melodía muy popular para el pueblo norteamericano antes de que el joven de Tupelo (Mississippi) la grabara para RCA. La melodía (en realidad una nana) había sido compuesta por George R. Poulton con letra de W.W Fosdick en 1861, durante la guerra de secesión americana, bajo el nombre de "Aura Lee", fue un himno de la Confederación, con el final de la guerra se hizo popular entre los coros masculinos universitarios, cuartetos de barbería, y como himno militar en West Point, donde adaptaron la letra a las costumbres castrenses y la renombraron como "Army Blue". La letra original era una alegoría a la belleza de una chica, con la que el protagonista desea casarse, pero sin duda nos quedamos con la versión de "El Rey", una de las canciones más románticas y verdaderas de la historia de la música, una insuperable y sencilla melodía que llena de calor nuestros corazones con sólo escuchar sus dos primeros acordes de guitarra...

The Righteous Brothers "Blue-eyed Soul"

Debo reconocer que durante mucho tiempo el, dúo que os traemos esta semana, estuvo algo relegado a un segundo plano entre mi colección de discos. Para ser justos diré que la recopilación de temas que contenía aquel Lp no era, ni de lejos, representativa del verdadero talento de estos dos "hermanos", además que el éxito veraniego en que se convirtió "Unchained melody" gracias a la banda sonora de "Ghost" (Jerry Zucker 1990), el rechazo fue aun mayor (era joven y algo radical y no entendia como la gente no conocía aquel tema...¿que demonios escuchan?... ¿por que para muchos es tan "nuevo"?...bueno, cosas de juventud) y durante un tiempo les consideré únicamente como unos baladistas redundantes , con potentes voces eso sí, de cierto calado y poco más. Pero el tiempo, mi natural curiosidad y una afortunada casualidad, hicieron que recuperara el interés por estos dos artistas, me hice con una nueva recopilación del dúo, mucho mas completa y variada, con unas buenísimas grabaciones que me descubrieron unos talentos impresionantes y unas voces geniales, dotadas para el soul, el Rhythm &Blues, el pop-rock (y por supuesto las baladas), que no eran para nada acordes con el aspecto pulcro y elegante de los dos muchachos rubios de la portada de aquellos discos. Por todo esto y aprovechando esta plataforma, quiero enmendar mi error y reivindicar (desde sus temas menos conocidos) a uno de los dúos mas conocidos de la historia del pop, con una carrera y versatilidad no tan conocida por la mayoría.

En efecto, The Righteous Brothers no eran hermanos, era en realidad Bill Medley y Bobby Hatfield, componentes a principio de los 60 de un quinteto de los Angeles llamado The Paramours, pero vayamos por el principio. Para Bill Medley (1940, L.A.) la música siempre había formado parte de su vida, su padre dirigía una Big Band y tocaba el saxofón, mientras que su madre tocaba el piano y cantaba, con estos antecedentes el destino del joven parecía claro, sin embargo para Medley la música sólo era una afición más, hasta que escuchó a Ray Charles, desde aquel mágico momento no es que supiera que iba a ser músico, es que necesitaba serlo. Con este referente musical aprendió junto a su madre a tocar el piano y enseguida pasó a la composición, en esta última faceta vio que estaba su camino, deseaba componer para otros cantantes, y así empezó a mostrar su trabajo a otros cantantes y músicos, que al escuchar la profunda y clara voz del muchacho le preguntaban ¿y por que no las cantas tu?, y así comenzó su faceta de vocalista.

Bobby Hatfield (1940-2003) nació en Beaver Dam, Wisconsin, pero se mudó junto a los suyos a California con tan sólo cuatro años, desde pequeño cantaba en el coro de la escuela, potente timbre de tenor alto le hacía destacar entre sus compañeros. Gracias a su habilidad como jugador de béisbol consigue entrar en la Universidad Estatal de California Long Beach, donde forma junto a otros cuatro amigos de fraternidad un grupo de Soul y R&B: the Paramours, entre aquellos amigos se encontraba Bill Medley. Enseguida descubren las tremendas posibilidades de sus dos voces juntas y comienzan a pensar en formar un dúo al margen del grupo. Sin un nombre definido comienzan a pulir su estilo en los locales de Los Ángeles, su sonido era confundido con el de los grupos de gospel afro-americanos, tanto es así que una noche tras una versión de un tema Soul, un marine de color se levantó y gritó entusiasmado. "that's righteous, brothers", algo así como "justo eso, hermanos", y así, gracias a este arranque de emoción de un fán, nacieron The Righteous Brothers.

En 1963 comienzan su carrera discográfica con el sello Moonglow y dos temas de moderado éxito "My Babe" y "Little Latin Lupe Lu", este ultimo tema ha sido revalorizado con el tiempo y las diversas versiones que de él hicieron The Kingsmen, Chrissie Hynde, Bruce Springsteen y sobre todo Mitch Ryder & The Detroit Wheels. Las cosas les van bien, su indiscutible calidad vocal les hace ganarse una reputación de calidad en el negocio, esa reputación les abre las puertas al estudio de Phil Spector en 1964, que ve en ellos la oportunidad idónea para dar un paso más con su "muro de sonido". Un año mas tarde les produce "You've Lost That Lovin' Feelin" , un tema escrito por el propio Spector junto a Barry Mann y Cynthia Weil, precedido por seis simples notas y un "...nuca cierres los ojos.." el tema se convirtió sorpresivamente en número uno en casi todo el mundo, algo extraño en 1964 sobre todo por que en medio de la Invasión Británica, aquella canción era demasiado larga y demasiado lenta, con el tiempo ha sido considerada como una de las "canciones del siglo" (pasado por supuesto). La anécdota es que Phil Spector prescindió de Hatfield como solista para la grabación del tema, poniendo a Medley sólo al frente de la canción, Bobby contrariado le preguntó al productor ¿y yo que hago mientras Bill canta?, a lo que Spector respondió irónico: "tú puedes ir directamente al banco". Lo cierto es que el maniatico productor supo en que parte del dúo se encontraba el mayor talento.

Spector no se equivocaba, los temas del dúo fueron un enorme filón, ""Unchained melody", "Ebb Tide", "Just once in my life" o " (I love you) for sentimental reasons" hicieron que bajo la tutela del enigmático productor fueran considerados algo así como la esperanza blanca del Soul y su sonido denominado como "blue-eyed soul". Durante aquella época compartieron temas y escenario con Sonny Bono (autor de alguno de sus éxitos, como "Ko-Ko Joe"), Cher (que por aquel entonces hacía de corista en numerosas sesiones de grabación para Phil Spector), Carol Kaye, que fue la primera mujer bajista de la historia del Rock, aunque es su guitarra la que suena en "Unchained melody", Ike and Tina Turner....Pero la relación con el egocéntrico productor no es buena, así que su contrato es vendido a Verve/M.G.M Récords, así que en 1966 Bill Medley, decide demostrar al mundo que puede ser tan buen productor como Spector, y lanza al mercado "(You're My) Soul and Inspiration", otro tema de Cynthia Weil y Barry Mann y para ello le "roba" a su antiguo productor a Jack Nitzsche, su arreglista habitual. Con los mismos compositores y arreglos, el resultado resultó un calco de los trabajos de Spector, la cosa funcionó bien, fue su segundo numero 1 en USA, aunque a diferencia de "Loving Feeling" sólo alcanzó el 10 en el Reino Unido.

A partir de esta época su música no me interesa demasiado, tuvieron cerca de 40 hits, pero se acomodaron en el estilo que finalmente les ha caracterizado, baladas profundas, con melodías trascendentales y cierto regusto ampuloso. Trabajaron juntos hasta 1968, Bobby Hatfield se unió al cantante de the Knickerbockers ("Lies") y continuó usando el nombre de los Righteous Brothers, aunque su suerte duró muy poco. Medley comenzó una tibia carrera en solitario, volviendo regularmente y desde 1974, a cantar con su antiguo "brother", aunque paralelamente continuó con su faceta de solista, consiguiendo ganar un Grammy y el premio como "canción del año 1987", por su interpretación junto a Jennifer Warnes, del "(I've had) The time of my life", tema principal y cumbre en la escena final del baile de Dirty Dancing (Emile Ardolino). Gracias a este cinematográfico éxito, junto al de "Unchained melody" en "Ghost" y "You've lost thatlovin' feelin" en "Top Gun", la figura de los Righteous Brothers resurgieron en los 80.

En noviembre de 2003, Hatfield fue encontrado muerto en la habitación de un hotel de Michigan, las primeras informaciones apuntaban a un fallo cardiaco, pero hoy se conoce que la causa de la muerte de Bobby fue una intoxicación por cocaína, para Medley fue un terrible golpe, porque además de perder un amigo le cayeron un montón de falsedades encima, la verdad es que Bill nunca vio a su compañero tomar drogas y, aunque parezca extraño durante su época de éxito nunca cometieron excesos.

En efecto quizás "Unchained melody" y "You've lost that lovin' feelin" sean sus temas mas conocidos, y tal vez sean imprescindibles en cualquier colección de música, pero yo me quedo con su primera época, cuando sonaban a Ray Charles, enérgicos y poderosos, hacian muchas versiones sí (pero muchos grupos han triunfado con ello), un sonido negro en unos muchachos rubios de ojos azules. Aquel dúo sonaba (salvando las distancias y por decir dos potentes y conocidas voces blancas), como juntar a Elvis y a Roy Orbison .... pero tal vez cambiaron con el tiempo, tal vez fue su evolucion natural y la esencia de aquel proyecto se mantuvo intacta, no sé, cierto es que su progresión fue la que les llevo a la fama...pero yo me quedo con el comienzo.

Caro Emerald "Deleted scenes from the cutting room floor"

Lo reconozco, soy un incasable "buscador de sonidos", me encanta recuperar temas olvidados, artistas cuyos discos sólo recordados por unos pocos...pero también me gusta "descubrir" nuevos artistas, indago entre las nuevas propuestas musicales en busca de algo excitante, reconozco que esto ocurre menos veces de las deseadas, pero cuando encuentro ese disco, nuevo, refrescante y que colme mis expectativas sonoras, es un momento de placer total. Como ya sabéis, consumo casi todo tipo de música, no tengo muchos prejuicios, aunque si ciertas "debilidades", con la música actual es otra historia, no termino de conectar bien con muchos de los sonidos pop de los últimos años, quizás por eso siempre que os traigo uno de estos"descubrimientos", suelen poseer cierto aire retro. Me encontré con esta artista hace un año aproximadamente, me sedujo la portada de su disco "Deleted scenes from the cutting room floor" (no es de extrañar, muchas de mis adquisiciones las he hecho sólo dejándome llevar por las sensaciones que me causa su portada), tras echar un vistazo al la parte trasera, decido llevármelo...Comienza el disco, un peculiar Swing al estilo de los años 40, con un toque electrónico moderno que me recuerda a Caravan Palace, una voz espectacular, algo de Tango, de Gypsy Jazz, algún arreglo de arriesgado que sorprenden al principio (si eres un tanto "purista") pero a los que uno se acostumbra y llega a perdonar, scratchin', tacones altos, Piña Colada, Bloddy Mary's, el Cotton Club, y mucho, mucho talento....creo que es un gran disco.

 La suerte sonrió a Caroline Esmeralda van der Leeuw (Ámsterdam, 1981), en 2007, dos años antes había culminado sus estudios de Jazz en el Conservatorium van Amsterdam, y se ganaba la vida cantando junto a diversas bandas de la ciudad. Gracias a su portentosa voz se gana un nombre en el circuito de Jazz, tanto es así que en mayo recibe una llamada telefónica de los productores holandeses Jan van Wieringen y David Schreurs, que junto al compositor Vince Degiorgio (Atomic Kitten, A-Teens, N’Sync), habían escrito una canción pop para otra artista, que finalmente decidió no presentarse a la grabación, fue Caroline quien grabaría "Back it up", incorporando el tema a su repertorio habitual, poco tiempo después sería invitada a interpretarlo en vivo en un programa televisivo del canal holandés AT5. El efecto fue inmediato, miles de espectadores llamaban al programa para preguntar por aquella chica, el correo electrónico de la cadena se colapsó por los comentarios acerca de la maravillosa voz de la joven desconocida. Así que no hubo más remedio que editar el single, bajo el sello de sus productores (Grandmono Records) el single sale al mercado en Holanda el 6 de Julio de 2009, incendiando las listas de éxitos, para colocarse en el número 1 en Enero de 2010.



Prácticamente al momento del lanzamiento de "Back It Up" y su segundo (magnifico, divertido y evocador) single "A Night like this" (elegido por Martini para su campaña de 2009), Caro Emerald fue objeto de atención de las grandes discográficas internacionales, su disco de lanzamiento, "Deleted scenes from the cutting room floor"  fue publicado en los Países Bajos el 29 de enero de 2010, casi inmediatamente, la prensa internacional se hizo eco de tan atractivo producto, fusión de Groovin 'jazz, hot mambo, electro tango (creo que se inventaron unos cuantos términos nuevos para definirlo)...una rica combinación de géneros, arropados por la cálida y brillante voz de Caro, un excelente trabajo de creatividad que emociona por su original propuesta y excelente producción. Caro Emerald conquistó Europa en unas pocas semanas, su disco de lanzamiento llegó al número 8 de las listas UK, consiguiendo ser disco de oro en tierras británicas, lo que le abrió las puertas del resto de Europa. Top 10 en Berlín, disco de oro en Alemania, quintuple disco de platino en Holanda, récord de ventas en Francia (donde fue distribuido por Sony Music Entertainment France) y en Escandinavia (por Bonnier Amigo), en el resto de Europa fue entrando poco a poco, aquí, en nuestra piel de toro, muy pocos han hablado de ella, apenas puedes escuchar sus temas en los medios, y a no ser que uno de estos concursantes de Shows musicales de televisión interprete uno de sus temas, la mayoría de la gente ni se enterará de su existencia, en fin, así nos va...



Con tan sólo un disco de estudio (más un directo grabado en el Heineken Music Hall), puede que sea pronto para calificar el trabajo de esta joven holandesa de contundente figura. Sin embargo hay que reconocer que la irrupción en el mercado de su primer disco ha dado un vuelco al concepto de super-hit, manteniéndose 30 semanas en el numero 1 en Holanda, ha roto el récord establecido por el "Thriller" de Michael Jackson en 1983. Nos encontramos ante un trabajo exquisito, desde el diseño de la portada (con ese aire de novela policíaca americana de los años 40), las fotos del libreto, las letras del interior (todas con un prólogo explicativo), un diseño precioso y evocador, un producto muy cuidado de principio a fin. Es obligado seguir la pista a esta chica, su futuro promete grandes cosas, sus interpretaciones en acústico callan la boca a los mas puristas (algunos se adelantaron condenando el disco por sus arreglos,("interrumpir una Big Band con arreglos de DJ...sacrilegio!!"), pero su receta es un combinado manjar auditivo de alto nivel, su voz es preciosa y brillante, su ritmo agradable lo convierte en un disco ideal para el verano, una tarde con amigos, o una mañana soleada. Personalmente me ha parecido un trabajo fascinante, pasa por alto todos los clichés del jazz vocal, y se reinventa combinando tango, mambo, sonidos afro, electro swing... y lo dota de una identidad propia, personal, que no desentona en ningún momento (un trabajo así podría antojarse irregular, pero no lo es en absoluto).

Caro justifica su estilo por sus influencias, confiesa referencias tan dispares como Michael Jackson, Prince, Eva Cassidy, Amy Winehouse, Aretha Franklin, Madeleine Peyroux, Pink Martini...(incluso tiene una curiosa versión del "Bad Romance" de Lady Gaga, que aunque odio la cancioncita en cuestión, en su voz adquiere un curioso matiz). Un disco para disfrutar de principio a fin e ir descubriendo sus maravillosos temas, puede que no sea el descubrimiento del siglo, pero es una nueva forma de escuchar viejos-nuevos ritmos que funciona a las mil maravillas. Sentimiento, ritmo, diversión, fusión, sexo...Caro Emerald...

Versión original: "Money (That's what i want)"

Debo reconocer que descubrí "With the Beatles"(Parlophone, 1963) bastante mas tarde que buena parte de la discografía de los cuatro de Liverpool, quizás por que no se encontraba entre la maravillosa colección de vinilos de mi padre. Eran otros tiempos, evidentemente no existía Internet, y las tiendas de discos que conocía estaban mas por el pop y rock contemporáneo, por lo que durante mucho tiempo pensé que tras el mítico pistoletazo de "Please Please Me" (1963), venía "A Hard Day's Night" (1964), para mí tenía lógica, estos chicos triunfaron tanto que enseguida hicieron otro disco y una peli, lo que entonces no sabía es que "A Hard Day's Night" fue el primer álbum con todos sus temas compuestos por la banda, atrás dejaban las versiones... Pero algo no encajaba, yo recordaba haber escuchado "All My Loving", "Please Mister Postman", y no los ubicaba. Debo decir que tendría unos 15 o 16 años, y mis colegas de entonces no compartían mis intereses musicales, así que decidido a buscar respuestas dí con una de aquellas extraordinarias tiendas de vinilos, que exponían toda clase de maravillas en cajas de madera, clasificadas por estilos, fechas y años (...Totó, ya no estamos en Kansas!), un verdadero paraíso, que por desgracia dejaron de existir al igual que los recreativos de toda la vida...Bueno, que me pierdo en batallitas, en aquel comercio con aroma a añejo y cartón húmedo encontré la respuesta, amablemente asesorado por el gruñido del dependiente, dí con lo que buscaba, un ejemplar de "With the Beatles" un tanto estropeado, y esa mítica portada!, una joya (mis manos temblaban) que al final de su cara "B" me descubría una de las versiones que solían hacer los Fab four que mas me han gustado de toda su trayectoria..."Money (That's What I Want)"...

 Al parecer fue en la tienda de Brian Epstein "North East Music Stores" (NEMS) en la calle Great Charlotte, donde George Harrison descubrió la versión original del tema, la habían incorporado a su repertorio en directo desde 1962, incluso la interpretaron en las famosa audición para Decca Records. La banda decidió incluirla, junto a otras versiones, en su segundo disco para completar las ocho composiciones de la banda. "With the Beatles" se grababa tan sólo cuatro meses después de publicarse "Please Please Me", y para cerrar el disco eligieron un clásico del sello Motown, en tan solo siete tomas el tema estaba listo, pero el productor George Martin decidió superponer diversas tomas a piano, lo que dotaba al tema de un toque especialmente Soul. El tema tuvo un moderado éxito, sobre todo por que unos meses después "A Hard Day's Night" desbancaría totalmente de las listas el anterior trabajo de la banda británica. Aun así "Money..." con el tiempo se ha ido consolidando como el gran tema que es, y es uno de los imprescindibles a la hora de citar la primera época de los Beatles, un temazo lo mires como lo mires...



Lo cierto es que no hay mucho misterio a la hora de encontrar la versión original de este famoso tema (todo un estándar tanto del Rock, como del Rhythm and blues), aunque sí una curiosa "coincidencia" por la que la mayoría de los expertos pasan como "de puntillas". Para encontrar el origen de nuestra canción de hoy, retrocedemos hasta finales de 1958. Nos encontramos en Detroit, donde comenzaba a sonar fuerte el nombre de un compositor y productor musical llamado Berry Gordy, gracias a los éxitos conseguidos por sus composiciones para The Matadors, Etta James y sobre todo, Jackie Wilson, con su "Reet Petite", habían tocado la cima. El popular tema de Wilson había sido compuesto junto a su hermana Gwen, fundadora del sello Anna Recods, pero por aquella época, Berry solía compartir créditos con otra compositora, Janie Bradford. Junto a ella escribió gran parte del primer trabajo de Wilson, y juntos también escribieron "Money", un tema que a Berry Gordy, gran visionario y creador de hits, le pareció un vehículo perfecto para lanzar una nueva estrella. El elegido para interpretarlo fue un joven llamado Barrett Strong, al que Gordy descubrió cantando en el coro de una iglesia. Una vez concluida la grabación y los arreglos, el single fue lanzado bajo el sello Anna Records, el furor que causó aquel lanzamiento fue tal, que un sello tan pequeño como el de las hermanas Anna y Gwen Gordy, no pudo hacer frente al aluvión de pedidos, colapsados por el éxito, Berry Gordy decidió relanzar el single bajo su recién creado nuevo sello TAMLA Records, convirtiéndose así en el primer gran éxito del que sería el sello que revolucionaría la música de los 60, la Motown.



"Money (That's What I Want)" fue todo un fenómeno musical, marcando el inicio oficial de la TAMLA, y llegando en apenas unos meses al número 2 del US Rhythm and Blues chart, y al 23 de la lista pop en 1960. El perfecto fraseo de Barrett, el ritmo frenético y la magnífica interpretación, colocó al tema en lo mas alto, sin embargo la carrera de su interprete acabaría derivando hacia la composición, convirtiéndose en uno de los letristas fijos del sello Motown, suyos son, por ejemplo: "I Heard It Through the Grapevine" para Marvin Gaye,  ó "Ball of Confusion" y "Papa Was a Rollin' Stone" para the Temptations...
 Sin embargo, y aqui viene la curiosidad, muy pocas veces se nombra a John Lee Hooker como posible autor del tema, en algunos foros se cita al bluesman como autor de un tema con una letra similar, y en efecto así es. Durante la segunda mitad de la década de los 50, el bluesman del Mississippi, solía interpretar una composición propia (y así aparece acreditado en todas sus recopilaciones) llamada "I Need Some Money", las coincidencias son notorias y fácilmente reconocibles, sin embargo el ritmo y la cadencia de blues del Delta la distancia completamente de la canción de Strong. Lo cierto es que no hubo ningún tipo de litigio sobre el tema, muchos de los temas de Hooker (grabados y guardados en distintos archivos de discográficas) tardaron años en ver la luz, y además al bluesman le daban igual estos asuntos, en alguna ocasión declaró que estaba demasiado acostumbrado (y en el fondo le enorgullecía) a que los nuevos artistas se basaran en sus canciones o en algunos de sus riffs para nuevas creaciones. En mi opinión, el tema de Hooker sirvió a Gordy como una buena base sobre la que creó una canción totalmente nueva....quizás debió haber mencionado al bluesman en los créditos, pero lo cierto es que en aquel momento, el blues no estaba considerado comercial y el nombre de Hooker podía haber frenado la difusión del tema en algunos medios. En cualquier caso, sólo es mi opinión, os dejo con el bueno de John Lee... y juzgad vosotros mismos...

"Auambabulubabalambambú" (canciones con historia)

Es el estribillo más conocido del Rock and Roll, un acelerado galimatías gramatical difícil de descifrar, puedes buscar por la Red la letra de la canción y encontrarte con cientos de intrepretaciones, cosas como “a-wop-bop-a-loo-bop-a-lop-bam-boom” ó "Bop bopa-a-lu a whop bam boo", pero a mi me gusta más como se ha trasmitido en nuestro país durante varias décadas,  "Auambabulubabalambambú", que además siempre me recuerda aquel mítico programa musical, dirigido y presentado por Carlos Tena a mediados de los años 80, y que tanto me hizo aprender y descubrir. Pero este pegadizo y potente estribillo a punto estuvo de quedarse en el cajón de los temas nunca publicados, sin embargo y tras unos pequeños cambios, "Tutti Frutti" se convirtió en el tema que abriría las puertas a uno de los más importantes pioneros de Rock, el controvertido y estrambótico Little Richard. Un personaje cuya trayectoria da para un post bastante jugoso (que por supuesto haré), pero hoy nos vamos a centrar en su primer gran éxito...que también tiene lo suyo, ya veréis.


En 1955 Richard Wayne Penniman (Little Richard) ya había grabado diversos singles para RCA y Peacock Recods, y ninguno de ellos había conseguido una relevancia destacable,  frustrado y necesitado de nuevas perspectivas, en febrero de ese mismo año, a sugerencia de su amigo Lloyd Price, decide enviar una demo a Specialty Records. La cinta cayó en manos del productor Art Rupe, que decide organizar una sesión de grabación con Richard en los míticos J&M Recording Studio, propiedad de Cosimo Matassa, en Nueva Orleans. La elección del estudio resultó ser esencial para la evolución del tema hacia el gran éxito que fue. En Septiembre, Richard se traslada allí para prepararlo todo, va a tocar con la banda que acompaña habitualmente a Fats Domino (Lee Allen y Alvin "Red" Tyler en la sección de viento, Frank Fields a la guitarra y a la batería Earl Palmer). Con aquellos músicos, estaba claro lo que querían de él, Boogie-woogie, Richard había aprendido a tocarlo gracias a un viejo amigo suyo, Eskew Reeder (más conocido como Esquerita), otro pionero de Rock, homosexual y excéntrico al igual que Richard, que un día pasó por la ciudad natal de este, Macon (Georgia),  junto a Sister Rosetta Tharpe (mítica piuonera del Gospel), para actuar en el Auditorio de la ciudad. Cuando lo vio tocar el piano se quedó hipnotizado, mas tarde entablarían amistad, Esquerita le enseñaría a tocar a su manera, mientras se "apropiaba" del particular grito del joven Richard, lo cierto es que es difícil saber quien influyó mas a quien, si bien Esquerita tenía mas rodaje hecho, sus grabaciones en Capitol fueron posteriores a las de Richard. La verdad, no me importa demasiado, seguimos con "Tutti Frutti"...



  Lo cierto es que la sesión de grabación no estaba saliendo como se esperaba, el productor, Robert "Bumps" Blackwell, quería captar el estilo enérgico y anárquico de Little Richard, pero el resultado estaba siendo demasiado trivial y algo tosco. Durante una pausa para el almuerzo, un frustrado Richard decide sacarse un as de la manga, sentado al piano se pone a tocar un tema que había estado puliendo durante sus actuacciones el los clubes del Sur, en ese momento, y dispuesto a impresionar, decide aporrear las teclas del piano al estilo que le había enseñado Esquerita...
"A-wop bop-a loo-mop, a good goddamn!
Tutti Frutti, good booty"

Aquella exhibición descarada y osada convenció de inmediato a Blackwell, que le pidió que siguiera con el tema un poco mas. Pero ese era el problema, a Richard le gustaba mucho escandalizar, su propio padre lo tiró de casa a los 13 años por su homosexualidad manifiesta, (y eso que él se dedicaba a destilar whisky ilegalmente), así que la letra del tema era un pelín descarada y directa:

“Tutti Frutti, good, booty....If it don’t fit, don’t force it... You can grease it, make it easy”
Más o menos: (“Tutti Frutti, buen culito... Si no te cabe, no lo fuerces...puedes poner vaselina, para hacerlo mas fácil”)...

Aquel escandaloso tema era una completa declaración homosexual, además el título "Tutti Frutti" era utilizado en jerga para referirse a los homosexuales (ya sabéis, eso de mezclar peras y manzanas), así que el productor decidió localizar corriendo a uno de los compositores locales, la elegida fue Dorothy LaBostrie, quien tuvo que reescribir y "suavizar" la letra del tema en apenas 15 minutos. "Tutti Frutti" se convirtió en una sencilla canción sobre las dos chicas que le gustan al "protagonista" (Daisy y Sue), aunque conservó veladas alusiones sexuales. Grabado en tres tomas, y con el tiempo muy limitado, Richard tuvo que aceptar a LaBostrie como co-autora. A principios de 1956 "Tutti Frutti" se alzaba al segundo puesto del Billboard Rhythm and Blues, y logró colocarse entre los 20 primeros de la lista pop (algo inusual en aquel momento, para un artista de color).



Como era habitual en aquel momento, enseguida comenzaron a salir diversas versiones del tema, en una América vergonzosamente segregada racialmente, algunos artistas blancos dedicaban parte de su carrera a versionar canciones hechas por cantantes negros de R & B, dedicadas exclusivamente a la juventud blanca, el elegido para este caso fue el popular Charles Eugene «Pat» Boone, quien en un principio se negó a cantar aquella letra sin sentido. Finalmente, y con algunos cambios, la versión de Pat Boone logró una mayor difusión que la de Richard, aunque, en parte, esto acabó beneficiandole bastante. Aunque arrinconado como artista de Rhythm and Blues, y relegado a emisoras para negros, Little Richard consiguió llamar la atención de la juventud norteamericana, que acabó prefiriendo la seminal versión del músico de color.

Como era obvio que iban a seguir copiándole sus temas, para su siguiente single, Richard decidió cantar lo más rápido que podía (pensó que Pat Boone jamás lograría hacer algo así), de esa manera consolidó un estilo propio que le hizo sobresalir por encima de los demás, consiguiendo que los grandes sellos de música pop se interesaran por fichar a un tipo de color, ciertamente inimitable. "Long Tall Sally" se convirtió en uno de los éxitos más conocidos de Little Richad, un estándar del Rock and Roll, que lograría abrir las puertas de la fama al excéntrico músico de Georgia. Otro día os hablaré de su azarosa (y escandalosa) existencia, de esas cosas inconfesables que no aparecen en la Wikipedia, pero él mismo relató en su biografía en 1984. El rey negro y púrpura del Rock,un artista único, un estilo propio, unos temas que (sin duda) han contribuido a modelar el curso de la historia de la música...