Versión Original: "I will follow him"

Fue precisamente en abril, pero de 1963, que una quinceañera de Pennsylvania llamada Margaret Annemarie Battavio, llegaba al número uno de las listas de éxitos en los Estados Unidos con su segundo single con RCA, "I will follow him" (el primero, "Little Me" fue un año antes, y pasó bastante desapercibido). Más conocida como Little Peggy March, se convirtió en la artista femenina más joven de la historia en entrar y lograr un top ten de la prestigiosa lista Billboard. La canción se mantuvo durante 3 semanas en lo más alto, su popularidad da la vuelta al mundo y consigue dominar las listas de Australia, Japón, Nueva Zelanda y Escandinavia, en casi toda Europa se coloca entre las 10 primeras.

"I will follow him" fue un tema precursor en el sonido "girl groups" de aquellos primeros 60, la trancisión entre los grupos de chicas con influencias del Doowop, el Rithm&Blues o el Soul, hacia un terreno mas abierto, hacia el Pop. Sin embargo, a pesar del tremendo éxito de la canción, la carrera de la pequeña Peggy no funcionó como se esperaba. La razón principal fue el ansia desmedida de quienes dirigían su carrera y querían explotar rápidamente aquel filón, así que eligieron demasiado apresuradamente una serie de singles que sólo consiguieron que la joven cayera en el olvido musical. Sin embargo, fue su popularidad en Europa lo que la mantuvo a flote, y consiguió salvar su carrera en Alemania, donde logró cotas de popularidad realmente notables...Ya que estamos en Europa vamos a retroceder un poco más en el tiempo, en busca del origen de esta canción tan popular...



Y es que este tema ya había logrado el número uno de las listas un año antes, pero las de Francia. La interprete que logró este hit no era francesa, en realidad había nacido en Surrey (Inglaterra) en 1932. Petula Sally Olwen Clark había tenido una exitosa carrera como cantante y actriz infantil para la BBC (tanto en radio como en televisión), durante la década de los 50 fue forjándose una sólida carrera musical en las islas británicas, hasta que, en 1958 fue invitada a cantar en el Olympia de París, donde, a pesar de su miedo a no gustar al público francés y arrastrar un tremendo resfriado, consiguió un tremendo éxito. Al día siguiente le ponían sobre la mesa un contrato de grabación con Vogue, sus dudas se disiparon en cuanto conoció a uno de los publicistas de la compañía, Claude Wolff, del que se enamoró nada más verle. Así que se quedó en Francia hasta que consiguió cazar al muchacho, con el que se casó en 1961.



Mientras tanto conseguía gran popularidad en toda Europa, sale de gira con Sacha Distel, graba varios singles de éxito ("Sailor", "Romeo", "Ya-ya twist"...) , en inglés, francés, español... Hasta 1962 cuando le ofrecen grabar "Chariot", un tema instrumental escrito por Franck Pourcel (usando el seudónimo J.W. Stole) y Paul Mauriat (Del Roma), al que Jacques Plante había puesto letra (en francés). El éxito vino rodado, número 1 en Francia y 8º en Bélgica, proporcionando a Petula Clark su primer disco de oro. Un año más tarde ella misma también lanzaría al mercado su versión en inglés, aunque no obtuvo mucha repercusión, sobre todo por que la de Peggy March arrasaría con toda competencia.

 Y así llegamos a la primera vez que se grabó el tema, fue también en 1961, era un instrumental que formaba parte del LP ".. Amour, danza, Et Violons N º 17", interpretado por su creador, el compositor, director de orquesta y magnífico arreglista Franck Marius Pourcel, que (como ya he dicho) había escrito el tema junto a su colega, y también director de orquesta Paul Mauriat, los arreglos fueron acreditados a Raymond Lefèvre. Aunque todo esto es anecdótico, y queda como curiosidad ante el tremendo éxito que "I will follow him" tuvo en todo el mundo, una canción que ha sido interpretada por cientos de artistas en decenas de idiomas, y que posiblemente, los mas jóvenes, la recuerde de alguna película, interpretada por un coro de simpáticas monjitas...Un saludo, y hasta pronto amigos!

Canciones con Historia: "My Sharona"

En la historia de la música pop existe un fenómeno, que la mayor parte de la prensa expecializada denomina "One hit wonder", un fenómeno musical que da nombre a aquellos grupos o artistas cuya fama se debe a un sólo éxito, un tema que alcanzó en su momento una gran popularidad, y que trasciende a lo largo de los años más allá de la propia banda que lo llevó al éxito. Normalmente se tratan de temas que se recuperan a lo largo de los años en bandas sonoras o spots publicitarios, que son recordados con nostalgia por muchos aficionados, mientras los artistas que los interpretaron practicamente pasaron al olvido sin llegar nunca mas a tocar la cima de las listas de exitos, el tema que hoy nos ocupa, se puede integrar entre estos "one hit wonder's", pero no por eso deja de tener una historia interesante tras su estela de popularidad.

Sharona Alperin, era una estudiante de 16 años, nacida en Fairfax, que estudiaba en un instituto de Los Angeles, su aspecto moderno y rebelde le daba un aire un tanto más seguro y adulto al del resto de sus compañeras de estudios. A Sharona le gustaba el rock y el power-pop de moda en aquellos años 70, compaginaba sus estudios con un trabajo a tiempo parcial en una tienda de ropa de moda de la ciudad. Un buen día de 1978, un joven músico de Detroit llamado Lars Douglas "Doug" Fieger entró por casualidad en la tienda donde Sharona trabajaba, Doug, de 27 años había tocado en diversas bandas y ahora andaba metido en un nuevo y prometedor proyecto musical, aún sin una definición clara. El caso es que el muchacho cuando entró en la tienda y vio a aquella preciosa chica sufrió un verdadero shock, años más tarde confesaría: "fue como recibir un tremendo golpe en la cabeza con un bate de béisbol, me enamoré de ella al instante", "Jamás conocí a una mujer como ella, inducía a la locura. Tenía una presencia muy fuerte, una despreocupación natural y, sin embargo, gran seguridad en si misma. Además usaba un penetrante perfume que me volvía loco".



Evidentemente Doug intentó inmediatamente ligar con la chica, pero Sharona lo rechazó de inmediato. Aquel encuentro provocó algo en el músico y comenzó a escribir febrilmente un montón de canciones para aquella sensual joven, finalmente, y con ayuda del guitarrista de su banda, "The Knack", Berton Averre (que aportó un original y potente riff de guitarra que había compuesto antes, pero nunca había podido utilizar) dieron forma, inspirandose en la base rítmica de un viejo tema de Smokey Robinson & the Miracles: "Going to a Go-Go", a un tema que, a su vez, se convertiría en el single de lanzamiento de su primer disco "Get the Knack". El pegajoso riff y su memorable estribillo, convirtió "My Sharona" en un número uno en muy pocas semanas, en tan solo 15 dias vendieron mas de de un millón de copias, algo que no ocurría desde 1964, año en que los Beatles consiguieran este record con "I wanna hold your hand". En ese momento Doug ya tenía a Sharona en el bote, la chica había dejado a su novio para acompañar a la banda en su gira, protagonizar la portada del disco (marcando un estilo para toda una generación de adolescentes americanas) y vivir una historia de amor, que tan sólo duro tres años.

La banda nunca consiguió repetir el éxito de aquel primer disco, aunque continuaron en activo hasta 2005."My Sharona" es su legado, un tema reconocible, pegadizo, potente y directo, creado con la "sana" intención de seducir a una menor de edad. Una canción que seguro habéis escuchado en miles de garitos y discotecas, y que merece un pequeño reconocimento, al menos por los cientos de veces que hemos coreado, ebrios y enfervorizados su inolvidable estribillo...My my my my Sharona!

Canciones con historia: "Stand by me"

 Si hubiera que hacer una lista con las canciones mas populares y conocidas de todos los tiempos, es seguro, que este inmortal y multi-versionado tema, se encontrara entre los diez primeros puestos. Una hermosa canción que ha sido numero uno dos veces, con un espacio de tiempo entre ambas de, ojito, ¡veinticinco años!, un fenómeno que comienza a ser habitual gracias al cine, o a la publicidad televisiva...pero vayamos al tema.

Benjamin Earl Nelson, mas conocido como Ben E. King, fue (y es) uno de los vocalistas de Soul con mayor sensibilidad y expresión musical de la historia de la musical. Sus comienzos se remontan al coro de su iglesia en Harlem, y New York, donde con unos colegas del barrio monta su primer grupo "The Four B", alejándose de los cánticos al altísimos canta DooWop, mientras acaba sus estudios de secundaria. Paralelamente, otro artista de gran calado, un referente en el R&B, el DooWop y el Soul, llamado Clyde McPhatter, decide abandonar su banda (Billy Ward and His Dominoes.)y formar  "The Drifters", con la que consigue ganarse un puesto en las listas entre 1953 y 1955, gracias a temas como "Money Honey", "Honey Love", "White Christmas" o "Whatcha Gonna Do". Pero Clyde, tiene nuevos proyectos y decide separarse del grupo en 1957, en un principio es sustituido por David Baughn, un artista con un tono muy parecido al de McPhatter, que ya había formado parte de la banda, pero su nulo carisma y su comportamiento errático, hacen que Atlantic Records decida "paralizar" la banda. En ese tiempo los derechos del nombre del grupo son un lío y varios grupos tocan (y graban como the Drifters). Finalmente en 1958, los de Atlantic deciden relanzar a los "verdaderos" Drifters, para ello tiran de su mejor arma, una pareja de grandes productores que les estaban dando muchos y grandes temas,  Jerry Leiber y Mike Stoller. Pero necesitaban un vocalista de talento, con carisma y "alma" en la voz, así que el manager del grupo (y propietario de los derechos del nombre) George Treadwell, pone sus oidos en la voz de un grupo de DooWop, "The Five Crowns" llamado Ben E. Nelson, y le ofrece liderar the Drifters, ese mismo verano de 1958, el teatro Apolo, tenía un año de reservas para ver el regreso de la banda.


Consiguen rapidamente subir en las listas gracias a temas como "Dance with Me", "This Magic Moment", "Save the Last Dance for Me", "I Count The Tears"....pero  quiero hacer especial hincapié en la primera vez que el genial duo Leiber y Stoller deciden introducir ciertos riff de rock y una maravillosa seccion orquestal de cuerdas, en el que fue uno de los grandes primeros éxitos de los nuevos Drifters: "There Goes My Baby". Durante ese tiempo King trabajaba en un tema junto al dúo de compositores, en realidad no tenía intención de grabarlo, bueno, quizás como canción de "relleno" en algún disco. Pero, al finalizar una sesión de grabación, en el estudio le pidieron algo más, algo nuevo, así que King tocó al piano "Lord stand by me", un gospel que no interesó a la banda y que Ben recuperaría en su etapa en solitario poco después . Todavía bajo la tutela de Leiber y Stoller recuperan aquella idea y le dan nueva forma, "Stand by me" es lanzada como single en 1961, llegó rápidamente a lo más alto de las listas. Ben E. King, en realidad sólo puso su voz en una decena de temas de los Drifters, pero su paso por el grupo es historia, sin desmerecer la etapa de McPhatter, pero con King y esas magníficas composiciones... Quizás la curiosidad menos conocida es que la canción debe su origen a otro tema anterior, no tan popular, en realidad se trata de una adaptación, (reinventandola y adecuandola  a  los sonidos de moda en los 60), de un tema de 1955 de los míticos The Staples Singers, que interpretaban a modo del blues sufrido de los recolectores de algodón.



 Años mas tarde (1975) recobraría cierta relevancia, cuando el genio de Liverpool, John Lennon decidiera incorporar su propia versión del tema para su disco "Rock 'n' Roll", una semana antes de anunciar su temporal abandono de la música, para dedicarle todo su tiempo a su recién nacido hijo Sean. En 1986, volvería a alcanzar el numero uno gracias al film del mismo nombre ("Cuenta conmigo", Rob Reiner), basado en una historia corta de Stephen King, y que contenía en su banda sonora una lujosa colección de temas de los años 50 y 60, entre los que destacaba, por supuesto, este "Stand by me" de Ben E. King, un tema cuyo melódico preludio, su interpretación, rebosante de emoción y el tono y voz perfecto del gran King, demuestran que en la sencillez y en la pasión se encuentran las mas poderosas razones para crear obras tan magníficas como esta. Disfrutarla, pues sigue hoy tan viva como hace 50 años...

Versión Original: "My Way"

Posiblemente, si nos ponemos a sacar cuentas, este es sin lugar a dudas, uno de los temas mas versionados de la história, y posiblemente se encuentre entre los tres o cuatro que, si preguntamos a cualquiera, pueda recordar de los grandes éxitos del grande entre los grandes, Francis Albert Sinatra, mas conocido como "La Voz". A mi particularmente siempre me gustó mucho la versión de la ecléctica Nina Simone, pero para la mayoría del publico "My Way" es, y será siempre de Sinatra, su gran clase y estilo, su perfecto fraseo, sus medidas pausas y la genial interpretación, recreándose en el personaje, que hace el crooner por excelencia, convirtieron este tema en inmortal, asociándose desde ese 1969, a Frank de manera eterna (a pesar de no haber conseguido gran éxito en su momento), y consiguiendo que cada vez que oigamos cualquiera de las miles de versiones que existen del tema, nos venga a la memoria la imagen del chico de ojos azules que conquistó el mundo con su poderosa voz...



Pero, a pesar de que "My Way" sea una de las canciones por las que Sinatra sea recordado por la gran mayoría, ni es suya, ni fue el primero en interpretarla. Si bien con el tiempo, este clásico de clásicos, fue subiendo en popularidad hasta niveles impensables (por ejemplo, cuando el gobierno de Mijaíl Gorbachov hablaba sobre su política de no-intervencionismo en los asuntos internos de los demás países firmantes del Pacto de Varsovia, bromeando y haciendo alusión a que lo hacían "a su manera", autodefinián su postura como "Doctrina Sinatra"), el mérito de la letra se debe a otro grande de la música norteamericana, el compositor e ídolo del pop canadiense Paul Anka ("Diana", "Put Your Head on My Shoulder"...). La canción había llamado la atención del artista de Ottawa, la había escuchado a algún cantante en una emisora francófona canadiense, y le había gustado aquella melodía "in crescendo", así que con la ayuda de su amigo Fred Brott, decidió reescribirla para el público norteamericano, obviando la letra original y reinventando la historia para hablar de un hombre de avanzada edad, que echando la vista atrás, repasa su vida, para concluir con orgullo y optimismo, que siempre vivió a su manera. Mantuvieron, eso sí, la melodía original, pero el tema no llegó a alcanzar mucha popularidad mas allá de Quebeq, lugar donde por cierto, también logró popularidad su versión original...



El tema original tenía una temática un tanto distinta, hablaba de la cotidianeidad, de lo repetitivo de la vida, de como lo habitual estropea una pareja, en definitiva hablaba de hacer las cosas "como de costumbre", y ese fue su título "Comme d'habitude", una canción que, por cosas del destino, antes de cantarse en francés, se escribió en inglés (idioma en la que fue universal mas tarde). El tema en cuestión fue compuesto en un principio por Jacques Revaux en 1967, con letra en inglés y con el título de "For me", pero no gustó a ninguno de los artistas a los que se la ofrecieron, en especial Michel Sardou, finalmente Hervé Vilard ("Capri c'est fini") accedió a grabarla. Pero Revaux no estaba satisfecho con el resultado y convenció a Claude François para que grabara él el tema. Claude aceptó, pero pidió ciertos cambios, debía ser en su lengua patria, y la letra debía hablar sobre la tensión en una pareja al borde de la ruptura (en realidad quería hablar sobre su relación con France Gall). Con el consentimiento de Revaux, y una valiosa aportación en el nuevo texto a cargo de Gilles Thibaut la canción se convirtió en "Comme d'habitude", y salió al mercado en 1968.



Como remate final, quiero contaros que son muchos los que se atribuyen la primera versión en castellano de este tema. "A mi manera", que es también un himno en la voz del cantante de Linares, Raphael, fue grabada por primera vez en español en 1970, en el debut en solitario de la argentina Estela Raval, cantante de los Cinco Latinos, aunque por entonces se llamó "A mi modo". En cualquier caso un tema universal que podemos disfrutar en miles de versiones y decenas de idiomas, una suerte para los amantes de la buena música en general, yo os dejo con mi preferida, vosotros elegís la vuestra...hasta pronto!

Charlie Parker "Bird Lives!"

Fue precisamente esta misma semana, en el año 1955, cuando de manera espontánea y con una sincronicidad inusual para la época, los muros de la ciudad de Nueva York, como si de una convocatoria creada por una red social actual se tratase, aparecieron con miles de pintadas que repetían el mismo lema "Bird Lives!" (el pajaro vive), en realidad un homenaje sincero y natural a uno de los mas innovadores músicos de Jazz del pasado siglo, un maestro de la improvisación sonora, padre del Bebop, que con tan sólo 34 años, había dejado definitivamente de volar. En palabras de su amigo Dizzy Gillespie: “Demasiado frágil para durar”, sin embargo su espíritu pervive en aquellos temas que, inspirados por su genio creador, dejan sus notas volar libremente alrededor de cualquier melodía de Jazz moderno. Hoy con gran respeto y admiración, recuperamos el Jazz en Grafistantáneas, y lo hacemos con uno de sus grandes genios, un talento cuya inquieta y torturada alma, le llevó por una tormentosa existencia, comparable a la de otros genios como Vincent Van Gogh o Piotr Chaikovski....

Charles y Addie Parker vivían una vida humilde en Kansas City, su mayor ilusión fue el nacimiento de su único hijo Charlie, en agosto de 1920. El pequeño mostró enseguida un elevado interés por la música, en especial por los instrumentos de viento, en el colegio comenzó a tocar la tuba, enseguida comenzó a destacar, sin embargo a Addie (en ese momento ya viuda) no le gustaba aquel aparatoso cacharro, así que tomó una afortunada decisión, que sin saberlo, cambiaría la historia del jazz, y de la música moderna en general. Decidió ahorrar algo de dinero para comprar un instrumento más adecuado para su pequeño Charlie, y se decidió por un saxo alto. Como en el colegio no había nadie que pudiera enseñarle a tocar aquel instrumento, Charlie aprendió sólo, aplicaba sus básicos conocimientos con la tuba y le exprimía las notas tratando de imitar a los grandes saxos de la ciudad, como Lester Young o Ben Webster. Aprendió muy rápido, pero tambien vivió deprisa, comenzó a tocar con algunos grupos semi-profesionales de Kansas, a los 15 años abandona los estudios, se saca el carné de músico profesional y comienza a dedicarse a la música a tiempo completo, bueno casi, en ese momento Charlie había probado ya todo tipo de estupefacientes, se había casado con una compañera de colegio dos años mayor que él e iba a ser padre...



Durante los siguientes años perfecciona su técnica, aconsejado por el clarinetista Buster Smith, aprende el adecuado uso de boquillas y cañas, pero Charlie no se sentía a gusto tocando aquellas armonías estereotipadas, en su mente fluían un montón de notas más que no cabían en las partituras. En busca de algo diferente, en 1938 decide viajar a Chicago, y de allí a Nueva York. Al principio no le van las cosas muy bien, sobrevive como fregaplatos en un restaurante donde Art Tatum tocaba el piano cada noche. Finalmente consigue entrar en la banda del pianista Jay McShann, donde destaca en la sección de saxos, comienza a grabar con la banda, y se relaciona con otros músicos. En 1941 en el Savoy Ballroom de Harlem, conoce al que sería su referente más directo, el trompetista, Dizzy Gillespie. Un año más tarde cuando McShann decide establecerse en Kansas, Charlie abandona la banda, se queda en Nueva York, para sobrevivir toca junto a la orquesta de Earl Hines, pero paralelamente, comienza a participar junto a distintos amigos en unas “Jam sessions” en el Minton's Playhouse, que se harían tremendamente populares durante esos años, y de las cuales, nacería el Bebop. Es en esa época cuando se le comienza a llamar "Bird" por su forma de tocar, libre como un pájaro dando aleteos en distintas direcciones.

Entre 1945 y 1948, Charlie (Bird) Parker, graba junto a su amigo Dizzy Gillespie una serie de discos que pasarán a la historia como el testimónio de esa nueva manera de hacer música, superando las limitaciones del Swing de los años treinta y las encorsetadas melodías del Jazz blanco de gente como Glenn Miller o Artie Shaw. Juntos rompen las convicciones artísticas del momento, rompiendo las severas reglas de las big bands, para poner el jazz en un nuevo camino, reivindicando su racialidad, liberándolo de sus ataduras y devolviéndolo a los clubes musicales. Las sesiones contenidas en los sellos Savoy (1944-1948) y Dial (1945-1947) son el inicio de un Jazz moderno y popular. Pero vayamos más despacio, en 1945, con un contrato bajo el brazo se marchan a California, para tocar en el "Billy Berg's", pero el público de los Angeles no es tan sofisticado como el de Nueva York, y el resultado es un fracaso económico, además Charlie está cada vez mas enganchado a la heroína, y muchas noches ni siquiera aparece por el local. Dizzy, decide romper su relación con Parker, (aunque nunca lo abandona), regresa a NY, mientras Charlie decide quedarse allí, donde la heroína era mas sencilla de conseguir. Rozando los infiernos de su adicción, su cuerpo no resiste y es ingresado en el Hospital Psiquiátrico de Camarillo, donde intentan desintoxicarle durante siete meses.



A partir de 1947, con renovadas energías comienza la que será su etapa mas creativa y brillante. Durante cuatro años Charlie Parker pasea su enérgico Bebop por los más prestigiosos clubes de Nueva York, incluso en 1949 inauguran uno en Broadway en su honor,el "Birdland", firma un contrato discográfico con el prestigioso sello Verve, y comienzan a reconocer su trabajo internacionalmente. Recibe diversos premios y realiza diversos viajes a Europa, invitado por distintos festivales de Jazz. Las cosas parecen ir bien, mantiene una relación sentimental con Chan Richardson, una chica blanca embrujada por el Bebop, con la que tiene dos hijos y que le mantiene más o menos cuerdo. Pero Parker recae de nuevo en las drogas y a principio de los 50 le retiran el carné para poder tocar en los locales de Nueva York. Sus depresiones comienzan a ser más constantes, y su final se precipita en 1954 con la prematura muerte de su hija menor, entra en un caos mental dominado por el alcohol y las drogas, llevándole en varias ocasiones al borde del suicidio. Sólo y maltrecho decide refugiarse en casa de una protectora de los Jazzers, la Baronesa Pannonica de Koenigwarter, y es en su casa donde fallece el 12 de marzo de 1955 mientras ve un Show cómico en la tv.

Charlie Parker tenía tan solo 35 años, y según el forense, su cuerpo parecía el de un hombre de 60, la muerte, que llevaba tiempo rondándole, encontró su oportunidad en un ataque de risa, que se transformó en espasmos agónicos. Una combinación de úlcera de estómago, cirrosis, neumonía y posterior infarto, fueron los causantes de su fallecimiento. Tuvo una corta existencia, (Clint Easwood llevó su vida al celuloide en "Bird", 1988, con un magnífico Forest Whitaker como Parker) pero tanto su legado como su influencia, son innegables e históricos. Un espíritu indomable, un genio único que sacó el Jazz de las grandes salas para ponerlo a servicio del ciudadano medio, un músico revolucionario cuyo nombre se escribe en letras de sangre y oro en el gran libro de la música popular moderna...Fly Bird, fly...

Professor Longhair "A New Orleans Tale"

"Si soy tan grande, me pregunto por qué no tengo un contrato fabuloso."
Professor Longhair (1976)

En la historia de la música moderna hay personajes cuya influencia y presencia a trascendido y perdurado a lo largo de décadas, siendo nombrados como referencia clara de otros artistas, y que, aunque no los recordemos del todo, al escuchar sus temas, siempre nos sale el típico "ah, claro!...ya me acuerdo!". Pero no siempre es así, de vez en cuando te encuentras con casos como el de nuestro personaje de hoy, un artista cuya influencia es patente, y ha sido reconocida por muchos y variados artistas (Little Richard, Allen Toussaint, Dr. John, Jerry Lee Lewis, James Booker, Huey "Piano" Smith...), sin embargo su notoriedad y (relativo) reconocimiento le llegaría demasiado tarde, casi en el ocaso de su existencia...

Hablar de "Fess" (ó Professor Longhair), es hablar de una de esas historias trágicas y difíciles que forjaron los sonidos de la música popular moderna, una vida dura, un talento enorme, una figura a reivindicar, padre del R&B de New Orleans cuya vida bien merecería un biopic cinematográfico. Henry Roeland Byrd fue a nacer en 1918 en Bogalusa, Luisiana, era una época difícil, más aún para un chico de color del sur, pobre y sin estudios. Sus primeros escarceos con el mundo del espectáculo vienen de la mano de un taimado charlatán, vendedor de un milagroso "aceite de serpiente", al que un Henry de 10 años acompañaba como parte del (humillante) show, como falso público. En un momento de la perorata del tahur, preguntaba al "niño negro" si quería probar una tarta, éste subía al escenario encantado, para recibir un tartazo en la cara para regocijo de un público mayoritariamente blanco. Así continúa cerca de tres años, hasta que un día, decide que las cuatro monedas que le daba el charlatán por el "numerito" se las puede ganar él sólo, así que como tiene estilo y algo de talento se pasa al "tap-dancing", con el claqué callejero se gana la vida, es bueno, pero bailando cerca de los clubes del barrio francés descubre, con cierta envidia, la vida de los músicos de Jazz que frecuentaban la zona, así que decide convertirse en guitarrista.

Pronto descubre que las cuerdas de la guitarra no estaban hechas para él, se hacía daño y no conseguía disfrutar con aquello, prueba con la batería, y con todos los instrumentos que le prestaban otros músicos callejeros, hasta que un día encuentra un viejo piano vertical que alguien había tirado de algún club, le faltaban unas cuantas teclas, varios martillos y alguna que otra cuerda, aun así consigue hacer que suene y comienza a aprender a tocarlo. Como no tiene quien le enseñe, se inventa su propia técnica, crea una base de percusión con la mano izquierda mientras improvisa un frenético Boogie con su derecha, aun no lo sabía, pero estaba creando las bases de un futuro ritmo muy popular, el Rock&Roll.

Aquel sonido nuevo y de difícil clasificación, llama la atención de otros músicos de New Orleans, en especial la de Champion Jack Dupree, Washington Tuts y Rock Sullivan, que lo toman bajo su tutela, completan su formación musical, e incluso le pintan un bigotillo para que el chaval pareciese mayor y así pudiera tocar con ellos. Con la entrada de los EEUU en la Segunda Guerra Mundial, Fess, abandona la música para incorporarse al ejercito, e incluso prueba suerte como boxeador, en 1947 decide regresar a las teclas, primero como "Little Lovin' Henry" y más tarde formando una banda propia, The Midriffs Byrd. Junto a su nuevo combo consigue un contrato estable en uno de los locales más prestigiosos de New Orleans, el "Caledonia Inn", allí el propietario del local define a Byrd como "un profesor de piano de largos pelos", así nac

e su apodo, y la banda pasa a llamarse "Professor Longhair and his Four Hairs". En 1950 graba su primer disco para Mercury "Baldhead", que alcanza el nº 5 en las listas R&B, pero en una América dividida por razas, este éxito no tenía demasiada importancia. Sin embargo las emisoras de música negra eran escuchadas por muchos músicos blancos en busca de nuevos sonidos, y aquel ritmo caló profundamente en un joven pianista de Louisiana con un sentido del ritmo parecido llamado Jerry Lee Lewis. Elvis también reconoce la influencia de Fess en sus primeras grabaciones para Sun Records, y por descontado otros músicos de color como Fats Domino o Little Richard.

Sin embargo, aunque el sonido de Fess arrasaba en manos de otros y sus discos se vendían bien, ni su popularidad ni su cuenta corriente aumentó lo más mínimo. Con la llegada de la "British Invasion" a mediados de los 60, simplemente desapareció del mercado. Con dos hijos y sin un centavo decide recuperar lo que aprendió con aquel charlatán y se convierte en tahur profesional, un jugador de cartas con un as en la manga. Dentro de una espiral de mala suerte, su hijo muere a balazos, su mujer le deja por sus escarceos con otras mujeres, pierde su nuevo empleo como conserje y su salud comienza a decaer...tanto que a principios de los 70 se le da practicamente por muerto. Pero tres amantes del estilo de la música de New Orleans, deciden en 1971 crear el primer festival de música de la ciudad, recuerdan haber escuchado de jóvenes al prodigioso pianista, y deciden buscarlo para su festival. Fue uno de ellos (Davis Quint) quien lo encontró, desdentado, enfermo y flaco, trabajando barriendo una tienda de discos en Rampart Street. Allí le confiesa no haber tocado el piano en años, a pesar de tener uno en casa, nunca consiguió dinero para poder arreglarlo. Aun así, se hacen cargo de su salud, de su piano y reaparece, en plena forma en el segundo New Orleans Jazz and Heritage Festival.



Aquel regreso fue una autentica revolución, todo el mundo quedó literalmente, alucinando, guardias de seguridad, vendedores de comida, personal de mantenimiento...todo el mundo que allí se encontraba dejó lo que estaba haciendo para acercarse a ver a aquel tipo tan extraordinario, por fin Fess, conseguía el reconocimiento a su talento. comienza de nuevo a tocar, graba algunos discos para sellos pequeños, gana dinero, y en 1977 decide abrir su propio local: el "Tipitina", llenando cada noche, la reputación del Professor Longhair va en aumento, recibiendo visitantes ilustres como Robert Plant o Paul McCartney. Sale de gira, primero por los USA y luego por Europa, cosechando gran éxito. Parece que la cosa funciona, y por fin consigue un contrato discográfico con Alligator Records, con 61 años prepara el lanzamiento del grandioso "Crawfish Fiesta", su salida al mercado estaba prevista para el 31 de Enero de 1980, pero cuando las cartas te vienen mal dadas... Henry Roeland Byrd falleció en su cama el 30 de Enero de 1980, sin poder ver su disco en las tiendas, años más tarde le concederían un Grammy honorífico por sus primeras grabaciones para Atlantis Records.

La triste historia de un pionero del Rhythm and Blues, y el Rock, una influencia esencial en la evolución de la música pop, un creador que combinando con especial maestría Jazz, Blues, Calipso, Zydeco, Ragtime...captó entre sus dedos la esencia de New Orleans, un imprescindible para cualquier amante de la buena música con raíces...