Canciones con Historia: "Rock Around the Clock"

Queda poco para que acabe el año, pronto el reloj marcará el final mientras anuncia que un nuevo año comienza, y con él renovamos sueños, esperanzas y quemamos viejos lastres. Como homenaje a ese reloj que marca nuestro tiempo de manera implacable, vamos a dedicarle el ultimo post del año, en una canción que, para muchos, significó el comienzo del Rock & Roll. Hoy nos adentramos en el (incierto) comienzo de la música que marcó nuestro pasado siglo XX, y aún hoy nos acompaña, más madura, pero igual de fresca y sorprendente. Finales, comienzos, rock,..tic, tac, tic, tac...

En las primeras páginas de la extensa historia del Rock &Roll está escrito en mayúsculas el nombre de Bill Haley &a his Comets, en 1955 rompieron las barreras que impedían, a una sociedad estadounidense llena de prejuicios, disfrutar de un ritmo que parecía ser exclusivo del público de color. No obstante "Rock Around the Clock" no fue la primera grabación de Rock, ni siquiera el primer éxito de Halley en esta línea, un par de años antes ya había experimentado con temas como "Crazy Man, Crazy" y sobre todo una versión enérgica del ""Shake, Rattle and Roll" de Joe Turner, sin embargo "Rock Around ..." se convirtió en todo un himno para la juventud rebelde de mediados de los 50, y con el tiempo, es considerada como el tema que impulsó y abrió el camino al Rock & Roll, elevándolo por encima de otros estilos musicales.



Hacia mediados de la década de los 50 la música popular estadounidense estaba destinada esencialmente hacía un público esencialmente adulto, melodías románticas, sentimentales, interpretadas mayoritariamente por hombres blancos maduros y seductores o mujeres elegantes y discretas que entornaban los ojos al cantar frente a una gran orquesta. Por otro lado estaba la música negra, demasiado underground, confusa y profunda, para el adolescente americano, por lo que aquella generación de teenagers no se sentían identificados con aquellos sonidos. Es por eso que con la entrada de músicos blancos en el aquel ritmo seminal y alegre, que combinaba Swing, Blues e incluso Country, la historia de la música cambiaría radicalmente, "Rock Around the Clock" fue de aquellos primigenios temas, erigido en estandarte de toda una generación.

La verdad es que las bases del Rock & Roll se pueden identificar desde mucho tiempo atrás, en grabaciones de Blues de incluso los años 20, o en los temas orquestales de gente como Louis Jordan, por ejemplo, algunos incluso dicen que el Rock & Roll no era más que Rithm & Blues interpretado por blancos, no vamos a entrar en esto (de momento) y vamos a la historia de este tema tan popular. "We're Gonna Rock Around the Clock Tonight!", que es como se llamó el tema en su origen, estaba compuesto por Jimmy Myers (ó "Jimmy DeKnight") y Max Freedman hacia finales de 1952, aunque la autoría exacta del tema es aún causa de disputa, ya que muchos expertos afirman que el único autor fue Freeman. En realidad esto no nos importa demasiado, según biografía de Bill Haley escrita por John Swenson, el tema se lo ofrecieron originalmente, a raíz de su exito con "Crazy Man, Crazy", incluso llegaron a ensayar un par de veces, pero su productor (Dave Miller) le prohibe grabarla para su sello discográfico Essex, probablemente por alguna disputa con Myers (se cuenta que un día "pilló" a Bill con la partitura en las manos y se la partió en mil pedazos). Finalmente la primera grabación de la canción corrió a cargo de la banda italoamericana Sonny Dae and his Knights, quien, dirigidos por Pascual Vennitti, en el sello Arcade, sólo consiguieron un tímido éxito regional. El sonido del tema es bastante diferente al registro con el que Halley había estado trabajando.



Meses más tarde Bill Halley firma con Decca Records y comienza a trabajar de nuevo en el tema. De nuevo decide darle un nuevo estilo, algo en lo que se siente cómodo, sus base musical es básicamente el Country, sin embargo había comprobado con su antigua formación The Saddlemen, que la fusión con el Rithm & Blues funcionaba de manera espectacular , por ejemplo con "Rocket 88" (1951). Muchas son las influencias que se le acreditan a "Rock Around the Clock": un tema instrumental de Leroy Anderson llamado "The Syncopated Clock", un swing de los años 30 con cierta cadencia similar "My Daddy Rocks Me (with one steady roll)" popular en la voz de Trixie Smith, en cuyo título ya podemos componer el nombre del futuro estilo musical, o el tema de 1940 "Around The Clock" de Big Joe Turner (Big Vernon)...pero aunque etimológicamente tienen similitudes, son canciones muy distintas. En mi opinión , y conociendo las raíces de Halley, su verdadera inspiración (tal y como apuntó Duanne Eddy años más tarde) se encuentra en el tema de Hank Williams "Move It On Over".



Bill Haley & his Comets grabaron el tema el 12 de Abril de 1954, en una accidentada grabación donde pasó casi de todo, casi no llegan por que el Ferry en el que viajaban quedó encallado en la arena, la voz de Halley quedaba ahogada por la banda en la grabación, fallos con el batería...Pero el tema funcionó, el espaldarazo definitivo lo recibe cuando es introducida en el Sountrack de "Blackboard Jungle" (Semilla de maldad, Richard Brooks 1955), llevándola al nº1 en todas las listas y desatando por primera vez la fiebre mundial del rock and roll. Aunque Halley nunca tuvo el aspecto de un joven rebelde, ni fue el arquetipo del rockero al uso, los datos hablan por sí mismos "Rock Around the Clock" fue una de, si no es la grabación más influyente de la segunda mitad del siglo 20. Punto de inflexión y referencia básica y reconocida para varias generaciones de músicos, estandarte de una generación, Rock clásico en estado puro. Tál vez no sea la mejor canción de la historia, pero, en muchos sentidos fue, la canción perfecta en el momento adecuado....Y el mundo cambió desde entonces.....Feliz año a todos!!!

"Killing Me Softly with His Song" de Buddy Holly a Roberta Flack...

La verdad es que el post que preparaba iba a ir dedicado a un tema super popular, pero la historia que le rodea es de sobra conocida, así que pasé a otro, y casualmente descubrí una delicada conexión entre ambas historias, finalmente decidí unirlas en un sólo artículo con una trama un tanto enrevesada, aunque curiosa al fin y al cabo...Espero que os guste y que lo disfrutéis al menos, lo mismo que yo cuando lo escribo...

La historia del accidente es de sobra conocida, tras un bolo en Clear Lake (Iowa), Buddy Holly decide alquilar una avioneta para evitar un regreso en un autobús con la calefacción averiada a un montón de grados bajo cero, y así poder descansar para el proximo evento de la gira: "Winter Dance Party" en Moorhead (Minnesota). El avión nunca llegó a su destino, estrellándose en medio de un campo de maíz, una gélida mañana del 3 de febrero de 1959, junto a él (y el piloto, Roger Peterson) fallecían otras dos estrellas del pop the Big Bopper y Ritchie Valens. Aquel día fue una conmoción total entre los amantes de la música, sin embargo apenas había durado un año y medio y sólo contaba con un número uno "That'll Be The Day", y algunos otros éxitos de diverso calado "Peggy Sue", "Everyday","Oh Boy!"... Los otros dos artistan son un caso parecido, the Big Bopper, aunque era un D.J muy popular estaba triunfando unicamente gracias a "Chantilly Lace", mientras que Valens era una incipiente estrella de tan solo 18 años que triunfaba con "La Bamba".



En principio tan trágico suceso no parece tener tantos ingredientes para ser convertido en una leyenda, en un principio, tan sólo Tommy Dee les dedicó un tema "Three stars", dos días después del accidente, Eddie Cochran también la hizo popular, iba a ser un single benéfico para la familia de sus compañeros, pero Liberty, no supo (ni quiso saber) cómo se hacía eso y se embolsó los beneficios (fue disco de oro), por su parte Cochran comenzó a tener pánico a volar, y voló...pero atravesando el parabrisas de un Ford Consul del 59 .
Habría que esperar más de 10 años para que otro artista evocara este fatídico momento, y lo hizo como metáfora del momento en el que Estados Unidos estaba perdiendo su última pizca de inocencia. Se incluía en su álbum homónimo de 1971, Don McLean, con el curioso título de "American Pie", presuntamente estaba dedicada a Holly, pero en su letra no se nombra a ninguno de los artistas fallecidos y todavía hoy se debate sobre el significado de la canción, habla sobre la muerte del Rock&roll, sobre vivir rápido y morir joven, sobre el fin del american way of life ...pero ni siquiera McLean explicó jamás su significado real. En cualquier caso, la frase "the day that music died" ha pasado a la historia como un referente hacia ese día de 1959.



"American Pie" fue un éxito inmediato, se mantuvo un par de semanas en lo alto de las listas, mientras McLean llenaba las salas de conciertos. Fue en uno de estos concierto donde la escritora y cantante de California (aunque se crió en Suiza) Lori Lieberman, quedó fascinada por el estilo y la música de McLean, según algunos fue escuchando "American Pie" cuando quedó fascinada y le vino la inspiración (bastante improbable), pero es mas lógico pensar que fue durante la interpretación de otro de los temas de Don: "Empty Chairs", el caso es que horas después Lori escribiría unos poemas dedicados a la experiencia de aquel concierto de McLean, en los que confesaba que la "estaba matando suavemente" con su canción. Norman Gimbel y Charles Fox escribieron "Killing Me Softly" sobre esa base y la primera versión fue grabada por la propia Lieberman.



Y llegamos al final, la versión que triunfó (y que todo el mundo recuerda) fue la grabada por la cantante de Carolina del Norte, Roberta Flack, manteniendose en el número uno más de cinco semanas consecutivas. Fue nominada a los Grammy como mejor canción ese mismo año, curiosamente ( y esta és la última de las casualidades) "American Pie" se enfrentaba a ella en la misma categoría, finalmente fue Roberta Flack quien se llevara el gato al agua, ganando tres galardones...Y esto es todo, sólo me queda desearos que disfrutéis de estas navidades y un buen fin de año a todos y todas...Mucha suerte y mucha música!!

Mike Rios "El Rey del Twist"

Maximo exponente e impulsor del rock nacional, y junto a Bruno Lomas, el rockero por excelencia de la música española. Hablar de Miguel Rios es hablar de la historia de la música pop en España, con 50 años de carrera impecable, donde ha hecho de todo, su envidiable carrera es un ejemplo para cualquier artista, venga de donde venga, triunfar es fácil (a veces) mantenerse 50 años en todo lo alto, casi imposible. Pero hoy no voy a hablaros del Miguel Rios que conoce todo el mundo, el gran artista de "El río", "Vuelvo a Granada", "Santa Lucía", "En el parque", "Himno a la alegría", "Todo a pulmón" o "Que noche la de aquel año" (sólo por nombrar algunas).....hoy quiero reivindicar a aquel joven que comenzó su carrera con su nombre americanizado y que fue conocido como "El rey del Twist"...
La verdad es que a Miguel Rios no le hizo ninguna gracia ver en su primer disco "El Twist" ( Phillips, 1962), el nombre que la discográfica le había impuesto, Mike Rios. En sus propias palabras: "Cuando vi el nombre me llevé una sorpresa tremenda. Y en Granada la gente se reía de mí. Era una sociedad provinciana, que no admitía ningún signo de modernidad. Estábamos inmersos en el tercer mundo". En el inicio de su carrera, y por temas de las modas, Mike Rios no era un rockero, el ritmo de moda era el twist y él se convirtió en el Rey.

Miguel Ríos nació un siete de junio de 1944 en el barrio de la Cartuja, Granada. Criado en el seno de una familia humilde, fue el menor de los nueve hijos que tuvieron Antonia Campaña y Miguel Ríos. Como eran tiempos duros, al acabar los estudios en los Salesianos (donde ya comenzó a destacar con su voz, haciendo muchas veces de "solista", e incluso representando Zarzuelas), Miguel se tuvo que poner a currar, con quince años comenzó a trabajar en los Almacenes Olmedo de Granada, como dependiente de telas. Miguel odiaba aquel trabajo, una rutina y un empleo que no le aportaba nada. Hasta que en los almacenes abrieron una sección de discos, allí comienza a descubrir un nuevo mundo, Miguel era un apasionado de los llamados "ritmos modernos" que emisoras como Radio Sevilla o Radio Morón emitían. Debido a su entusiasmo y conocimiento del tema, lo trasladan a la nueva sección. Allí disfruta un poco más, es donde conoce a Carlos Vallejo (representante de una tienda de música), con quien entabla amistad y le ayuda a grabar una primera "maqueta" para un concurso de Radio Granada. Gracias a ella, abandona los grandes almacenes y con tan sólo 17 años comienza a cantar junto a la Orquesta Nevada en la parrilla del Hotel Nevada. Canta los nuevos ritmos que llegan de EE.UU. en lo que él mismo definiría como “ingles de los montes”, mientras tenía continuas disputas con el dueño del hotel por ir con pantalones cortos.

Tras mucho insistir convence a los directivos de Radio Granada que le graben una maqueta más profesional para enviar a Madrid, a la casa Philips. Así lo hacen, pasa el tiempo, y la respuesta no llega, finalmente le responden: Si se paga el viaje y la estancia en Madrid, le ofrecen la posibilidad de grabar un sencillo. A finales de 1961 deja su Granada natal y comienza una nueva etapa de su vida. Sobrevive en una pensión mientras pasa el tiempo, finalmente la discográfica decide sacarle provecho al muchacho, se impone un nuevo ritmo de moda (el twist), así que envían al joven Miguel a sus estudios del Paseo de las Delicias 65 para grabar su primer Ep. El problema es que en aquel momento no existían grupos de pop para acompañamiento, por lo que la discográfica echa mano de unos de sus músicos de estudio, Filippo Carletti e il suo Complesso, una banda que no sabía que esa eso del twist, ni como había que tocarlo, fue un desastre, el batería no sabía como tocar aquello y hubo que llamar a otro de apoyo, uno tocaba la caja y el bombo, mientras el otro llevaba el "sixteen beat" del twist con el plato. En sus primeras portadas el característico lunar de Rios fue retocado, otro tema de desacuerdo con el artista, estaba orgulloso de su nombre, tanto como de su imagen.

Era 1962, Mike tenía 17 años, 3.000 pesetas en el bolsillo y un disco en el mercado, eran días de versiones, de grabar en directo, sin casi ensayar. Miguel (por entonces Mike) solía comparar sus versiones con las originales, para comprobar el esfuerzo que habían tenido que hacer para que no sonase raro...Entonces pensaba que el español era un idioma hostil para el Rock&Roll, y que había que reinventar la fórmula. Lo primero que hizo fue prescindir de la orquestas, nuevos grupos estaban surgiendo en el panorama musical, había tocado con ellos en las matinales del Price (junto a grupos como los Tonys, Los Extraños, Les Chats Noires...), y eran capaces de seguir su ritmo, así que Mike los requirió para sus grabaciones, unos eran Los Relámpagos, y otros Los Sónor, echando mano de ellos según la canción a grabar. Así llegarían temas en clave rock como “Popotitos” (1962), “La pecosita” y “Da-do-ron-ron” (1963), mezcladas con ritmos del momento (Twist, Madison) "The Loco-Motion", baladas Doowop "El ritmo de la lluvia", versiones de temas franceses o italianos "Oh, mi señor" ("O mio signore" de Mogol, Vianello y Mapel), durante sus primeros años de carrera por su voz pasan todos los temas de moda ("Ruby Baby", "Quieres bailar" ("Do you wanna dance"), "Un diablo disfrazado" ("Devil in Disguise"),"Chica Ye Yé" y poco a poco se aleja del Twist (nunca le gustó demasiado) y va imponiendo un estilo propio a estos temas tan versionados, un sello que es propio de Rios: la versatilidad, la adaptacion..

Mike aparece en su primera participación cinematográfica "Dos chicas locas" (Pedro Lazaga 1964) junto a Pili y Mili, en ese momento decide "matar" a su alter-ego Mike, para renacer con su nombre real Miguel Rios. Decide fichar por la incipiente Sonoplay, intentando hacer incapié en el Rock &Roll, no trabaja mucho pero gana un buen sueldo, así que decide labrarse una nueva carrera, con la ayuda de su amigo Fernando Arbex . Poco a poco las versiones van dejando paso a temas originales, comienza a recurrir a compositores en alza como Pablo Herrero y Jose luis Armenteros, el propio Arbex o Waldo de los Rios. En 1968 sale el primer tema escrito completamente por él, aparece como cara B del single "El río", y es uno de sus grandes hits "Vuelvo a Granada". Había comenzado a reinventar el rock español, su estilo se impone y comienza a abrir fronteras ("Himno a la Alegría") siete millones de copias vendidas en todo el mundo, número 1 en Estados Unidos, Alemania, Francia, Italia y Reino Unido, además de tener gran éxito en otros países como Japón, Suecia, Austria, Holanda, Canadá....en los 70 y 80 se consolida como el gran jefe del Rock nacional, evoluciona hacia el Jazz, el rock sinfónico, se atreve con todo... pero esa es otra historia, que dejaremos para más adelante.

Miguel Rios es sinónimo de Rock español, hoy leyenda y referente de nuestra música, pero para muchos nostálgicos, entre los que me incluyo, también son importantes sus inicios, el de un Mike que llenaba sus discos de versiones y preciosas melodías "Oldies" que han quedado un tanto olvidadas y relegadas por el impresionante repertorio y currículum de su verdadero ser, otro mito...Miguel Rios...

Versión Original: "The House of the Rising Sun"

Fue un 7 de Diciembre, en 1968, cuando Eric Burdon, líder de una de las más míticas bandas británicas de la historia, hacía pública su intención de disolver the Animals....Una triste efeméride que me da una excelente excusa para hablar de ellos y de uno de sus más míticos temas. Un tema popular que cobra intensidad en la potente (y a la vez ronca) voz de Burdon, bien arropado por el eficaz órgano (un piano eléctrico Wurlitzer, muy similar al Fender Rhodes que utilizara Ray Manzarek para the Doors) tocado por un inspirado Alan Price (antes de abandonar la banda por su miedo a volar).

"The House of the Rising Sun" ("La casa del sol naciente", como la cantaron nuestros Bruno Lomas, Els Dracs, Micky y Los Tonys, Los Diablos Negros, Los Ágaros, César y Sus Senadores, Los Junior’s, Los Catinos o Lone Star) fue grabada por The Animals en una sola toma el 18 de mayo de 1964, su comienzo, un arpegio en "La" menor, ejecutado por Hilton Valentine, es, simplemente, historia de la música. Habían interpretado el tema en diversas ocasiones durante una gira junto a Chuck Berry, lo utilizaban para acabar sus actuaciones y así diferenciarse de otras bandas británicas, que explotaban los temas Rock&Roll. Aunque el público en principio se sintio desconcertado, finalmente fue todo un acierto y, el productor Mickie Most, vio un posible éxito en esta interpretación. Y así fue, número uno en UK en Julio de 1964, para después (en septiembre) convertirse en el primer número uno de la "British Invasion" en Estados Unidos que no era de los Beatles...Era un sonido nuevo, pero que para los americanos era familiar, y propio, muy arraigado a sus raíces y su historia.....



Pero el sónido de aquel tema, aunque renovado, no era exclusivo de The Animals, de echo se dice que se basaron en las versiones de Joan Baez (1959), o Bob Dylan (1961) para hacerla, es evidente la huella de Dylan, innegable, más bien, pero no es un plagio, cuando hablamos de una versión de un tema popular, no existe el plagio, y Dylan dio unas pautas que gustaron a Burdon y sus colegas, pero no siguieron al pie de la letra, de echo las ignoraron relativamente para utilizarlas en un nuevo concepto...y así crearon el clásico...pero hay que reconocer a Dylan su visión a la hora de recuperar los temas tradicionales y acercarlos al público americano. Pero fue la de the Animals, la que alcanzaría el número uno, quizás por que fuesen ingleses y en medio de aquella "invasión", se convertía en éxito casi todo aquello que sonaba de los nuevos grupos venidos de la Pérfida Albión. Unos jovenes británicos que refrescaban los sonidos Blues y Folk americanos, reconvirtiendolos en nuevas y desafiantes melodías para todo el auditorio, en especial para el público Norteamericano.

Al parecer la grabación más antigua del tema se remonta a 1934, y está hecha por Clarence Ashley y Gwen Foster, que aprendieron el tema de su abuelo. El tema habla, evidentemente, de Nueva Orleans, una ciudad de pasado francés, español, y anglosajón, que se mezcla con la cultura afroamericana, un crisol especialmente óptimo para proliferar el vicio, la corrupción y la inmoralidad a principios del siglo XX. Esos son el origen del tema, la canción narra en primera persona como "alguien" (hombre o mujer) se ha arruinado (económica o moralmente) en "La casa del sol naciente". De aquí viene la polémica, si es una mujer, se trata de una prostituta que se ha vendido y no encuentra salida, pero si es un hombre, puede hablar de un prostíbulo o una casa de juegos en la que la única manera de salir es seguir jugando... (en mi opinión la primera es más acertada).



Una vez en que todos están de acuerdo de que se trata de un tema popular americano, se interpreta desde las dos perspectivas a lo largo de la historia, desde la perspectiva masculina y la femenina. Por otro lado está la "veracidad" de la história, las distintas hipótesis se basan en datos confusos, uno, un Hotel de mala reputación en la Conti street,en el French Quarter en los años 20, y otro, un lugar destinado para bailes y festejos llamado "Rising Sun Hall" de finales del XIX, frente al río Missouri en el vecindario de Carrollton. "The Rising Sun" desde los inicios del tema queda relegado como un eufemismo de prostíbulo o casa de juegos, una guia de Nueva Orleans asegura que se ubicaba en la calle St. Louis St. 826-830 entre 1862 y 1874. al parecer la regentaba una tal Marianne Le Soleil Levant..."Sol naciente" en francés...leyendas, histórias para atraer al turismo...? no sé, de momento que me quedo con la teoría de que fue escrita por por dos norteamericanos de Kentucky, Georgia Turner y Bert Martin, basándose en una melodía de origen vritánica, tal y como cuenta el folclorista Alan Lomax (autor del libro "Our Singing Country", 1941), pero dejo abierta la polémica...

Los origenes del temas son imprecisos, pero eso no nos impide disfrutar de una gran canción que ha hecho historia de la música...venga de donde venga!

Canciones con Historia: "Johnny B. Goode"

Este tema en realidad no debía estar en "Canciones con historia", no es justo, por que más bien debía ser "Canciones que hicieron historia". Por que en realidad eso es lo que es, posiblemente una de las primeras canciones de Rock & Roll puro de la historia, palabras mayores, un ritmo endiablado, pegadizo, un estupendo riff de guitarra, sencillo pero efectivo...una formula sencilla directa y genial, puro Rock. En palabras de Marty McFly ("Regreso al futuro", Robert Zemeckis, 1985) : “Se trata de un riff blusero en Si, vigilad los cambios y no os perdáis”, con esas premisas clava el tema, cosas del cine, aunque en realidad su sencillez es lo que la hace tan grande...

Charles Edward Anderson: "Chuck" Berry (St. Louis, Missouri, 1926) se había forjado una carrera como guitarrista de blues en bandas como "Sir John's Trio", o "Chuck Berry Combo". En su ciudad natal sólo había otra banda de su estilo con la que competir, y estaba liderada por otro gran guitarrista, Ike Turner. Pronto comienza una carrera en solitario, aparece en algunas películas, pero es en mayo de 1955 cuando su carrera toma un nuevo rumbo. En un viaje a Chicago conoce a Muddy Waters quién le presenta a los hermanos Chess, en su estudio de la avenida South Michigan están impulsando un nuevo sonido, basado en un potente blues eléctrico, así entra a formar parte de Chess Records. En los siguientes años se convierte en la estrella mas rentable del sello, y su sonido, un referente y una influencia fundamental para la evolución del Rock & Roll.

"Johnny B. Goode" fue escrita e interpretada por Chuck Berry en 1958, publicada el mismo año en su disco "Chuck Berry is on Top". Veamos, la letra del tema es un reflejo del sueño americano, versión Rock & Roll, cuenta la historia de un joven campesino de Louisiana, pobre y sin estudios que se abre camino en la vida gracias a su talento con la guitarra y a su esfuerzo. Evidentemente se trata, en gran parte, de un tema autobiográfico de Chuck, parte de la inspiración del tema se atribuye a un colaborador habitual de la Chess, que había tocado con Berry, Muddy Waters o Little Walter, se trata del pianista Johnnie Johnson, con quien compuso algunos de sus mayores éxitos "School Days","Carol","Nadine"...De hecho el título del tema hace alusión al comportamiento de Johnnie cuando bebía (que lo hacía demasiado), a modo de broma interna entre los compañeros "Johnny sé bueno"...

Analizando el título vemos a "Johnny", evidentemente por Johnson, y luego dos de doble sentido, "B" , en inglés "be" (sér) y por Berry, y finalmente "Goode" (Good, en inglés: bueno) y la calle de St. Luis donde se crió Chuck Berry, Goode Street. En la primera versión Berry ponía como protagonista de su historia a un "coloured boy" (chico negro), pero Leonard Chess pensó que podía parecer reivindicativa o racial, así que decidieron cambiar la letra, y que simplemente hablara de un "country boy" (chico de campo). Lo curioso es que en la grabación de el tema no estuvo Johnnie Johnson, quien toca el piano es otro habitual de la Chess, Lafayette Leake.





Luego está el Riff de inicio del tema, posiblemente de los más famosos de la historia, junto al de "Smoke on the Water" de Deep Purple, "(I Cant’ Get No) Satisfaction" de los Stones o "Layla" de Derek and the Dominos, por poner algunos ejemplos. Un riff sencillo, reconocible en sus primeras notas, que triunfa entre el publico sólo con sus cuatros primeros acordes, bueno, pues básicamente está copiado nota por nota del inicio de un tema de Claude Demetrius y Fleecie Moore, que Louis Jordan and His Tympany Five, hicieron popular por el año 1946 "Ain't That Just Like a Woman", pero no podemos, ni mucho menos, de hablar de plagio, como en el caso de George Harrison ("My sweet lord") y las Chiffons ("He's So Fine"), es más una "apropiación inconsciente"... y una vuelta de tuerca más, añadiría yo.

Un tema eterno y mítico, imprescindible para comprender la historia de la música Pop y Rock, versionada hasta la saciedad y primer reto para cualquier aspirante a guitarrista. El éxito de la canción hizo que Berry escribiera dos canciones sobre el personaje Johnny, "Berry ha escrito dos canciones sobre su personaje Johnny, "Bye Bye Johnny" y "Go Go Go", hasta le hizo un álbum instrumental titulado como "Concerto in B. Goode"." y "Go Go Go", hasta le dedicó un álbum instrumental titulado como "Concerto in B. Goode". Un tema bueno si más que viaja por el espacio en el disco de oro de las sondas Voyager, como salutaciones para cualquier tipo de vida extraterrestre, quizás si escuchan a Berry, y no a Lady Gaga se decidan a venir...un saludo!