Brad Paisley " Country Man"

Como muchos sabeis, me gusta disfrutar de un amplio abanico de estilos musicales, aunque tengo predilección por unos pocos (Doowop, Blues, Soul, Jazz, 60'S Pop, Rock...) también suelo visitar con frecuencia estilos como el Swing, el flamenco, los ritmos latinos, la música Disco...en definitiva, que si lo que suena es bueno (o simplemente, me gusta) lo disfruto sin ningún prejuicio. Confesando de antemano, que no soy un experto en el tema, hoy me apetece un poco de Country, así que pon los pulgares en el cinto, cálate el sombrero y preparate para un recorrido por el ritmo de los tíos duros y rubias neumáticas con nombre compuesto...

Brad Paisley Douglas nació la pequeña ciudad de Ohio River, Glen Dale West Virginia, en Octubre de 1972. La pasión por la música le fue trasmitida por su abuelo materno Warren L. Jarvis, al que el pequeño Brad, con tan solo cuatro años, le preguntó "¿Que tipo de música te gusta, abuelo?", "Me encanta la música Country", le respondió. Brad pensó un instante y replicó: "Bueno, pues eso es lo que me gusta a mi también". Se pasaba las horas viéndole tocar la guitarra, su abuelo trabajaba de noche y pasaba mucho tiempo junto al pequeño, disfrutaba escuchandole tocar temas de Chet Atkins o Merle Travis. Fue el propio Warren quien le regaló su primera guitarra, una Sears Danelectro Silvertone, al cumplir los 8 años.

El mundo del Country y el del Soul tienen algunos puntos en común, y uno es la iglesia, muchos artistas se forjan cantando al altísimo, Brad no fue una excepción, comenzó a tocar en las congregaciones religiosas, y rápidamente se convirtió en un gran reclamo, la gente llenaba los templos, mas interesados en escuchar al pequeño y su guitarra, que el sermón dominical. Pronto pasó a ser una pequeña celebridad, invitado a cantar en fiestas navideñas, cumpleaños y celebraciones escolares. Con tan sólo 12 años compone su primera canción "Born on Christmas Day", el artista hoy lo recuerda entre risas: "escribí peores cosas mas tarde". Lo cierto es el tema fue escuchado por Tom Miller (director de WWVA, una importante emisora de Wheeling, West Virginia), y quedó tan impresionado que lo invitó a hacer una aparición especial en legendario Jamboree EE.UU, convirtiendose así en el artista mas joven en entrar en su "salón de la fama". Tambien participó en el Jamboree in the Hills, festival que acoge anualmente a más de 60.000 aficionados a la música Country, el pequeño Brad se convirtió en la apertura diaria de los conciertos.



Brad tenía 13 años y tenía su propia banda "Brad Paisley and the C-Notes", formada junto a su profesor de guitarra Clarence "Hank" Goddard, con quien actuaba para un publico totalmente adulto. Su talento musical le ayudaría también en su formación universitaria, tras graduarse y estudiar 2 años en West Liberty University (Virginia Occidental), fue premiado cun una beca ASCAP (American Society of Composers, Authors and Publishers) que lo mandaría a la Universidad de Belmont, en Nashville, Tennessee hasta 1995. Fue allí que coincidió con Frank Rogers, que se convertiría en su productor, y a colaboradores como Kelley Lovelace y Chris Dubois, con los que escribiría muchos de sus temas, fue este ultimo quien le consiguió una entrevista para EMI Music Publishing, donde conseguria un contrato como compositor. Así, con poco mas de 20 años, comienza una fructífera carrera como compositor, escribe "Watching My Baby Not Come Back." para David Ball y un Top 5 para David Kersh's, "Another You".
Un duro trabajo, su talento musical y su increible visión de futuro le llevó hasta Arista Nashville (sello de Alan Jackson), así en 1999 sale al mercado su album debut "Who Needs Pictures", que se convierte rapidamente en disco de platino, le lleva a su primer numero 1 "He didn't have to be", consiguiendo más de un millón de copias vendidas ese mismo año. En ese momento comienza una carrera llena de premios y recompensas, ese mismo año recibió su primera nominación a los Grammy, e hizo su debut en el "Grand Ole Opry".

Los siguientes años de este artista están plagados de éxitos, el canal de tv TLC, le invitó a su especial "Route 66: Main Street America.", un programa donde se versionaban los temas que hicieron mitica la ruta del Rock, eso llevó a Paisley a ser conocido más allá del circuito Country, llegando a tocar con artistas como Buddy Guy. Recibió el premio como mejor vocalista masculino del Country Music Association's. El resto de su carrera, es un ir y venir a los Grammy's, tocar en la Casa Blanca, llenar estadios y un montón de discos de oro, platino y madera de kentucky.



Los que lo conocen dicen que es un bromista empedernido, una vez encerró al tejano Jack Ingram en una tubería de pvc, y a Chuck Wicks le dijo que su novia le había dejado, unos momentos antes de que el pobre Chuck saliera a cantar. Tanta broma le salieron caras al cantante, en 2008 fue detenido en el aeropuerto de Nashville por dos agentes uniformados, Brad sorprendido replicó "Tienes que estar bromeando! Nunca he hecho nada malo en mi vida", al parecer se habían presentado 42 cargos en su contra por "manoseos" excesivos a la señorita Jewel Murray. Pasley rompió a reir al momento dándose cuenta que todo era una broma, venia de hacer una gira con la cantante y actriz ocasional Jewel, casada con la estrella del rodeo Ty Murray. El artista respondió "¿manoseos?.... en la guitarra?, soy culpable!". Brad está casado con la actriz Kimberly Williams desde 2001 y tienen dos hijos.

La música Country tiene, en realidad, mala imagen entre la sociedad norteamericana mas progresista, ya que se posiciona críicamente frente a la inmigración, por su concepción de la mujer o por su supuesta xenofobia. Pero sólo es un estereotipo, superestrellas como Johnny Cash, Loretta Lynn, Willie Nelson, Dolly Parton o the Dixie Chicks, contradicen claramente tales convicciones. Brad es uno de estos, celebra la diversidad cultural y ha escrito temas maravillosos al genero femenino como tal ("Then", es una de las declaraciones mas bonitas a una mujer que jamas se han escrito). Un artista joven, sólido, con gran talento y un gran guitarrista (dentro de la escena Country). Un artista que al escucharlo te transporta a un estado de ánimo más agradable.

Versión Original “Love is Strange”

Es inevitable, al escuchar esta canción siempre te viene a la memoria la escena de "Dirty Dancing" (Emile Ardolino, 1987), en la que Jennifer Grey, ensaya un baile, mientras un desatado Patrick Swayze no consigue quitarle las manos de encima. La película se convirtió en un clásico casi de inmediato, y su (acertada) banda sonora, en un éxito de ventas en todo el mundo. No era la primera, ni la última vez, que este estupendo tema se utilizaba en una película, recuerdo que el la mítica "Malas tierras" (Terrence Malick, 1973), acompañaba a Sissy Spacek bailando en el bosque, ante los ojos del "complicado" Martin Sheen, en ambas películas el tema sirve para dar énfasis a historias de amor abocadas al fracaso, historias de amor complicadas, amor extraño...

“Love is Strange” saltaría por primera vez al top americano en Noviembre de 1956, era la época dorada del Rock & Roll, y las listas de éxitos se nutrían de infinidad de artistas de pequeñas compañias, cuya carrera y fama, se apagaba igual de rápido que llegaban a la cumbre del éxito, este no fue un caso muy diferente...
Mickey "Guitar" Baker, era un reputado músico de estudio de Atlantic Records a principio de los 50, había trabajado con gente como The Drifters, Ray Charles, Ruth Brown, Big Joe Turner, Louis Jordan, Coleman Hawkins... y combinaba su trabajo con el de profesor de guitarra. Entre sus alumnos se encontraba Sylvia Vanderpool Robinson, una joven que ya tenía una incipente carrera como cantante bajo el nombre de Little Sylvia, la voz y el talento de la joven llamaron poderosamente la atención de Mickey, así que decidió proponerle trabajar como dúo. En aquella época triunfaba otra pareja, muy acorde a las ideas y el estilo de Mickey, " Les Paul y Mary Ford ", así que decidió que era el momento adecuado. Tras un par de singles menores, Mickey & Sylvia pegaron el pelotazo en 1957 con “Love is Strange”, su particular estilo con la guitarra y la insinuante tension sexual, fueron la vital aportación del dúo al tema, y menos mál, porque en principio querían un coro de niños para el estribillo!. El tremendo éxito del single les hizo conseguir un disco de oro, más de un millón de copias, que les llevó a formar su propio sello discográfico, comprar un local de copias y formar una empresa publicitária. Realmente fue su único éxito, a finales de los 50 separaron su camino, Mickey continuó con bastante prestigio como músico de estudio. Contrariamente a lo que se pueda pensar, Sylvia nunca tuvo una relación sentimental con Mickey, se casó con Joe Robinson en 1964, y siempre se mantuvo ligada al mundo discográfico, está considerada como una precursora del Hip-hop, así como una reputada productora musical, uno de sus mayores triunfos fue "Rapper's Delight" (Sugarhill Gang ) o "The Message" (Grandmaster Flash & the Furious Five).



Los cambios realizados por Mickey & Sylvia fueron definitivos para la popularización de “Love is Strange”, pero no fueron sus verdaderos (o únicos) autores, por que este tema fue causa de un complicado juicio entre el dúo y el artista que había grabado el tema tan sólo unos meses antes, en Mayo de 1956, aunque no saldría al mercado hasta 2007, como parte del recopilatorio "I'm a Man: The Chess Masters, 1955-1958 ". El artista en cuestión no era otro que el ex-boxeador, bluesman y arquitecto del Rock de Mississippi: Otha Ellas Bates, más conocido como Bo Diddley.
La fama de Bo Diddley había comenzado unos años antes, concretamente en 1955, de la mano de Checker Records de Chicago, una filial de la Chess Records, la fusión de Rock y Blues electrico que la discográfica imponía estaba pegando muy fuerte. Una de las principales figuras de la Chess, era Diddley, su sonido duro, su ritmo básico, repetitivo, contundente y su afilada guitarra le había llevado a los puestos altos de las listas, gracias a temas como "Bo Diddley" o "I'm a man". Según cuenta el artista “Love is Strange”, fue compuesta por él mismo junto al guitarrista Jody Williams, el tema fue grabado en Chicago, pero fue guardado para "pulirlo".. Lo curioso es que se registró la autoría de la canción a Ethel Smith (por entonces mujer de Diddley). El éxito de la versión de Mickey & Sylvia pilló al artista de gira y para evitar la ira de su jefe (Leonard Chess) adjudicaron el tema a la pobre Ethel.



El sonido del tema era apropiado para el artista, repetitivo, alegre, algo sucio y con un cierto toque afro-cubano. La canción se basa en un Riff de guitarra que Bo había escuchado a su compañero en alguna ocasión, de echo ya se había grabado en el single de debút del guitarrista Billy Stewart : "Billy's Blues", en Junio de ese mismo año. Un tema instrumental de guitarra acreditado a Jody Williams. La diferencia entre estos temas es más que obvia, y aunque la historia sea curiosa, hay que reconocer que el "toque" se lo dieron Mickey & Sylvia, ese suave ritmo latino, esa preciosa guitarra que te acompaña todo el tiempo, como conversando con la chica, y ese fraseo insinuante, tremendamente sensual. Todo ello, y no las otras versiones hicieron historia, e influyeron en muchos otros artistas. La lista de artista que grabaron el tema es interminable, Everly Brothers,Buck Owens & Susan Raye , Lonnie Donegan, Kenny Rogers & Dolly Parton, Everything But the Girl, Paul McCartney and Wings...pero destacaría por su belleza, y por que no se publicó hasta 10 años después de su trágico fallecimiento, la del gran Buddy Holly, al estilo de "Words of Love", o "Dearest" otro tema que grabaran Mickey & Sylvia...


Billy's Blues

Silvia...
Yes Mickey?
How do you call your loverboy?
Come 'ere loverboy!!
And if he doesnt answer?
Ohh loverboy!
And if he STILL doesnt answer?
I simply say

Baby,
Oohh baby
My sweet baby
You're the one

Baby,
Oohh baby
My sweet baby
You're the one

France Gall "Poupée innocents"

No es ningún secreto a estas alturas mi debilidad por las cancioncillas yeyés de los años sesenta, en especial por las interpretadas en italiano y francés. A mediados de aquella década, en Francia, una remesa de jovencitas pop inundaban las listas de éxitos con temas, a veces, demasiado fáciles e insustanciales, pero frescos y de gran impacto. A las Hardy, Vartan, Sheyla...se les unió la mas inocente y virginal de todas, una jovencita rubia de 16 años que deslumbró a media Europa triunfando en el (entonces prestigioso) festival de Eurovisión, para después escandalizar (y escandalizarse) por obra y gracia del controvertido, fascinante y prepotente Pigmalion, que fue Serge Gainsbourg. Debo reconocer, que, al igual que me pasa con Françoise Hardy, adoro casi todo su trabajo y no consigo ser imparcial, de todos modos intentaré contaros su historia sin dejarme llevar por la pasión.

Isabelle Geneviève Marie Anne Gall fue a nacer en París en octubre de 1947, con tan sonoro nombre y naciendo en la ciudad luz, el destino debía guardarle alguna sorpresa agradable. Su camino estuvo ligado al mundo de la música desde su mismo nacimiento, su padre Robert Gall, era un letrista que compondría en un futuro temas como "La Mamma" para Charles Aznavour, su madre Cécile Berthier era hija de Paul Berthier (co-fundador del coro Les Petits Chanteurs à la Croix de Bois), por lo que también es prima de Vincent Berthier (Centre de Musique Baroque de Versailles) y del guitarrista Denys Lablé, ademas sus dos hermanos Claude y Patrice, tocaban el bajo y la guitarra respectivamente. En fin, que en una familia de artistas como la suya, vieron con buenos ojos que la pequeña quisiera dedicarse al mundo del espectaculo con tan sólo 15 años, aprendió pronto a tocar el piano y la guitarra. Pero fue su padre, quien al escucharla cantar, la animó a grabar algunos temas, que él mismo envía al director artístico de Phillips, Denis Burgeois, quien rápidamente la convoca para una audición en el Teatro de los Campos Elíseos de Paris. Así de rápido comienza la carrera de la joven Gall, tras aquella audición, Burgeois le consiguió un contrato en su compañía, donde enseguida comenzaron a buscar temas que vinieran bien a la joven artista.



En Phillips le asignan al compositor Serge Gainsbourg, un talento en alza que ya había conseguido algún éxito para Michele Arnaud o Juliette Grecó, junto a él y el músico de Jazz Alain Goraguer, saca su primer single "Ne sois pas si bête", que suena por primera vez en las emisoras el dia de su 16 cumpleaños y llegó a vender más de 200.000 copias. Abandona definitivamente sus estudios, y con su segundo single "Ne ecoute pas les idoles", consigue estar dos semanas seguidas en el top francés. En esta época comienza a hacer sus primeras actuaciones en directo, abriendo los conciertos de Sacha Distel. La popularidad de la Gall sube como la espuma, su estilo limpio, inocente y fresco llama poderosamente la atención del publico, por lo que es seleccionada para representar a Luxemburgo (cosas que pasan) en el festival de Eurovision de 1965, en Nápoles. La canción elegida fue un tema de Gainsbourg, "Poupée de cire, poupée de son", que se convirtió en el primer tema en francés que ganara este premio. La belleza, la feminidad y la ternura de France en el escenario, enamoró de inmediato a los europeos, que ignoraban el doble sentido que Serge quiso imprimir al tema, criticando a las jóvenes estrellas, que cantan al amor sin conocerlo, muñecas de cera, adornos, en definitiva, mujeres florero.

Tras el arrollador éxito, continua su carrera con temas de Gainsbourg, letras aparentemente inocentes, pero que en realidad contenían subtextos de carga social y erótica, y entonces llegó "Les Sucettes"...Este tema marcó un punto y seguido en la historia (y madurez) de música francesa. France Gall estaba convencida que el tema trataba de una joven, Annie, a la que le gustaban las piruletas de anís, debía ser la única, sólo hay que ver a las bailarinas que le acompañaban para comprender de que habla (ver video aqui) . Frases como “cuando el azúcar de caña fluye por la garganta de Annie” o “por unos peniques (que en francés suena como pene) tiene su caramelo de anís” explican claramente el doble sentido de la composición. La canción fue un rotundo éxito, hasta que en unas semanas comenzaron los medios a "descubrir" el verdadero sentido del tema, todo el mundo pareció escandalizarse, y empezaron a escuchar con otro oído los temas que Gainsbourg había compuesto para la joven Gall. Todo esto pilló a la cantante de gira por Japón, se sintió traicionada y humillada, así que muerta de vergüenza, mandó a paseo al compositor.




Consigue algún éxito más, como "Bebé Requin" (co-escrito junto a Joe Dassin), pero paradojicamente, la carrera de ella se desploma vertiginosamente, mientras que la de Gainsbourg sube como la espuma. Tiene una larga etapa de altibajos artisticos, abandona Phillips y finalmente decide tomarse un descanso para aclarar sus ideas. Hasta 1974, año en el que une su talento al del cantante, pianista, compositor y productor Michel Berger, un artista que había sido fundamental en los 60 y que en los 70 se había convertido en un productor de referencia gracias a albums como "Amoureuse" de Véronique Sanson o "Message personnel" de Françoise Hardy. La relación pasó de profesional a personal, comenzaron un apasionado romance, y Berger compuso para ella un repertorio nuevo, distinto, para el regreso de la Gall al panorama musical. Aunque reconozco su merito, no es mi etapa preferida de la artista, éxitos como "La declaración d'amour","Musique", "Comment lui dire" o "Ella, Elle l'a" (dedicada a Ella Fitzgerald, y muy de moda estos ultimos años gracias a una nueva versión) devuelven a la artista a las listas de éxitos con bastante fortuna. En 1976, la pareja celebra par fin su boda en París.

Sin embargo yo me quedo con la etapa de lolita inocente (que lo era) perfectamente manipulada por el pérfido (o inteligente genio) Serge Gainsbourg, la madurez de la etapa de los 70, no es comparable a la inteligente utilización de música, estilo y letras de los temas que la hicieron popular en Phillips durante los años 60. Viva la inocencia, viva la inteligencia, viva Gall, y viva Gainsbourg!!

Version Original "Time is on my side"

En sus comienzos, desde "Englands New Hitmakers" (1964) hasta "Out Of Our Heads" (1965) los Rolling Stones eran, esencialmente, una banda de versiones de rhythm & blues, y como tales eran increiblemente buenos, "Come On", "The Spider and the fly", "Not fade away", "Little red rooster"...aunque pronto demostraron que estaban para algo más. Tanto es así que en su primera actuación televisiva en los EEUU, en el Show de Ed Sullivan, en Octubre de 1964 (8 meses después que los Beatles rompieran los records de audiencia de este programa), Jagger y sus colegas aparecían por primera vez ante el publico americano con una versión, "Time Is on my side" balada contundente e intensa, con unas estupendas lineas de guitarra que representa lo más melódico y bello que alcanzaron los Stones en esta etapa. Con el tiempo se ha convertido en uno de los himnos imperecederos del grupo, y que aún suelen recordarla en directo. La anécdota de aquel día la puso el propio Sullivan, que al ver el aspecto de Jagger y Richards, juró sobre la bandera de la patria Yanki, no volver a invitarles al programa. Lo cierto es que sí volvieron, al menos otras ocho veces más, hasta 1967 que sí la liaron con "Let's spend the night together", pero eso es otra historia...



Realmente, la de los Stones, es la interpretación más recordada de este estupendo tema, el grupo realizó dos versiones distintas de la canción, la primera, grabada en Junio del 64, se publicó como sencillo y comenzaba con una "intro" de órgano a cargo de Ian Stewart y Brian Jones colabora en la parte vocal. La segunda, y más popular, se grabó en Noviembre y comenzaba con la misma melodía, pero a cargo de las guitarras, este tema fue lanzado como sencillo en EEUU y les catapultó, por primera vez en su historia al top ten de las listas americanas, en realidad es el que aparece en la mayoría de recopilaciones de la banda británica. Pero tan sólo un mes antes de su lanzamiento en los EEUU, otra artista, había preparado el camino, interpretando este mismo tema, erroneamente mucho la nombran como la autentica interprete original del tema, pero no es así, en absoluto.

La llamaban la Reina del Soul de Nueva Orleans, curioso, ya nunca consiguió el exito comercial de otras de su generación como Aretta Franklin o Etta James. Irma Thomas, como muchos otros artistas de color, había forjado su voz cantando en el coro de la iglesia baptista, y comenzó profesionalmente como solista con tan solo 13 años. En 1964 estaba en lo más alto de su carrera gracias a "Break-A-Way" y sobre todo por "Wish someone sould sare”, su siguiente sencillo seria "Time is on my side". En aquel momento la canción era un tanto simple y se recurrió a la colaboración del compositor Jimmy Norman y el arreglista HB Barnum, con la idea de darle un poco más de intensidad al tema, tabajaron contra reloj y consiguieron acabar los cambios un par de minutos antes que Irma Thomas entrara en el estudio de grabación. El resultado es sobrecogedor, la poderosa voz de la Thomas se impone poderosamente ante la instrumentación, los coros... Si se presta un poco de atención se aprecia como evoluciona, al principio del tema es un repetir constante "algún dia volverá...", triste, como buscando consuelo, pero la lastima se convierte en rabia cuando dice "El tiempo está de mi lado, sí lo está...", como esperando su momento para refregarle a él tanto dolor. La versión de los Stones es magnifica, por supuesto, pero, en mi opinión, la de Thomas es perfecta.



Finalmente, y como siempre, acabamos por el principio, un año antes, en 1963, Norman Meade (pseudónimo de Jerry Ragovoy), compuso un tema por encargo de su colega, el arreglista Gary Sherman (The Drifters, Jay & the americans, Dusty Springfield), era un instrumental, pensado para orquesta y trombón, en el que buscaban dar un paso más en la fusión entre el jazz y el soul. El encargado de interpretar aquel tema por primera vez fue el tombonista de jazz Kai Winding, sin embargo, el productor (Creed Taylor) pensó que algo de interpretación vocal le daria un tanto extra al tema, pero Ragovoy no había pensado en ningún letra más allá de la del titulo, sin embargo fue más que suficiente para adornarla con unos bonitos coros, que fueron interpretados por un "grupo vocal" femenino formado por tres artistas del sello Verve: Cissy Houston, y las hermanas Dionne y Dee Dee Warwick. El tema pasó sin pena ni gloria hasta 1964, Jerry Ragovoy nunca fue un autor sobresaliente, sin embargo, aparte de "Time is on my side", tuvo otros éxitos como la magnifica "Piece of my heart", inmortalizada por Janis Joplin, o "Pata, Pata" de Miriam Makeba, para finalmente dedicarse a la producción de artistas como Diana Ross o Dionne Warwick.

No tengo mucho más que contaros, tal vez que el tema fue parte fundamental del thriller "Fallen" (Gregory Hoblit 1998) con Denzel Washington como protagonista, y ha sido interpretado por un numero elevado de artistas como Michael Bolton, Cat Power, Hattie Littles, Wilson Pickett, Brian Poole and the Tremeloes, The Pretty Things, Paul Revere and the Raiders, Kim Wilson, Patti Smith, Andrés Calamaro, Vanessa Carlton, The Moody Blues....Un clasicazo que siempre es agradable recuperar, en cualquiera de sus versiones, disfrutadlo...

Joe Meek "The Alchemist of Pop"

Posiblemente sea un personaje algo desconocido y oscuro entre todos los que se engendraron alrededor del pop de la segunda mitad del pasado siglo XX. Sin embargo su influencia e importancia es muy notable. Un extraño y paranoico personaje británico, obsesionado con el ocultismo ,el espacio exterior, Phil Spector y Buddy Holly, que reinventó el sonido de los estudios de grabación de los años sesenta en Gran Bretaña, y revolucionó el sonido "de laboratorio" mucho antes que la psicodelia y las bandas progresivas dominaran las listas. Un curioso y extraño productor, ingeniero pionero de la música electrónica, cuya figura intentaremos retratar levemente...

Fué un 3 de febrero de 1967, se cumplian 8 años de la muerte de Buddy Holly, (su gran ídolo, junto a Eddie Cochran) cuando el extravagante compositor y productor británico Joe Meek, tras descerrajarle un mortal disparo a su casera, decide girar el cañón de su escopeta hacia si mismo y acabar con su atormentada existencia. Mucho se especuló sobre este terrible suceso, accidente, culpabilidad, premeditacion...? Meek se llevó consigo las respuestas a todas estas incognitas, tal vez su destino le fue susurrado desde el más allá, ya que alguna vez había comentado que se andaba en tratos con los espiritus de Cochran y Holly...

Los inicios como arreglista de Meek

Robert George "Joe" Meek nacio en 1929 en Newent, Gloucestershire, desde muy pequeño mostró un gran interés por el arte y la electrónica, en el cobertizo de la casa familiar recopilaba todo tipo de artilugios y componentes electrónicos con los que experimentaba a todas horas, contruyó su propia radio y algún monitor de tv, todo esto lo hacia mientras llevaba ropa de niña (su madre quiso tener una y con el nacimiento de Joe no se resignó, así que vestía al pequeño con vestidos mientras su padre se burlaba de él). Su paso por la Royal Air Force no hizo más que aumentar su afición a la electronica, fue destinado como operador de Radar, así comenzaria otra de sus obsesiones, el espacio exterior. En 1953, y ya licenciado puso sus conocimientos al servicio de la Compañía Eléctrica Midlands, para así disponer de los recursos de una gran empresa. Comienza entonces a desarrollar su interés por la producción de artistas, comenzando a recopilar lo necesario para producir su primer sencillo, pero mientras se forja una reputación como ingeniero de sonido para la independiente IBC, grabando músicos de Jazz y desconocidos artistas Pop para las emisiones angloparlantes de Radio Luxemburgo en Europa occidental. Ya en 1959, cansado de modular siempre de la misma manera y utilizar los típicos efectos y arreglos, Meek con tan solo 30 años decide al fin armar su propio estudio de grabación.

Monta Triumh Records (mas tarde RGM) en su propia casa, el 304 de Holloway Road (lo que produjo muchos quebraderos de cabeza a su casera), Meek comienza su andadura con un concepto claro, el estudio de grabación debía ser un instrumento más de los artistas que grabara, un laboratorio donde experimentar con distintos sonidos y así, poder dar rienda suelta a sus obsesiones sobre el "nuevo sonido estelar" produciendo Skiffle y Pop de nueva generación. Pero Joe no tenia mucha idea de música, así que recurre al compositor Geoff Goddard para que dé forma sobre el pentagrama, las ideas e imágenes que rondaban la mente de Meek, que imaginaba sonidos constantemente, creaba cachivaches para deformar el sonido y hacer ecos, en su mayor éxito creo un efecto tirando unas canicas en el inodoro y luego invirtió la secuencia y añadiendo unos ecos. Uno de sus primeros trabajos "Hear A New World" para The Blue Men, todavía deja perplejo a más de uno. Su siguiente trabajo "Angela Jones” de Michael Cox suavizaba su obsesion y le mantenía en el mercado.



1962 fue el gran año de Meek, su single “Telstar” se convertiría en el instrumental más vendido en Inglaterra, con su grupo interprete, The Tornados, comenzaría su primera incursión el el mercado americano, justo un año antes de la Brithis invasion, que encabezaron the Beatles. Sobre estos ultimos cuenta la leyenda que poco tiempo antes le habia rechazado a Brian Epstein la oferta de producir a los cuatro de Liverpool alegando que hacian "un montón de ruido copiando música de otros", tambien dejó pasar a un joven David Bowie y a Rod Stewart, al que, al escucharle cantar, se puso las manos sobre los oídos y comenzó a gritar hasta que el pobre de Rod abandonó el estudio avergonzado. Con el que sí trabajó fue con Tom Jones, aunque no consiguió ningún éxito para él. Entre 1962 y 1964, Meek sacó 141 singles al mercado, gente como Screaming Lord Sutch, Mike Berry, The Outlaws ( en el que tocaba un joven Richie Blackmore que luego pasaría a formar parte de Deep Purple), The Moontrekkers, Gene Vincent, Billy Fury, Petula Clark, Lonnie Donegan, Lyttelton Humphrey, Diana Dors, Michael Cox, Frankie Vaughan, the Satelites, Tommy Stele, Emile Ford & The Checkmates, John Leyton...y un largo etc pasaron por su mesa de grabación, tal cantidad de singles llamaron la atención de otro extravagante productor, Phil Spector (que tan solo publicó 24 durante ese periodo), que decidió llamar para conocerle, Sorprendentemente Meek le acusó de haberle robado sus ideas y tras colgarle el auricular comenzó a rondarle una fantasía paranoica en la que Spector le pinchaba el telefono y espiaba sus grabaciones, era el comienzo de su declive.

Durante los siguientes años consiguió vivir bastante bien de los Royalties de “Telstar” y otros instrumentales del mismo estilo (Space-western), pero comenzaron a surgir sus traumas. Comenzaron los ataques de furia, rompía con asiduidad parte del estudio y despedía músicos a diario. Parte de su frustración era debido a su oculta homosexualidad, en aquella época esta penado por la ley, ocultó su relación con el bajista de the Tornados, Heinz Burt, al que le intentó producir una carrera en solitario. Su adicción a las anfetaminas fue en aumento y confesaba tener largas conversaciones con los espiritus de Buddy Holly y Eddie Cochran. La existencia y triste final de Meek llamó la atención del actor y productor Kevin Spacey, que en 2008 produjo "Telstar: The Joe Meek Story", una película de Nick Moran, en la que se retrata con mucha precisión el personaje y su época, es difícil de encontrar ya que no ha sido estrenada en España, pero os puedo decir que es un Biopic digno, que no ahorra detalles a la hora de mostrarnos el barullo mental de Meek, magnífico y muy recomendable.



Tal vez fue un genio adelantado a su tiempo, quizás un loco excesivo con una mente torturada, pero sus singles consiguieron recaudaciones millonarias, un autodidacta sin criterio o un visionario, que también fue un inventor, una famosa linea de compresores de audio lleva su nombre, y el teclado creado para “Telstar” (la Clavioline) fue un éxito de ventas en todo el mundo. Que habría sido si...que hubiera pasado si no...las cosas son como son y la historia de la música se nutre de vicios y virtudes, traumas y esfuerzos, y los genios lo son por si mismos, por su legado, a pesar (o gracias) a sus ruinas y defectos.