Versión Original “Love is Strange”

Es inevitable, al escuchar esta canción siempre te viene a la memoria la escena de "Dirty Dancing" (Emile Ardolino, 1987), en la que Jennifer Grey, ensaya un baile, mientras un desatado Patrick Swayze no consigue quitarle las manos de encima. La película se convirtió en un clásico casi de inmediato, y su (acertada) banda sonora, en un éxito de ventas en todo el mundo. No era la primera, ni la última vez, que este estupendo tema se utilizaba en una película, recuerdo que el la mítica "Malas tierras" (Terrence Malick, 1973), acompañaba a Sissy Spacek bailando en el bosque, ante los ojos del "complicado" Martin Sheen, en ambas películas el tema sirve para dar énfasis a historias de amor abocadas al fracaso, historias de amor complicadas, amor extraño...

“Love is Strange” saltaría por primera vez al top americano en Noviembre de 1956, era la época dorada del Rock & Roll, y las listas de éxitos se nutrían de infinidad de artistas de pequeñas compañias, cuya carrera y fama, se apagaba igual de rápido que llegaban a la cumbre del éxito, este no fue un caso muy diferente...
Mickey "Guitar" Baker, era un reputado músico de estudio de Atlantic Records a principio de los 50, había trabajado con gente como The Drifters, Ray Charles, Ruth Brown, Big Joe Turner, Louis Jordan, Coleman Hawkins... y combinaba su trabajo con el de profesor de guitarra. Entre sus alumnos se encontraba Sylvia Vanderpool Robinson, una joven que ya tenía una incipente carrera como cantante bajo el nombre de Little Sylvia, la voz y el talento de la joven llamaron poderosamente la atención de Mickey, así que decidió proponerle trabajar como dúo. En aquella época triunfaba otra pareja, muy acorde a las ideas y el estilo de Mickey, " Les Paul y Mary Ford ", así que decidió que era el momento adecuado. Tras un par de singles menores, Mickey & Sylvia pegaron el pelotazo en 1957 con “Love is Strange”, su particular estilo con la guitarra y la insinuante tension sexual, fueron la vital aportación del dúo al tema, y menos mál, porque en principio querían un coro de niños para el estribillo!. El tremendo éxito del single les hizo conseguir un disco de oro, más de un millón de copias, que les llevó a formar su propio sello discográfico, comprar un local de copias y formar una empresa publicitária. Realmente fue su único éxito, a finales de los 50 separaron su camino, Mickey continuó con bastante prestigio como músico de estudio. Contrariamente a lo que se pueda pensar, Sylvia nunca tuvo una relación sentimental con Mickey, se casó con Joe Robinson en 1964, y siempre se mantuvo ligada al mundo discográfico, está considerada como una precursora del Hip-hop, así como una reputada productora musical, uno de sus mayores triunfos fue "Rapper's Delight" (Sugarhill Gang ) o "The Message" (Grandmaster Flash & the Furious Five).



Los cambios realizados por Mickey & Sylvia fueron definitivos para la popularización de “Love is Strange”, pero no fueron sus verdaderos (o únicos) autores, por que este tema fue causa de un complicado juicio entre el dúo y el artista que había grabado el tema tan sólo unos meses antes, en Mayo de 1956, aunque no saldría al mercado hasta 2007, como parte del recopilatorio "I'm a Man: The Chess Masters, 1955-1958 ". El artista en cuestión no era otro que el ex-boxeador, bluesman y arquitecto del Rock de Mississippi: Otha Ellas Bates, más conocido como Bo Diddley.
La fama de Bo Diddley había comenzado unos años antes, concretamente en 1955, de la mano de Checker Records de Chicago, una filial de la Chess Records, la fusión de Rock y Blues electrico que la discográfica imponía estaba pegando muy fuerte. Una de las principales figuras de la Chess, era Diddley, su sonido duro, su ritmo básico, repetitivo, contundente y su afilada guitarra le había llevado a los puestos altos de las listas, gracias a temas como "Bo Diddley" o "I'm a man". Según cuenta el artista “Love is Strange”, fue compuesta por él mismo junto al guitarrista Jody Williams, el tema fue grabado en Chicago, pero fue guardado para "pulirlo".. Lo curioso es que se registró la autoría de la canción a Ethel Smith (por entonces mujer de Diddley). El éxito de la versión de Mickey & Sylvia pilló al artista de gira y para evitar la ira de su jefe (Leonard Chess) adjudicaron el tema a la pobre Ethel.



El sonido del tema era apropiado para el artista, repetitivo, alegre, algo sucio y con un cierto toque afro-cubano. La canción se basa en un Riff de guitarra que Bo había escuchado a su compañero en alguna ocasión, de echo ya se había grabado en el single de debút del guitarrista Billy Stewart : "Billy's Blues", en Junio de ese mismo año. Un tema instrumental de guitarra acreditado a Jody Williams. La diferencia entre estos temas es más que obvia, y aunque la historia sea curiosa, hay que reconocer que el "toque" se lo dieron Mickey & Sylvia, ese suave ritmo latino, esa preciosa guitarra que te acompaña todo el tiempo, como conversando con la chica, y ese fraseo insinuante, tremendamente sensual. Todo ello, y no las otras versiones hicieron historia, e influyeron en muchos otros artistas. La lista de artista que grabaron el tema es interminable, Everly Brothers,Buck Owens & Susan Raye , Lonnie Donegan, Kenny Rogers & Dolly Parton, Everything But the Girl, Paul McCartney and Wings...pero destacaría por su belleza, y por que no se publicó hasta 10 años después de su trágico fallecimiento, la del gran Buddy Holly, al estilo de "Words of Love", o "Dearest" otro tema que grabaran Mickey & Sylvia...


Billy's Blues

Silvia...
Yes Mickey?
How do you call your loverboy?
Come 'ere loverboy!!
And if he doesnt answer?
Ohh loverboy!
And if he STILL doesnt answer?
I simply say

Baby,
Oohh baby
My sweet baby
You're the one

Baby,
Oohh baby
My sweet baby
You're the one

France Gall "Poupée innocents"

No es ningún secreto a estas alturas mi debilidad por las cancioncillas yeyés de los años sesenta, en especial por las interpretadas en italiano y francés. A mediados de aquella década, en Francia, una remesa de jovencitas pop inundaban las listas de éxitos con temas, a veces, demasiado fáciles e insustanciales, pero frescos y de gran impacto. A las Hardy, Vartan, Sheyla...se les unió la mas inocente y virginal de todas, una jovencita rubia de 16 años que deslumbró a media Europa triunfando en el (entonces prestigioso) festival de Eurovisión, para después escandalizar (y escandalizarse) por obra y gracia del controvertido, fascinante y prepotente Pigmalion, que fue Serge Gainsbourg. Debo reconocer, que, al igual que me pasa con Françoise Hardy, adoro casi todo su trabajo y no consigo ser imparcial, de todos modos intentaré contaros su historia sin dejarme llevar por la pasión.

Isabelle Geneviève Marie Anne Gall fue a nacer en París en octubre de 1947, con tan sonoro nombre y naciendo en la ciudad luz, el destino debía guardarle alguna sorpresa agradable. Su camino estuvo ligado al mundo de la música desde su mismo nacimiento, su padre Robert Gall, era un letrista que compondría en un futuro temas como "La Mamma" para Charles Aznavour, su madre Cécile Berthier era hija de Paul Berthier (co-fundador del coro Les Petits Chanteurs à la Croix de Bois), por lo que también es prima de Vincent Berthier (Centre de Musique Baroque de Versailles) y del guitarrista Denys Lablé, ademas sus dos hermanos Claude y Patrice, tocaban el bajo y la guitarra respectivamente. En fin, que en una familia de artistas como la suya, vieron con buenos ojos que la pequeña quisiera dedicarse al mundo del espectaculo con tan sólo 15 años, aprendió pronto a tocar el piano y la guitarra. Pero fue su padre, quien al escucharla cantar, la animó a grabar algunos temas, que él mismo envía al director artístico de Phillips, Denis Burgeois, quien rápidamente la convoca para una audición en el Teatro de los Campos Elíseos de Paris. Así de rápido comienza la carrera de la joven Gall, tras aquella audición, Burgeois le consiguió un contrato en su compañía, donde enseguida comenzaron a buscar temas que vinieran bien a la joven artista.



En Phillips le asignan al compositor Serge Gainsbourg, un talento en alza que ya había conseguido algún éxito para Michele Arnaud o Juliette Grecó, junto a él y el músico de Jazz Alain Goraguer, saca su primer single "Ne sois pas si bête", que suena por primera vez en las emisoras el dia de su 16 cumpleaños y llegó a vender más de 200.000 copias. Abandona definitivamente sus estudios, y con su segundo single "Ne ecoute pas les idoles", consigue estar dos semanas seguidas en el top francés. En esta época comienza a hacer sus primeras actuaciones en directo, abriendo los conciertos de Sacha Distel. La popularidad de la Gall sube como la espuma, su estilo limpio, inocente y fresco llama poderosamente la atención del publico, por lo que es seleccionada para representar a Luxemburgo (cosas que pasan) en el festival de Eurovision de 1965, en Nápoles. La canción elegida fue un tema de Gainsbourg, "Poupée de cire, poupée de son", que se convirtió en el primer tema en francés que ganara este premio. La belleza, la feminidad y la ternura de France en el escenario, enamoró de inmediato a los europeos, que ignoraban el doble sentido que Serge quiso imprimir al tema, criticando a las jóvenes estrellas, que cantan al amor sin conocerlo, muñecas de cera, adornos, en definitiva, mujeres florero.

Tras el arrollador éxito, continua su carrera con temas de Gainsbourg, letras aparentemente inocentes, pero que en realidad contenían subtextos de carga social y erótica, y entonces llegó "Les Sucettes"...Este tema marcó un punto y seguido en la historia (y madurez) de música francesa. France Gall estaba convencida que el tema trataba de una joven, Annie, a la que le gustaban las piruletas de anís, debía ser la única, sólo hay que ver a las bailarinas que le acompañaban para comprender de que habla (ver video aqui) . Frases como “cuando el azúcar de caña fluye por la garganta de Annie” o “por unos peniques (que en francés suena como pene) tiene su caramelo de anís” explican claramente el doble sentido de la composición. La canción fue un rotundo éxito, hasta que en unas semanas comenzaron los medios a "descubrir" el verdadero sentido del tema, todo el mundo pareció escandalizarse, y empezaron a escuchar con otro oído los temas que Gainsbourg había compuesto para la joven Gall. Todo esto pilló a la cantante de gira por Japón, se sintió traicionada y humillada, así que muerta de vergüenza, mandó a paseo al compositor.




Consigue algún éxito más, como "Bebé Requin" (co-escrito junto a Joe Dassin), pero paradojicamente, la carrera de ella se desploma vertiginosamente, mientras que la de Gainsbourg sube como la espuma. Tiene una larga etapa de altibajos artisticos, abandona Phillips y finalmente decide tomarse un descanso para aclarar sus ideas. Hasta 1974, año en el que une su talento al del cantante, pianista, compositor y productor Michel Berger, un artista que había sido fundamental en los 60 y que en los 70 se había convertido en un productor de referencia gracias a albums como "Amoureuse" de Véronique Sanson o "Message personnel" de Françoise Hardy. La relación pasó de profesional a personal, comenzaron un apasionado romance, y Berger compuso para ella un repertorio nuevo, distinto, para el regreso de la Gall al panorama musical. Aunque reconozco su merito, no es mi etapa preferida de la artista, éxitos como "La declaración d'amour","Musique", "Comment lui dire" o "Ella, Elle l'a" (dedicada a Ella Fitzgerald, y muy de moda estos ultimos años gracias a una nueva versión) devuelven a la artista a las listas de éxitos con bastante fortuna. En 1976, la pareja celebra par fin su boda en París.

Sin embargo yo me quedo con la etapa de lolita inocente (que lo era) perfectamente manipulada por el pérfido (o inteligente genio) Serge Gainsbourg, la madurez de la etapa de los 70, no es comparable a la inteligente utilización de música, estilo y letras de los temas que la hicieron popular en Phillips durante los años 60. Viva la inocencia, viva la inteligencia, viva Gall, y viva Gainsbourg!!

Version Original "Time is on my side"

En sus comienzos, desde "Englands New Hitmakers" (1964) hasta "Out Of Our Heads" (1965) los Rolling Stones eran, esencialmente, una banda de versiones de rhythm & blues, y como tales eran increiblemente buenos, "Come On", "The Spider and the fly", "Not fade away", "Little red rooster"...aunque pronto demostraron que estaban para algo más. Tanto es así que en su primera actuación televisiva en los EEUU, en el Show de Ed Sullivan, en Octubre de 1964 (8 meses después que los Beatles rompieran los records de audiencia de este programa), Jagger y sus colegas aparecían por primera vez ante el publico americano con una versión, "Time Is on my side" balada contundente e intensa, con unas estupendas lineas de guitarra que representa lo más melódico y bello que alcanzaron los Stones en esta etapa. Con el tiempo se ha convertido en uno de los himnos imperecederos del grupo, y que aún suelen recordarla en directo. La anécdota de aquel día la puso el propio Sullivan, que al ver el aspecto de Jagger y Richards, juró sobre la bandera de la patria Yanki, no volver a invitarles al programa. Lo cierto es que sí volvieron, al menos otras ocho veces más, hasta 1967 que sí la liaron con "Let's spend the night together", pero eso es otra historia...



Realmente, la de los Stones, es la interpretación más recordada de este estupendo tema, el grupo realizó dos versiones distintas de la canción, la primera, grabada en Junio del 64, se publicó como sencillo y comenzaba con una "intro" de órgano a cargo de Ian Stewart y Brian Jones colabora en la parte vocal. La segunda, y más popular, se grabó en Noviembre y comenzaba con la misma melodía, pero a cargo de las guitarras, este tema fue lanzado como sencillo en EEUU y les catapultó, por primera vez en su historia al top ten de las listas americanas, en realidad es el que aparece en la mayoría de recopilaciones de la banda británica. Pero tan sólo un mes antes de su lanzamiento en los EEUU, otra artista, había preparado el camino, interpretando este mismo tema, erroneamente mucho la nombran como la autentica interprete original del tema, pero no es así, en absoluto.

La llamaban la Reina del Soul de Nueva Orleans, curioso, ya nunca consiguió el exito comercial de otras de su generación como Aretta Franklin o Etta James. Irma Thomas, como muchos otros artistas de color, había forjado su voz cantando en el coro de la iglesia baptista, y comenzó profesionalmente como solista con tan solo 13 años. En 1964 estaba en lo más alto de su carrera gracias a "Break-A-Way" y sobre todo por "Wish someone sould sare”, su siguiente sencillo seria "Time is on my side". En aquel momento la canción era un tanto simple y se recurrió a la colaboración del compositor Jimmy Norman y el arreglista HB Barnum, con la idea de darle un poco más de intensidad al tema, tabajaron contra reloj y consiguieron acabar los cambios un par de minutos antes que Irma Thomas entrara en el estudio de grabación. El resultado es sobrecogedor, la poderosa voz de la Thomas se impone poderosamente ante la instrumentación, los coros... Si se presta un poco de atención se aprecia como evoluciona, al principio del tema es un repetir constante "algún dia volverá...", triste, como buscando consuelo, pero la lastima se convierte en rabia cuando dice "El tiempo está de mi lado, sí lo está...", como esperando su momento para refregarle a él tanto dolor. La versión de los Stones es magnifica, por supuesto, pero, en mi opinión, la de Thomas es perfecta.



Finalmente, y como siempre, acabamos por el principio, un año antes, en 1963, Norman Meade (pseudónimo de Jerry Ragovoy), compuso un tema por encargo de su colega, el arreglista Gary Sherman (The Drifters, Jay & the americans, Dusty Springfield), era un instrumental, pensado para orquesta y trombón, en el que buscaban dar un paso más en la fusión entre el jazz y el soul. El encargado de interpretar aquel tema por primera vez fue el tombonista de jazz Kai Winding, sin embargo, el productor (Creed Taylor) pensó que algo de interpretación vocal le daria un tanto extra al tema, pero Ragovoy no había pensado en ningún letra más allá de la del titulo, sin embargo fue más que suficiente para adornarla con unos bonitos coros, que fueron interpretados por un "grupo vocal" femenino formado por tres artistas del sello Verve: Cissy Houston, y las hermanas Dionne y Dee Dee Warwick. El tema pasó sin pena ni gloria hasta 1964, Jerry Ragovoy nunca fue un autor sobresaliente, sin embargo, aparte de "Time is on my side", tuvo otros éxitos como la magnifica "Piece of my heart", inmortalizada por Janis Joplin, o "Pata, Pata" de Miriam Makeba, para finalmente dedicarse a la producción de artistas como Diana Ross o Dionne Warwick.

No tengo mucho más que contaros, tal vez que el tema fue parte fundamental del thriller "Fallen" (Gregory Hoblit 1998) con Denzel Washington como protagonista, y ha sido interpretado por un numero elevado de artistas como Michael Bolton, Cat Power, Hattie Littles, Wilson Pickett, Brian Poole and the Tremeloes, The Pretty Things, Paul Revere and the Raiders, Kim Wilson, Patti Smith, Andrés Calamaro, Vanessa Carlton, The Moody Blues....Un clasicazo que siempre es agradable recuperar, en cualquiera de sus versiones, disfrutadlo...

Joe Meek "The Alchemist of Pop"

Posiblemente sea un personaje algo desconocido y oscuro entre todos los que se engendraron alrededor del pop de la segunda mitad del pasado siglo XX. Sin embargo su influencia e importancia es muy notable. Un extraño y paranoico personaje británico, obsesionado con el ocultismo ,el espacio exterior, Phil Spector y Buddy Holly, que reinventó el sonido de los estudios de grabación de los años sesenta en Gran Bretaña, y revolucionó el sonido "de laboratorio" mucho antes que la psicodelia y las bandas progresivas dominaran las listas. Un curioso y extraño productor, ingeniero pionero de la música electrónica, cuya figura intentaremos retratar levemente...

Fué un 3 de febrero de 1967, se cumplian 8 años de la muerte de Buddy Holly, (su gran ídolo, junto a Eddie Cochran) cuando el extravagante compositor y productor británico Joe Meek, tras descerrajarle un mortal disparo a su casera, decide girar el cañón de su escopeta hacia si mismo y acabar con su atormentada existencia. Mucho se especuló sobre este terrible suceso, accidente, culpabilidad, premeditacion...? Meek se llevó consigo las respuestas a todas estas incognitas, tal vez su destino le fue susurrado desde el más allá, ya que alguna vez había comentado que se andaba en tratos con los espiritus de Cochran y Holly...

Los inicios como arreglista de Meek

Robert George "Joe" Meek nacio en 1929 en Newent, Gloucestershire, desde muy pequeño mostró un gran interés por el arte y la electrónica, en el cobertizo de la casa familiar recopilaba todo tipo de artilugios y componentes electrónicos con los que experimentaba a todas horas, contruyó su propia radio y algún monitor de tv, todo esto lo hacia mientras llevaba ropa de niña (su madre quiso tener una y con el nacimiento de Joe no se resignó, así que vestía al pequeño con vestidos mientras su padre se burlaba de él). Su paso por la Royal Air Force no hizo más que aumentar su afición a la electronica, fue destinado como operador de Radar, así comenzaria otra de sus obsesiones, el espacio exterior. En 1953, y ya licenciado puso sus conocimientos al servicio de la Compañía Eléctrica Midlands, para así disponer de los recursos de una gran empresa. Comienza entonces a desarrollar su interés por la producción de artistas, comenzando a recopilar lo necesario para producir su primer sencillo, pero mientras se forja una reputación como ingeniero de sonido para la independiente IBC, grabando músicos de Jazz y desconocidos artistas Pop para las emisiones angloparlantes de Radio Luxemburgo en Europa occidental. Ya en 1959, cansado de modular siempre de la misma manera y utilizar los típicos efectos y arreglos, Meek con tan solo 30 años decide al fin armar su propio estudio de grabación.

Monta Triumh Records (mas tarde RGM) en su propia casa, el 304 de Holloway Road (lo que produjo muchos quebraderos de cabeza a su casera), Meek comienza su andadura con un concepto claro, el estudio de grabación debía ser un instrumento más de los artistas que grabara, un laboratorio donde experimentar con distintos sonidos y así, poder dar rienda suelta a sus obsesiones sobre el "nuevo sonido estelar" produciendo Skiffle y Pop de nueva generación. Pero Joe no tenia mucha idea de música, así que recurre al compositor Geoff Goddard para que dé forma sobre el pentagrama, las ideas e imágenes que rondaban la mente de Meek, que imaginaba sonidos constantemente, creaba cachivaches para deformar el sonido y hacer ecos, en su mayor éxito creo un efecto tirando unas canicas en el inodoro y luego invirtió la secuencia y añadiendo unos ecos. Uno de sus primeros trabajos "Hear A New World" para The Blue Men, todavía deja perplejo a más de uno. Su siguiente trabajo "Angela Jones” de Michael Cox suavizaba su obsesion y le mantenía en el mercado.



1962 fue el gran año de Meek, su single “Telstar” se convertiría en el instrumental más vendido en Inglaterra, con su grupo interprete, The Tornados, comenzaría su primera incursión el el mercado americano, justo un año antes de la Brithis invasion, que encabezaron the Beatles. Sobre estos ultimos cuenta la leyenda que poco tiempo antes le habia rechazado a Brian Epstein la oferta de producir a los cuatro de Liverpool alegando que hacian "un montón de ruido copiando música de otros", tambien dejó pasar a un joven David Bowie y a Rod Stewart, al que, al escucharle cantar, se puso las manos sobre los oídos y comenzó a gritar hasta que el pobre de Rod abandonó el estudio avergonzado. Con el que sí trabajó fue con Tom Jones, aunque no consiguió ningún éxito para él. Entre 1962 y 1964, Meek sacó 141 singles al mercado, gente como Screaming Lord Sutch, Mike Berry, The Outlaws ( en el que tocaba un joven Richie Blackmore que luego pasaría a formar parte de Deep Purple), The Moontrekkers, Gene Vincent, Billy Fury, Petula Clark, Lonnie Donegan, Lyttelton Humphrey, Diana Dors, Michael Cox, Frankie Vaughan, the Satelites, Tommy Stele, Emile Ford & The Checkmates, John Leyton...y un largo etc pasaron por su mesa de grabación, tal cantidad de singles llamaron la atención de otro extravagante productor, Phil Spector (que tan solo publicó 24 durante ese periodo), que decidió llamar para conocerle, Sorprendentemente Meek le acusó de haberle robado sus ideas y tras colgarle el auricular comenzó a rondarle una fantasía paranoica en la que Spector le pinchaba el telefono y espiaba sus grabaciones, era el comienzo de su declive.

Durante los siguientes años consiguió vivir bastante bien de los Royalties de “Telstar” y otros instrumentales del mismo estilo (Space-western), pero comenzaron a surgir sus traumas. Comenzaron los ataques de furia, rompía con asiduidad parte del estudio y despedía músicos a diario. Parte de su frustración era debido a su oculta homosexualidad, en aquella época esta penado por la ley, ocultó su relación con el bajista de the Tornados, Heinz Burt, al que le intentó producir una carrera en solitario. Su adicción a las anfetaminas fue en aumento y confesaba tener largas conversaciones con los espiritus de Buddy Holly y Eddie Cochran. La existencia y triste final de Meek llamó la atención del actor y productor Kevin Spacey, que en 2008 produjo "Telstar: The Joe Meek Story", una película de Nick Moran, en la que se retrata con mucha precisión el personaje y su época, es difícil de encontrar ya que no ha sido estrenada en España, pero os puedo decir que es un Biopic digno, que no ahorra detalles a la hora de mostrarnos el barullo mental de Meek, magnífico y muy recomendable.



Tal vez fue un genio adelantado a su tiempo, quizás un loco excesivo con una mente torturada, pero sus singles consiguieron recaudaciones millonarias, un autodidacta sin criterio o un visionario, que también fue un inventor, una famosa linea de compresores de audio lleva su nombre, y el teclado creado para “Telstar” (la Clavioline) fue un éxito de ventas en todo el mundo. Que habría sido si...que hubiera pasado si no...las cosas son como son y la historia de la música se nutre de vicios y virtudes, traumas y esfuerzos, y los genios lo son por si mismos, por su legado, a pesar (o gracias) a sus ruinas y defectos.

Otis Redding "Sitting on (the dock of the Soul)"

Su estilo provenía del sur, de aquello que muchos llamaban "Deep Soul" ó "Soul profundo", caracterizado por una alta utilización de instrumentos de viento y una interpretación vocal muy intima, que provenia de muy adentro. A pesar de todo ello fue considerado el mayor exponente del nuevo Soul, del sonido "Stax", llamado así por el sello discográfico que renovó el R&B, escalando un paso más hacia el Soul moderno. Aunque su carrera fue relativamente breve, su paso por la música encarna la esencia misma de la música Soul en su forma más pura, y su trágica muerte es un acontecimiento tán relevante y trascendente como las de Buddy Holly, Janis Joplin, Jim Morrison o John Lennon.

Otis Redding nació en Dawson (Georgia) en Septiembre de 1941, sin embargo se crió en Macon, dode su padre compaginaba sus labores como predicador con su trabajo en una base militar de la zona. Pronto Otis tuvo que dejar la escuela para hacerse cargo de sus cinco hermanos, su padre cayó enfermo y el pequeño Redding tuvo que comenzar a trabajar para ayudar a su familia, sin embargo la pasión del pequeño era, evidentemente, la música, comenzó cantando en el coro de la iglesia bautista de Vineville, había tocado la batería y la guitarra en la escuela, y estaba familiarizado con los rudimentos del piano gracias a su paso por un cuarteto de gospel. Pero habrá que esperar hasta 1958, para que Otis dé el paso definitivo al mundo de la música, es en ese año cuando entra como vocalista en The Upsetters, el grupo en el que el ídolo local, Richard Wayne Penniman, más conocido como "Little Richard", se había dado a conocer. Durante esa época Richard fue su referencia musical, aprendió sobre el negocio de la música, y conoció a su futuro mánager, Phil Walden, un tipo blanco metido en el mundillo del R&B, y sobre todo a Zelma, quien se convertiría más tarde en su mujer.

De todos modos las cosas no les fueron muy bien, así que Redding decide seguir los pasos de Richard y probar suerte en Los Angeles, pasa unos meses allí y tras grabar un par de sencillos sin repercusión ninguna, en ellos la influencia de su "tutor" es notoria, sin embargo carecían del personal sello que más tarde le caracterizaría, aún que para ser justos es quizás el estilo rockero y chillón de Little lo que marcaría la diferencia en el sello de Otis. Decepcionado, decide trabajar lavando coches para pagarse el billete de vuelta a Macon, y una vez de vuelta en casa contacta con el antiguo guitarrista de The Upsetters, Johnny Jenkins, quien le ofrece un puesto como miembro permanente de su nueva banda The Pinnetoppers, allí no solo canta, hace de Pipa (Roadie), chofer y showman ocasional.

Durante esa época, una joven discográfica de Memphis, Stax Records, fundada por un músico blanco de raíces Country (Jim Stewart), y su hermana Estella Axton, empezaba a tener un éxito importante con un tema instrumental "Green onions" de Booker T. & The MG.’s. Era el verano de 1962 y la discográfica andaba en busca de un nuevo hit, The Pinnetoppers incluian entre su repertorio un buen montón de instrumentales, así que no dejaron pasar la oportunidad. Pero la verdad es que los temas de Jenkins no impresionaron mucho en Stax, hasta que en una de las ocasiones permitieron cantar a Otis, para aprovechar unos minutos restantes de una sesión ya pagada. Para esa ocasión Redding cantó dos temas, el primero una versión de "Hey, hey, baby" de Little Richard, que no convenció a nadie, no querían un sucedáneo de el de Georgia en Stax. El segundo tema elegido fue un tema compuesto por el propio Otis, "These arms of mine", mientras la estupenda balada desgranaba su cadencia, la voz visceral y rota de Redding se colaba entre los poros de todos los presentes, dejando a todo el estudio sin respiración.



A partir de ese momento Otis se convierte en el nuevo eje de Stax, comienza a grabar sin parar, su crecimiento personal y artístico fue vertiginoso, componía la mayor parte de sus temas y tenia un control ferreo de sus grabaciones. Pate de este crecimiento, no hay que olvidarlo, se debió a la asociación con Steve Cropper (Booker T. & The MG.’s, the Blues brothers), uno de los compositores Soul mas punteros del momento, además de un gran instrumentista y un pilar fundamental del sonido Memphis.
El estilo de Redding no era especialmente innovador en su concepto, fue su forma de interpretar lo que le dio el matiz diferenciador. Su voz podía pasar de ser suave y aterciopelada a rasgada y rota, de hecho muchos afirman que Otis era en realidad sinónimo de Rock & Roll, y no están equivocados, su furia al cantar los suaves y profundos temas gospel eran inusual y único, hasta los Stones aplaudieron con entusiasmo su interpretación de "(I can't get no) Satisfaction".

La recopilación de sus primeros singles se recopilaron en lo que sería su primer Lp, “Pain in my heart”, lanzado en 1964, a pesar de notarse aún la influencia de Little Richard, está considerado una de las obras maestras del Soul, toda la magia y poder de Otis, acompañado de los mejores músicos de Stax, Al Jackson a la batería, Booker T. al teclado, Isaac Hayes al órgano, Steve Cropper a la guitarra... El talento de Redding como vocalista y compositor quedaría certificado un año más tarde con “The great Otis Redding sings soul ballads” y por supuesto con “Otis blue”, un disco grabado en vivo, considerado como una de las obras magnas de la música negra, una selección de temas, incluyendo algunos de Sam Cooke, asesinado unos meses antes, de Ben E. King, Smokey Robinson, Solomon Burke, Rolling Stones, y composiciones propias que elevan a Redding a la categoria de genio, y además sirvió de base para definir los nuevos límites de un género, el Soul.

Durante sus siguientes años de fama Otis se convirtió en un entusiasta defensor de los derechos civiles, e invirtió en la causa no poco tiempo ni medios materiales, interviniendo en todo aquel acontecimiento reivindicativo en el que era invitado. Monta su propis discografica: Jotis, con la que produce a otros artistas. En 1967, el panorama musical había comenzado a cambiar, el Rock ganaba terreno y las bandas inglesas traian aires nuevos. Stax andaba promocionando sus ases, Arthur Conley, Aretha Franklin, Sam & Dave, Eddie Floyd...Así que deciden aprovechar el Soul está siendo reivindicado por los jóvenes british para emprender la conquista europea, el resultado fue impresionante y provechoso, tanto que un semanario musical muy influyente americano (Melody Marker), le otorga el titulo de mejor cantante del año, algo insólito ya que los últimos nueve años´éste honor había sido concedido a Elvis Presley.

En la cumbre del éxito, durante una gira con los Bar- Kays (Agosto de 1967), Otis escribe el primer verso de un tema eterno, en un principio llama este proyecto "Dock of the Bay", durante los siguientes meses se embarca en una gira junto a Carla Thomas "King & Queen", el rey y la reina del Soul de Memphis juntos en el escenario. Redding sigue escribiendo "Dock of the Bay", hasta que finalmente en Noviembre y con la ayuda de su amigo Steve Cropper, el tema toma definitivamente forma, y tiene un aire distinto y nuevo, ambos saben que tienen entre manos un éxito revolucionario. La sesión de grabación queda en espera al momento adecuado para su lanzamiento, sin embargo la mala suerte se cruzó en el camino del artista. El 10 de diciembre de 1967, Otis Redding fallecía en un accidente aéreo en las afueras de Madison (Wisconsin), a sólo tres minutos de su destino, en el siniestro fallecían también casi todos los miembros de los Bar-Keys. A sus funerales acudieron más de 500 personas, incluyendo a lo más granado de la música negra del momento, James Brown, Stevie Wonder, Aretha, Joe Simon, (que cantó acompañado de Booker T.), Sam & Dave (que portaron a hombros el féretro)....

Falleció con tan sólo 26 años, "Sitting on (the dock of the bay)" fue lanzado postumamente en enero de 1968, Redding no pudo disfrutar de su primer número uno en todas las listas, con más de un millón de copias vendidas en un solo mes. Tal vez Cooke sea el padre del Soul, y quizás James Brown su "padrino", pero el Rey indiscutible fue y será Redding, su voz ronca y visceral, su sentimiento y carnalidad al interpretar te hace arder las entrañas, una de las canciones mágicas e imprescindibles de la historia de la música, un artista eterno e inmortal, "the King of Soul"...mr Otis Redding.

Version Original: "Needles And Pins",

La verdad es que fue una pregunta de mi primo Germán (Mus) lo que dio pie a esta "sección" en la que indagamos sobre el origen de algunos temas, buscando su versión original y las curiosidades que rodean a cada una de ellas. En particular, la pregunta de mi primo era (mas o menos):" Primo se que no eran de los Ramones por que en la peli "the Commitments" sale otro grupo haciendo una versión y la peli fue antes que este LP pero ¿De quien es la original? ¿Sabes el porqué de su nombre?".... Bueno, iremos desgranando las respuestas poco a poco, de momento, enhorabuena por tu memoria cinematográfica, yo he tenido que revisar la película en cuestión para descubrir que en la escena de la primera boda, la infumable banda que ameniza el acto tocan una pésima versión de este clásico de la música pop, pero vayamos al tema...

Los Ramones no fueron la primera banda de Punk-Rock, pero si fueron los mejores y los que más han influido en posteriores formaciones. Y eso que ninguno de sus sencillos consiguió repercusión comercial, tan sólo dos de sus trabajos discográficos consiguió entrar en el top 50 del Billboard. Inventaron todo un nuevo estilo a golpe de camisetas negras, chupas de cuero y botas, estos cuatro jóvenes con el mismo apellido, pero sin ser hermanos, comenzaron su andadura en Queens, y rapidamente dieron forma, espíritu e imagen al incipiente Punk-Rock, con interpretaciones simples, minimalistas, repetitivas y muy potentes,en clara oposicion a la pomposidad y complejidad de los temas de otras bandas que triunfaban en aquellos años 70. Este sonido se basaba principalmente en las cuerdas de Johnny Ramone (John Cummings)y la intensa voz de Joey Ramone (Jeffry Hyman), un maniaco depresivo compulsivo de cuidado, que se había criado con su madre escuchando a The Who o The Stooges. Los seguidores de la banda se cuentan como legión y su sombra se extiende hasta nuestros días sin perder nada de su potencia, entre las pocas baladas que interpretaron, se encuentra esta "apasionada" interpretación de "Needles & Pins" que incluian en uno de sus discos más vendidos "Road to Ruin" (1978).



Muchas otras bandas y solistas han interpretado este tema a lo largo del tiempo, Smokie, Cliff Richard, Tom Petty and Stevie Nicks, the Venturers, Del Shannon, The Turtles...pero vayamos a su momento de gloria..

The Searchers fueron un grupo con muchos puntos en común con the Beatles, ambos originarios de Liverpool, ambos se curtieron en Hamburgo y las dos bandas se dieron a conocer en un pequeño club, Beatles en the Cavern y los Searchers en el Iron Door, tán sólo a una esquina de distancia. Pero ambos grupos desarrollaron un sonido propio, y consiguiendo, a distinto nivel, éxitos de consideración, en especial entre 1963 y 1966. Los Searchers cosiguieron su primer número 1 con una sola sesión de grabación para el sello PYE en la primavera de 1963, el tema elegido fue una versión "Mersey" de el clásico de the Drifters: "Sweets for my sweet", su siguiente éxito "Sugar and spice" les mantiene en el número 2 de las listas UK.

La competencia entre las bandas inglesas de aquellos años era tremenda, los Beatles tenían mejores composiciones, los Hollies mejores armonias vocales, pero the Searchers conseguian un sonido único. En 1964 llega su reconocimiento internacional con el mayor de estos éxitos, lo disfrutaron a principios de 1964 con un tema que habían escuchado unos meses antes en Hamburgo a Cliff Bennet & The Rebel Rousers, el single "Needles and pins" / "Saturday night out", conseguiría escalar rápidamente al nº 1 en Gran Bretaña y el 13 en Estados Unidos. Para mi es la versión mas conseguida, poco más de dos minutos de melodía perfecta, con una base ritmica impecable y, en especial, unas guitarras brillantes. Desde los acordes de la introducción ya cobran protagonismo, cuenta el guitarrista John McNally que muchos otros grupos les felicitaron por haber utilizado una guitarra eléctrica de doce cuerdas para este tema, la realidad es que los Searcher nunca habían utilizado un instrumento así, pero enseguida corrieron a comprar una. En realidad en la grabación original suenan dos guitarras de seis cuerdas tocadas al unisono, la Gibson ES345 de Mike Pender y la Hofner Club 60 tocada por John McNally. El efecto se consigue por que la primera producía un sonido semi grave y la Hofner un tono muy agudo, producido por una modificación de los cables de las pastillas cuando la desmontaron para pintarla, este estlo marcó a otras generaciones de músicos, no hay más que escuchar los primeros discos de the Birds o the Turtles para darse cuenta.

1964 fue sin duda el mejor año para "Needles and pins", pero no su primera vez en las listas, un año antes la cantante de Kentucky, Jackie DeShannon ya había conseguido un éxito menor al otro lado del charco, el tema alcanzó un tibio nº 84 en las listas USA en mayo de ese mismo año, pero subió algo más en las de Canadá. La interpretacion es genial tiene un toque maravilloso y personal y el tema funciona a la perfección , sin embargo, el mercado musical es muy complicado, está saturado de melodías parecidas y no acaba de calar entre el público. Y aquí podía acabar la historia ya que en realidad la primera vez que se grabó este tema fue ese año, además algunos adjudican la autoría del tema a la propia Jackie, algo que no es cierto...pero, por supuesto, hay más que contar.

Jack Nitzsche, antes de ser el principal arreglista de Phil Spector, se buscaba la vida copiando partituras para estudios de grabación, durante esa época conoció a Sonny Bono, un tipo curioso que igual tocaba la percusión, hacía promociones de cantantes, arreglos o componía. Junto a él compone "Needles and pins", según Sonny, basada en una experiencia personal, la sencilla melodía, basada en una progresión de acordes, habla sobre el dolor de dejar a alguien y darse cuenta tarde de el error, habla del dolor ("...así empiezan, agujas y alfileres. Por todo mi orgullo, las lágrimas tengo que ocultar).

Deciden ofrecerle el tema a una joven artista en auge, Jackie DeShannon, pero como es costumbre, deciden grabar una demo para que la cantante la escuche. Para la ocasión eligen a una joven acostumbrada a estos menesteres y a hacer coros y segundas voces en grabaciones de otros artistas, la joven en cuestión era un novia de Sonny, con la que posteriormente se casaría y formaría un dúo de relativo éxito. Por supuesto os hablo de Cher, que posteriormente tambien gabaría la canción, se puede considerar su primera interprete, aunque nó la primera en registrarla en vinilo. Este dato está muy cuestionado, sin embargo existen bastantes probabilidades de que sea cierto. Por de pronto os dejo esta curiosa sesión de grabación dirigida por el propio Sonny, que os puede dar una idea de lo que fue aquella demo...